La experiencia de los alumnos de 4º de Artes Escénicas e Interpretación Audiovisual de TAI en Conde Duque

En la Escuela Universitaria de Artes TAI, el concepto de actor creador no es un lema: es una práctica diaria, un eje pedagógico y una forma de entender el oficio. Durante cuatro años, los estudiantes aprenden a interpretar, sí, pero también a escribir, dirigir, producir, diseñar y sostener un proyecto escénico desde la primera intuición hasta el estreno. El resultado de ese recorrido se hace visible cada año en las Muestras Finales de 4º, donde los alumnos presentan sus proyectos de creación escénica y audiovisual en un espacio profesional de la ciudad de Madrid.

Este año, el Centro de Cultura Contemporánea Conde Duque acogió nueve obras originales, creadas, dirigidas y producidas íntegramente por los estudiantes del Grado en Artes Escénicas e Interpretación Audiovisual.

La figura del actor creador implica asumir que el intérprete no es un ejecutor, sino un artista capaz de generar discurso. En TAI, este enfoque se traduce en:

• Autonomía creativa: cada grupo concibe su obra desde cero.
• Responsabilidad artística: dramaturgia, dirección, producción, comunicación, diseño… todo recae en el equipo.
• Trabajo colaborativo: los proyectos se sostienen en la escucha, la negociación y la construcción colectiva.
• Profesionalización real: estrenar en un espacio como Conde Duque exige rigor, planificación y excelencia.

El resultado es un aprendizaje que no solo forma intérpretes, sino creadores capaces de sostener una obra completa.

Las nueve obras estrenadas en Conde Duque

A lo largo de tres días —14, 18 y 19 de febrero— el público pudo sumergirse en propuestas que abordaron temas como la violencia estructural, la memoria, la identidad, la soledad contemporánea, el fin del mundo o la imposibilidad del amor. Cada pieza fue una declaración artística y un ejercicio de madurez creativa.

Las nueve obras:

• Nos llamarán criadas
• Área de personas perdidas
• ROTAS
• Una luz a través de un prisma
• El coleccionista de recuerdos
• Sueño con el fin del mundo
• Amor (Im)posible
• La hora de la estrella

La experiencia desde dentro: voces de los creadores

Nada refleja mejor el impacto de este proceso que las palabras de quienes lo vivieron. Dos de los grupos comparten aquí su experiencia.

Área de personas perdidas

“Tener la oportunidad de construir y bajar a tierra las ideas que más nos obsesionan es un grandísimo privilegio. Durante el proceso, hemos podido asentar todos los conocimientos que TAI nos ha brindado durante estos cuatro años de formación y nos ha permitido demostrarnos que estamos preparados para salir al mundo real con una mochila de recursos, ideas e ilusiones, y con la certeza de ser capaces de sacar adelante proyectos de calidad.

Creemos que Área de personas perdidas ha sido un proyecto ambicioso y complejo. Al tratarse de teatro del absurdo, hemos tenido que buscar la manera de volcar nuestra visión del mundo actual a través de la creación de imágenes y metáforas; creando personajes muy alejados de nosotros.

Como grupo, como compañeros y, sobre todo, como amigos, no podemos estar más orgullosos del resultado y nos sentimos privilegiados por haber tenido la oportunidad de presentarlo en un espacio tan fantástico como Conde Duque.”

El coleccionista de recuerdos

“Montar El Coleccionista de Recuerdos desde cero y estrenarlo en Conde Duque ha sido una experiencia profundamente desafiante y transformadora. Partimos de una página en blanco y construimos, escena a escena, un universo propio: personajes, vínculos, tiempos y espacios que fueron tomando forma a través del trabajo colectivo.”

El proceso implicó sostener decisiones, resolver imprevistos y asumir responsabilidades más allá de lo esperado, entendiendo que una obra no se construye solo desde la idea, sino desde el compromiso diario.

“Verla finalmente en escena, frente al público, fue la confirmación de todo ese recorrido y del esfuerzo que hizo posible que existiera.”

Las Muestras Finales en Conde Duque no son solo un escaparate: son un rito de paso. Los estudiantes de 4º se enfrentan por primera vez a un público real con una obra que han construido desde la raíz. Descubren sus fortalezas, sus límites, sus obsesiones y su voz artística.

Y, sobre todo, comprueban que están preparados.

Los Miserables no es solo un musical, es una lección de vida para quien sueña con dedicarse al canto e interpretación.

En cada nota y cada mirada, este clásico enseña cómo convertir la técnica en emoción, la voz en relato y el escenario en un espejo del alma humana.

Sentir antes que cantar

Cuando Jean Valjean canta Who Am I? o Fantine entona I Dreamed a Dream, no solo escuchamos voces potentes, sino verdades desgarradas.

Los estudiantes descubren que cantar no es lucir la voz: es contar una historia. La técnica vocal importa, sí, pero la emoción auténtica es lo que transforma una melodía en una confesión.

En los ensayos, trabajar con escenas de Los Miserables ayuda a entender cómo cada respiración puede cargar de significado una frase.

Aprenden a sostener una nota con intención, no solo con aire; a cantar para el personaje, no para el aplauso.

La interpretación: cuando el cuerpo también canta

La magia del musical radica en que el cuerpo se convierte en instrumento.

El temblor de una mano, una mirada perdida o una pausa antes del clímax pueden transmitir tanto como una voz afinada. Los Miserables enseña a integrar la voz, el gesto y el movimiento hasta lograr una interpretación viva y honesta.

Estudiar esta obra es comprender que actuar no es “fingir”, sino habitar. Los estudiantes descubren que la interpretación comienza cuando el personaje respira dentro de ti.

 

Descubre:

Cómo aprender canto e interpretación

Es una herramienta clave en castings digitales y debe proyectar profesionalismo, autenticidad y una excelente interpretación para destacar entre cientos de candidaturas.

¿Qué es un self tape?

El término self tape proviene del inglés y hace referencia a una audición grabada por el propio actor, generalmente desde casa. A diferencia de los castings presenciales, esta modalidad permite al actor enviar su prueba a través de internet, lo que ha revolucionado la forma de presentarse a un papel en cine, teatro, televisión o publicidad.

Comprender qué es un self tape es fundamental si quieres avanzar en tu carrera actoral.

Los directores de casting reciben decenas o incluso cientos de estos videos, por lo que contar con un self tape bien hecho puede marcar la diferencia entre ser elegido o pasar desapercibido.

¿Cómo grabar un self tape profesional?

Una de las preguntas más comunes entre actores es cómo grabar un self tape que realmente funcione.

La clave está en cuidar tanto los aspectos técnicos como artísticos:

• Iluminación: Usa luz natural siempre que sea posible o invierte en una luz frontal suave que elimine sombras del rostro.
• Fondo: Un fondo liso y neutro (blanco, gris claro o azul pastel) es ideal. Evita espacios con objetos o decoraciones que distraigan.
• Cámara: Puedes usar una cámara réflex, un smartphone con buena resolución o una webcam HD. Asegúrate de grabar en horizontal.
• Audio: El sonido debe ser claro. Usa un micrófono externo si es posible, o graba en un espacio cerrado y silencioso.
• Texto y actuación: Aprende bien el texto, entiende las intenciones del personaje y evita sobreactuar. Sé auténtico.

¿Cómo hacer un self tape que destaque?

Ahora que sabes cómo grabar un self tape, el siguiente paso es asegurarte de que destaque entre el resto.

Aquí te damos algunos consejos adicionales:

1. Prepara el entorno: Silencia tu teléfono, cierra ventanas y reduce al mínimo el ruido ambiental. Cuida también la estética del encuadre.
2. Haz varias tomas: No te quedes con la primera grabación. Repite hasta que consigas una interpretación natural y convincente.
3. Edición básica: No es necesario editar como si fuera una película, pero puedes recortar el inicio y el final para que el video sea limpio.
4. Vístete para el personaje: Usa ropa que sugiera el tipo de rol que estás interpretando, sin caer en disfraces ni elementos recargados.
5. Formato del archivo: Nómbralo con tu nombre completo y el personaje (Ej: JuanPerez_RolPedro.mp4). Envía el archivo en buena calidad, pero no excesivamente pesado.

Errores comunes al hacer un self tape

Si estás aprendiendo cómo hacer un self tape, evita los errores más comunes:

• Improvisar sin ensayar previamente.
• Grabar con mala luz o con ruido de fondo.
• No seguir las instrucciones del casting (duración, encuadre, tipo de plano).
• Actuar de forma exagerada o poco natural.

¿Por qué es tan importante dominar el self tape?

En la era digital, saber exactamente qué es un self tape y cómo grabarlo con eficacia se ha convertido en una competencia básica para cualquier actor.

Muchos castings, tanto nacionales como internacionales, se realizan hoy exclusivamente por video. Un buen self tape puede abrirte puertas y representar tu carta de presentación profesional para tu carrera de artes escénicas.

Si estás iniciando o desarrollando tu camino como actor

La expresión corporal en el teatro es una herramienta esencial para transmitir emociones, sensaciones e intenciones más allá de las palabras. A través del cuerpo, el actor puede construir un personaje más completo y lograr una comunicación profunda con el público. Entrenar esta capacidad es clave para cualquier intérprete escénico.

¿Qué es la expresión corporal en el teatro?

La expresión corporal en el teatro se refiere al uso consciente del cuerpo para representar ideas, emociones y acciones. Incluye posturas, gestos, movimientos, miradas y desplazamientos que enriquecen el lenguaje actoral y hacen más creíble la interpretación.

Beneficios del entrenamiento corporal en actores

• Mejora la conciencia del cuerpo y el espacio
• Fortalece la conexión emocional con los personajes
• Favorece la creatividad y la espontaneidad
• Enriquece la comunicación no verbal
• Desarrolla la presencia escénica

Ejercicios de expresión corporal para teatro

Aquí tienes algunos ejercicios de expresión corporal para teatro ideales para incorporar en tu entrenamiento diario:

1. Caminatas emocionales

Camina por el espacio representando distintas emociones (alegría, tristeza, ira, miedo). Cambia el ritmo, la postura, la energía y la dirección según cada emoción.

2. Juego del espejo

En parejas, un actor guía los movimientos y el otro los imita como si fuera su reflejo. Este ejercicio mejora la escucha corporal, la coordinación y la precisión del movimiento.

3. Esculturas vivientes

Crea con tu cuerpo una escultura que represente conceptos abstractos como libertad, angustia o soledad. Luego da vida a esa escultura mediante el movimiento.

4. Improvisación corporal

Improvisa una escena sin palabras, utilizando solo el cuerpo para comunicar lo que sucede. Enfócate en la intención detrás de cada gesto y desplazamiento.

Técnicas de expresión corporal

Existen varias técnicas de expresión corporal que forman parte de la formación actoral. Algunas de las más destacadas son:

Método Lecoq

Se basa en el movimiento, el juego y los elementos de la naturaleza. Invita al actor a explorar su cuerpo como instrumento expresivo.

Técnica de Grotowski

Propone un trabajo físico profundo que libera al actor de bloqueos y hábitos. Busca una interpretación más orgánica y auténtica.

Técnica de Alexander

Ayuda a liberar tensiones innecesarias del cuerpo y a mejorar la postura. Es muy útil para mejorar la calidad del movimiento escénico.

Desarrollar la expresión corporal en el teatro es fundamental para lograr actuaciones más completas, genuinas y poderosas. Mediante ejercicios de expresión corporal para teatro y aplicando diversas técnicas de expresión corporal, los actores pueden potenciar su herramienta más importante: el cuerpo. Un cuerpo entrenado y expresivo es capaz de contar historias que el lenguaje verbal no alcanza a transmitir. Si estás interesado/a en esta disciplina, puedes consultar información sobre la carrera de Artes Escénicas de TAI.

En esta guía te explicamos todo lo que necesitas saber para desarrollar tu trayectoria profesional en las artes escénicas.

¿Qué son las artes escénicas?

Las artes escénicas engloban todas aquellas disciplinas artísticas que se representan en un espacio escénico frente a un público. Incluyen manifestaciones como:

• Teatro

• Danza

• Música en vivo

• Ópera

• Circo

• Performance

Su esencia radica en la expresión artística en vivo, creando experiencias únicas y efímeras entre el artista y el espectador.

¿Cuál es el objetivo de las artes escénicas?

El principal objetivo de las artes escénicas es:

• Comunicar emociones, historias, ideas o reflexiones a través de la acción en directo.

• Establecer un vínculo emocional y reflexivo entre el intérprete y el público.

• Explorar lenguajes expresivos que integren cuerpo, voz, movimiento, música, escenografía y tecnología.

Además, las artes escénicas buscan generar impacto social, cuestionar realidades y abrir espacios para el diálogo cultural.

Áreas de especialización en las artes escénicas

Una carrera en las artes escénicas ofrece múltiples áreas de especialización. Algunas de las más destacadas son:

1. Interpretación y actuación

• Teatro clásico y contemporáneo

• Cine y televisión

• Teatro musical

• Improvisación y clown

2. Danza

• Danza clásica

• Danza contemporánea

• Danza urbana

• Bailes folclóricos

3. Dirección escénica y dramaturgia

• Dirección de teatro, danza o performance

• Escritura de guiones, textos teatrales o coreografías

4. Producción y gestión cultural

• Producción de espectáculos

• Gestión de compañías, teatros y festivales

5. Técnicas escénicas y diseño

• Escenografía

• Iluminación

• Vestuario

• Sonido y multimedia escénica

Salidas profesionales en las artes escénicas

Las artes escénicas ofrecen una gran variedad de salidas profesionales, tanto artísticas como técnicas y de gestión:

• Actor/actriz de teatro, cine o televisión

• Bailarín/a profesional

• Coreógrafo/a

• Director/a de escena

• Dramaturgo/a

• Productor/a de espectáculos

• Técnico/a de iluminación, sonido, vestuario o escenografía

• Gestor/a cultural en teatros, compañías, centros culturales o festivales

• Docente en escuelas de artes escénicas

Además, el auge de plataformas digitales ha abierto nuevas oportunidades en creadores de contenido escénico online, teatro virtual y performance interactiva.

¿Dónde estudiar artes escénicas?

Elegir la formación adecuada es clave para construir una carrera profesional en las artes escénicas. Algunas opciones recomendadas son:

Escuelas Superiores y Universidades

• Escuelas nacionales de arte dramático y danza.

• Facultades de Bellas Artes, Artes Escénicas o Comunicación Audiovisual con especialidad en teatro o danza.

• Escuela Universitaria de Artes TAI, cuenta con un Grado Universitarios en Artes Escénicas e Interpretación Audiovisual, másteres y diplomas especializados.

Conservatorios y academias profesionales

• Conservatorios superiores de danza y música.

• Academias privadas especializadas en teatro, danza, interpretación frente a cámara o dirección escénica.

Cursos, workshops y másteres

• Talleres de teatro y danza contemporánea.

• Workshops de interpretación, técnica vocal, clown, dirección y dramaturgia.

• Másteres en producción, gestión cultural o artes escénicas.

Consejos para tener una carrera exitosa en las artes escénicas

• Formación continua: Las artes escénicas evolucionan constantemente, por lo que es clave actualizarse con cursos y talleres.

• Versatilidad: Dominar distintas disciplinas (voz, cuerpo, interpretación, danza) te abrirá más oportunidades.

• Networking: Asiste a festivales, muestras, encuentros y genera contactos en el sector.

• Constancia y perseverancia: El camino puede ser competitivo, pero con esfuerzo, disciplina y pasión es posible consolidar una carrera.

• Crear tus propios proyectos: No esperes que las oportunidades lleguen solas; impulsa tus propios espectáculos, compañías o creaciones escénicas.

Las artes escénicas son una vía de expresión poderosa y enriquecedora. Con una formación adecuada, una visión clara de tus objetivos y dedicación, puedes construir una carrera profesional exitosa en este apasionante mundo. Ya sea en el escenario, detrás de bambalinas o gestionando espectáculos, las posibilidades son infinitas. Si te interesa estudiar artes escénicas, consulta las titulaciones de la Escuela Universitaria de Artes TAI.

Aunque el miedo escénico parece una reacción momentánea y sin importancia, puede llegar a generar una situación incómoda y de malestar en aquellos que lo experimentan. Por ello, es importante aprender a controlarlo, utilizando las mejores herramientas para combatirlo.

A lo largo de este artículo descubrirás en qué cosiste exactamente el miedo escénico, cuáles son sus causas y efectos, así como consejos y técnicas para evitarlo.

¿Qué es el miedo escénico?

Se trata de una respuesta emocional y física a la exposición a una audiencia determinada. Esta reacción surge cuando la persona percibe esta situación como una amenaza a su capacidad de desempeño y autoestima.

La exposición al juicio de los demás provoca una sensación de vulnerabilidad e inseguridad que activa el sistema de respuesta al estrés, generando síntomas como sudor, temblor o dificultad para hablar y concentrarse.

Causas y efectos del miedo escénico

El miedo escénico puede aparecer por diferentes motivos, muchos de ellos relacionados con varios factores sociales y psicológicos. Las principales causas son:

1. Miedo al juicio. El miedo a ser juzgado negativamente por la audiencia puede provocar el miedo escénico. Las personas que lo experimentan temen equivocarse o hacer el ridículo ante el público.

2. Perfeccionismo. El perfeccionismo y la presión sobre uno mismo son las causas más comunes. El temor a cometer errores o a no cumplir con las expectativas del público genera una sensación de malestar e inseguridad que paraliza a los artistas.

3. Falta de experiencia. La falta de práctica o experiencia hablando en público puede provocar nerviosismo y ansiedad, aumentando el miedo escénico.

4. Experiencias o traumas pasados. Las experiencias negativas pueden influir en la actitud y el comportamiento de una persona al enfrentarse a una audiencia, aumentando el temor a vivir una situación similar.

El miedo escénico no solo tiene efectos psicológicos, sino también físicos y emocionales. Entre los efectos más significativos y comunes podemos encontrar: 

– Taquicardia

– Ansiedad

– Sudoración

– Temblor

– Náuseas

–  Angustia

– Baja autoestima

– Inseguridad 

– Pérdida de oportunidades laborales y de crecimiento.

Técnicas para manejar y superar el miedo escénico

En la actualidad, existen diferentes técnicas y prácticas que ayudan a combatir y superar el miedo escénico, permitiendo a los artistas desenvolverse y ganar mayor confianza en el escenario. Algunas de las más utilizadas son:

Respiración

Controlar la respiración antes de salir al escenario ayuda a reducir los niveles de estrés y ansiedad. Inhalar y exhalar lentamente por la nariz y la boca permite calmar la mente y el cuerpo.

Técnicas de relajación

Practicar algunos ejercicios como el yoga o la meditación te ayudará a preparar y entrenar tu mente para cualquier desafío, reduciendo los niveles de estrés y ansiedad.

Preparación

Una de las prácticas que más ayudan a vencer y combatir el miedo escénico es ir bien preparado y ensayar tu obra o discurso varias veces antes del evento. Así, conseguirás familiarizarte con el guion y conseguirás una mayor soltura y confianza.

Enfrentarse al miedo gradualmente

Una de las mejores técnicas para superar el miedo escénico es enfrentarse a él de manera gradual. Puedes comenzar exponiéndote a pequeñas audiencias y poco a poco aumentar el tamaño del público.

Ejemplos y testimonios

El miedo escénico es una reacción más común de lo que pensamos. Muchos han sufrido esta sensación durante su trayectoria artística. Celebridades como Adele, Emma Watson, Marilyn Monroe o Salma Hayek han hablado públicamente de su experiencia sufriendo miedo escénico y de su lucha para superar esta reacción y continuar con éxito la actuación. Estos ejemplos demuestran que esta sensación de pánico e inseguridad puede superarse con el tiempo y trabajando con las estrategias más adecuadas.

Recursos y apoyo profesional

Hacer frente al miedo escénico no es siempre una tarea sencilla, pero existen una gran variedad de recursos disponibles y apoyo para trabajar en ello. 

Talleres de oratoria

Estos cursos están diseñados para brindar herramientas y técnicas de expresión verbal, lenguaje corporal y control de la ansiedad a todos los artistas y profesionales. 

Coaching

Un entrenador especializado en expresión oral podrá facilitarte las mejores técnicas y herramientas personalizadas para vencer tu pánico escénico. 

Libros de autoayuda

Existe una gran variedad de libros escritos por especialistas y psicólogos que podrán facilitarte las mejores técnicas y herramientas para combatir el miedo escénico. Escoge el que más se adapte tus necesidades y pone en práctica todos los consejos y sugerencias que puedan servirte de ayuda.

En la Escuela Universitaria TAI preparamos a los artistas del futuro para que puedan enfrentarse a todos los retos y desafíos de la industria. Con el Grado de Artes Escénicas e Interpretación Audiovisual aprenderás las mejores técnicas y herramientas para desarrollar tu talento, dominar el arte de la interpretación y combatir todos tus miedos en el escenario.

Formarte en arte a nivel universitario es una experiencia transformadora que te va a permitir explorar tus talentos, mientras adquieres la práctica y las habilidades necesarias para desarrollarte como artista profesional. En TAI podrás estudiar en un ambiente creativo y estimulante que te ayudará a desarrollar tu potencial de la mano de los mejores docentes y profesionales de la industria.

Descubre los grados universitarios de arte de TAI

¿Crees que tu futuro está en las artes? Descubre los grados universitarios de artes TAI y especialízate en Cine, Fotografía, Bellas Artes, Artes Escénicas o Música.

¡Te contamos todo de cada uno de ellos!

Grado en Cinematografía

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En este grado oficial aprenderás el funcionamiento completo de una producción a través de una metodología por proyectos y rotación de puestos. Así podrás especializarte en lo que más te gusta: dirección de fotografía y cámara, guion y dirección, postproducción de imagen y creación sonora o producción y diseño de producción.

Realizarás proyectos en platós profesionales y trabajarás con los softwares, cámaras y equipos de iluminación más utilizados en la industria. 

¡Estudia en TAI este grado de arte y fórmate con los mejores docentes y artistas del sector!

Grado en Música

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En este grado de arte aprenderás a desenvolverte en los diferentes ámbitos de la composición musical como bandas sonoras para cine, TV, videojuegos, música urbana o comunicación corporativa.

Además, podrás convertir tus ideas en proyectos concretos y reales de la mano de un equipo de docentes y artistas con una gran trayectoria en la industria.

¡Estudia el Grado en Composición Musical en TAI y desarrolla tu creatividad y talento musical!

Grado en Interpretación

Conviértete en un/a artista multidisciplinar con este grado oficial en Artes escénicas. A través de un programa versátil, innovador y práctico no solo aprenderás a trabajar en rodajes reales como intérprete, sino también como creador/a de contenido de espectáculos propios.

De la mano de los mejores artistas y docentes, interpretarás personajes dentro de diferentes códigos y estilos y adquirirás los conocimientos y técnicas para liderar tus propios proyectos.

¡Estudia Artes Escénicas en TAI y avanza en tu carrera profesional como artista!

Grado en Bellas artes

Con este grado universitario en Bellas Artes construirás tu propia identidad como artista, desarrollando proyectos profesionales de máxima calidad. Durante el programa formativo ampliarás tus competencias en todas las áreas de la creación artística como el diseño, la ilustración  o el diseño audiovisual.

Prepárate para el mundo de las industrias digitales y creativas de la actualidad e incorpórate al mundo laboral con las dos titulaciones que incluye este grado: Grado Universitario Oficial en Bellas Artes y una Diplomatura en Diseño Digital y 3D.

¡Estudia este grado universitario y conviértete en un profesional de la creación artística contemporánea!

Grado en Fotografía

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Con este grado oficial adquirirás una formación completa y práctica adaptada a los nuevos formatos y demandas de la industria. Podrás manejar los flujos de trabajo de la creación audiovisual en proyectos reales para dirigir la imagen en agencias, medios o cualquier institución.

Aplicarás todos los conocimientos teóricos trabajando en producciones y creaciones interdisciplinares con profesionales del sector. 

¡Estudia este grado de arte en TAI y explora tu potencial en el mundo de la fotografía!

España, concretamente, la Gran Vía de Madrid se ha convertido es un destino internacional tanto en el ámbito del teatro como de la cultura. Un lugar en el que se concentran grandes espectáculos colocándose en lo más alto del espectáculo musical en español.

El teatro musical aterriza en España alrededor de la década de los 70, momento en el que se estrenó Jesucristo Superstar, con Camilo Sesto en el papel de Jesucristo y Ángela Carrasco interpretando a María Magdalena.

Actualmente triunfan obras como el Rey León, que lleva instalado en el Lope de Vega de Madrid desde octubre de 2011, celebrando este año su 12ª temporada. Gran Vía ha podido disfrutar de artistas maravillosos y espectáculos de gran recorrido, tales como Mamma Mia, Anastasia, Los Miserables, Chicago y muchos más. En 2018, Madrid se situaba ya en el tercer destino del mundo, con más de tres millones de entradas vendidas al año, por detrás de Nueva York y Londres.

Siendo el tercer destino mundial tendría sentido formar parte de la profesión, pues significa que, cuanto más espectadores haya, más aumenta el mercado y por ello, aumentan las oportunidades laborales. En este caso, la Escuela Universitaria de Artes TAI ofrece una de las formaciones más completas en su Master en Teatro Musical, asociado con Stage Entertainment, oportunidad que abre las puertas a la al mercado laboral de los musicales.

Conoce aquí los mejores musicales de esta temporada.

10 Mejores espectáculos de Teatro Musical

El Fantasma de la Ópera

Consolidado como el musical con mayor permanencia en cartel en Broadway, El Fantasma de la ópera debuta en West End en 1986, llegando pocos años después a Broadway y obteniendo un Tony para su protagonista Michael Crawford como mejor actor musical y un Olivier a mejor musical.

Chicago

Tras el Fantasma de la Ópera, Chicago es el segundo musical más longevo en Broadway. Ha acumulado más de 7.000 representaciones en Nueva York, con ganancias en taquilla de más de 500 millones de dólares.

Mamma Mia

Mamma Mia debuta en 1999 en el teatro Prince Edward del West End de Londres. La obra está inspirado en los éxitos del grupo musical sueco ABBA, que ha estado en su producción desde los inicios. El espectáculo llega a Estados Unidos en el 2000, repsentado en el Orpheum Theatre de San Francisco con el elenco original: Siobhán McCarthy, Lisa Stokke, Louise Plowright y Jenny Galloway.

Wicked

Basada en la popular historia del Mago de Oz, Wicked se estrena el 30 de octubre de 2003 con las voces protagonistas de Idina Menzel y Kristin Chenoweth. La obra ha facturado más de 950 millones de dólares.

Los Miserables

Los Miserables es una adaptación de la novela de Víctor Hugo. La obra es considerada una de las más importantes del siglo XIX y su adaptación musical estuvo a cargo por Claude-Michel Schönberg en música y de Alain Boublil y Jean-Marc Natel en letra.

Cats

Cats, basado en el libro de poemas Old Possum’s Book of Practical Cats de Thomas Stearns Eliot, es un musical escrito por Andrew Lloyd Webber y dirigido por Trevor Nunn. El musical se estrenó en 1981 en el West End, en el que permaneció 21 años, para, un año después aterrizar en Broadway y quedarse por 18 años.

West Side Story

West Side Story está inspirado en la famosa obra de William Shakespeare, Romeo y Julieta. El musical fue escrito por Arthur Laurents, con música de Leonard Bernstein y letras de Stephen Sondheim. El musical se estrenó en 195 en Broadway y ha sido representado a lo largo de todo el mundo. La obra musical acumula ya 6 premios Tony y la revista The Times lo coronó como el mejor musical de todos los tiempos en 2013.

Cabaret

La obra se represento por primera vez en 1996 en el Broadhurst Theatre de Broadway para no dejar de viajar por todo el mundo. La adaptación de la obra literaria de Christopher Isherwood, Goodbye to Berlin y en la obra de teatro I Am a Camera de John Van Druten, acumula 8 premios Tony.

El Rey León

La adaptación del famoso clásico de Disney ha recaudado más de 1.200 millones de dólares con sus espectáculos alrededor del mundo desde su estreno en 1997. Actualmente se representa Al Hirschfeld Theatre de Nueva York.

Moulin Rouge

Basado en famosa película de Baz Luhrmann protagonizada por Nicole Kidman y Ewan McGregor, Moulin Rouge se estrenó el 10 de julio de 2018 en el Emerson Colonial Theatre de Boston.

Una de las mejores formas de expresarse en a través del baile. Artistas e intérpretes buscan dominar facetas como canto, interpretación y danza, así se convierten en artistas 360. El baile, por su parte, es una disciplina muy sacrificada que requiere mucha práctica.

La realidad es que para aprender cómo bailar bien hay que interiorizar las técnicas y pasos de baile que se pretenda dominar. Pero también es cierto que hay una serie de acciones que pueden llegar a facilitar el aprendizaje y marcar la diferencia.

Si quieres aprender a bailar, TAI ha lanzado recientemente el Bootcamp de Danza Urbana, diseñado para dominar todas las disciplinas de la danza urbana contemporánea y adaptado a las necesidades de la industria actual.

Tipos de baile

Existen tantos tipos de baile que la lista puede llegar a ser interminable, pero existen algunos imprescindibles para destacar como artista:

Claqué

El Tap o Claqué es un tipo de danza caracterizada por bailes con unos zapatos de punta y tacón metálico en el que los/las bailarines danzan golpeteando rítmicamente el suelo. Es un baile muy expresivo que hace un uso excesivo de los brazos y las expresiones faciales. Además, es una de las danzas principales que piden a los artistas de teatro musical.

Hip Hop

Uno de los tipos de danza más a la orden del día es el Hip-Hop, uno de los estilos más relevantes del baile urbano. El Hip-Hop ha ido tomando forma a lo largo de los años, desde los bailes callejeros más imporvisados hasta las coreografías más espectaculares y técnicas.

Jazz

Dentro de la danza tradicional, la Jazz es un estilo que combina el ballet tradicional con la danza contemporánea. Aunque puede confundirse por su nombre no tiene nada que ver con el estilo musical del Jazz, ya que la imporvisiación está muy lejos de este tipo de baile. Las coreografías y los movimientos de esta danza están muy preparados y ensayados, además, como suele bailarse en grupos, siempre está muy bien sincronizado.

Ballet

La danza clásica o Ballet es un tipo de baile con movimientos originados de un control absoluto del cuerpo, lo que supone que el Ballet sea un tipo de danza muy exigente que, para ser profesional, comienza a estudiarse a una edad muy temprana.

El Ballet requiere de una gran disciplina, concentración y esfuerzo, mucho más que muchas otros tipos de baile o disciplina. Esta danza suele ser bastante rígida, con unos pasos y movimientos ya impuestos. Es también una de las más hermosas y expresivas gracias a la delicadeza de sus movimientos y la música que la acompaña.

Breakdance

El Breakdance se basa en acrobacias y movimientos muy llamativos que suelen hacerse en el suelo, es uno de los bailes más practicados en la actualidad. Este tipo de baile es muy técnico y requiere que el/la bailarín sea muy ágil y pratique mucho.

Kpop

El auge de la música coreana ha originado la explosión del Kpop, no solo como tipo de música, sino como casi un estilo de vida. Es un tipo de danza muy visual y alegre que mezcla la mezcla de música coreana con movimientos rápidos y una interpretación de cantantes y bailarines muy elevada.

Contemporáneo

La danza contemporánea es un tipo baile moderno con origen en el siglo XX como una alternativa a la danza clásica. Se caracteriza por un movimiento libre en el que se juega con los movimientos de manos, piernas y torso en una coreografía que puede parecer desordenada e incluso improvisada.

Consejos para bailar bien

Escuchar música

El oído musical es una parte muy importante para cualquier bailarín. Es importante comprender y sentir la música para poder transmitirla en un baile. Por eso, cuanto más música se escucho más fácil será seguir el ritmo y el compás de la misma.

La postura

Una de las cosas más importantes a la hora de bailar es la postura. Una buena postura corporal con una espalda recta ayuda a la estabilidad y mostrar mejor estilo a la hora de bailar. Cuánto mejor sea la postura de un/una bailarina mejor será la presencia en la pista o escenario.

Ropa y calzado

Es importante sentirse cómodo/a y no hacerse daño al bailar. Por eso un calzado y ropa correcta para cada tipo de baile ayuda a su ejcución correcta y segura. El calzado (zapatillas, cuñas, tacones, puntas…) debe ser lo más cómodo, flexible y de buena calidad. La ropa, por su parte, debe adaptarse al tipo de baile que se practique, ya que no todos los estilos de danzas tienen las mismas necesidades.

Trabajar la improvisación

Casi todos los estilos musicales tienden a tener coreografía y movimientos propios, pero una de las mejores formas de mejorar y trabajar es mejorar en la improvisación. Trabajar la improvisación permite aprender y desarrollar nuevas aptitudes y movimientos.

Calentamiento

Siempre que se hace una actividad física es súper importante realizar un buen caliento, y bailar no va a ser menos. Sea la danza que sea es necesario calentar el cuerpo para evitar lesiones y daños innecesarios en el momento de practicar o bailar. Conoce algunos calentamientos aquí.

La voz es el instrumento más especial y único que una persona puede poseer. Además, su potencia y capacidad de evolución es tan amplia que puede llegar a alcanzar rangos inigualables. No es necesario nacer con buena voz para saber cantar, todo puede mejorar cuando se práctica una buena técnica y se mantiene una constancia de trabajo. 

TAI ha lanzado recientemente el Bootcamp de Canto, creado para vocalistas que quieran sacar el máximo partido a su voz y sumergirse en un viaje de desarrollo vocal integral, recibiendo una formación de primer nivel en técnicas y cuidado vocal de la mano de un equipo de profesionales que combinan una vasta experiencia como artistas con un profundo conocimiento de la industria musical.

El primer paso para aprender a cantar es identificar el tipo de voz que se tiene. En su forma más básica y dependiendo la amplitud tonal de cada uno, las voces se dividen en dos grandes categorías: voces femeninas y voces masculinas. Aunque, la realidad, es que muchas veces resulta contraproducente encasillarse en una sola categoría o voz, ya que el objetivo es siempre mejorar y alcanzar el máximo potencial.

Voces femeninas

Las voces femeninas suelen ser aquellas que tienen el rango vocal más alto, es decir, llegan y parten de notas más altas en la escala, además, se distinguen entre voces ligeras, con registro más agudo y menos cuerpo, o dramáticas, con menos registro pero más cuerpo y potencia. Entre ellas se distinguen tres tipos:

• Soprano: es la voz más aguda dentro de esta clasificación, suelen ser voces con alta potencia que alcanzan las notas más altas en la escala de un piano, normalmente van desde do4, zona central del piano, hasta un do6. En esta categoría hay voces ligeras, líricas y dramáticas, siendo la segunda menos dura que la primera. En la cultura popular destacan nombres como Christina Aguilera, Montserrat Caballé, Celine Dion, Ariana Grande, Mariah Carey, Aretha Franklin, Kelly Clarkson o Julie Andrews.
• Mezzosoprano: es una voz con algo más de juego que la anterior, aunque no llega tan alto, al alcanzar notas más bajas, tienen más capacidad para variar el timbre. En este caso, las voces ligeras y las dramáticas se parecen a las sopranos dramáticas, pero con registros más graves y más capacidad de ornamentación lírica en el caso de las ligeras y mucha más potencia, en el caso de las dramáticas. Destacan voces como Whitney Houston, Dua Lipa, Barbra Streisand, Beyoncé, Miley Cyrus, Bonnie Tyler o Sara Bareilles.
• Contralto: es la voz menos común en el rango femenino, solo un 2% posee esta voz tan baja. Entre las más conocidas destacan Amy Winehouse, Lana del Rey, Tina Turner, Cher, Diana Krall o Adele, que navega entre mezzo y contralto.

Voces masculinas

Las voces masculinas cuentan con una categoría que las femeninas, aunque la primera suele no nombrarse al ser muy poco habitual. Se mueven en los rangos más bajos de la escala y más gravedad en su tesitura.

• Contratenor: es la voz que más semejante a la soprano, lo que la hace muy poco común. El contratenor puede explorar la voz de pecho, de cabeza o el falsete y siendo voces poco comunes. Destacan, sobre todo del mundo de la ópera, Philippe Jaroussky, Andreas Scholl o Maisons-Laffitte.
• Tenor: sin contar con los contratenores, los tenores son las voces más altas del rango masculino, moviéndose, normalmente, desde el Do3 hasta el Do4 y con una potencia y cuerpo mayores que el anterior. Las voces más conocidas son las de Plácido Domingo, Andrea Bocelli, Luciano Pavarotti, Freddy Mercury o Ed Sheeran.
• Barítono: es el tipo de voz más común entre los hombres, son voces con menos rango pero más brillantes y con más cuerpo. No son capaces de llegar a notas muy agudas de una manera tan sencilla como los tenores o contratenores, pero alcanzan notas más graves y oscuras con una facilidad remarcable. Destacan voces como la de Michael Bublé, Elvis Presley, Bruce Springsteen, Bob Dylan, David Bowie, Frank Sinatra, Robbie William o Lewis Capaldi.
• Bajo: son las voces más graves y oscuras de toda la escala, en muchas ocasiones comparada con las notas de un violonchelo. Son poco comunes y muy difíciles de encontrar en una edad temprana. Hablamos de voces como la de Johnny Cash, Barry White o Lee Marvin.

Cómo definir un tipo de voz

Es importante tener en cuenta que, aunque los tipos de voces se clasifiquen y se pongan ejemplos de personas concretas, las categorías no son absolutas, sino que una voz o un cantante puede navegar entre varias características o incluso ser mixta. La categorización no implica que una voz sea mejor que otra ni que las voces no sean variables o flexibles, es más, dentro de cada tipo de voz, existen múltiples gradaciones, matices y potenciales.

Para calificar una voz es importante tener en cuenta las siguientes características:

• Rango: todas las notas de una escala que una voz es capaz de producir.
• Tesitura: notas en las que la voz está más cómoda, es decir, se llega a ellas con facilidad.
• Peso: depende de si la voz es más ligera, más oscura, más pesada o, en otros casos, brillantes, ágiles, flexibles, potentes, etc..
• Timbre de voz: siendo algo un poco más experto, el timbre se refiere a la calidad y la textura, lo que los profesionales llaman “el color” de la voz, algo que las hace únicas.

Técnicas vocales para cantar bien

Respiración diafragmática

Para cantar es imprescindible tener control sobre la respiración. Al nacer, los seres humanos tienen a respirar natural e involuntariamente desde el diafragma, pero, a medida que crecemos perdemos esa capacidad de respiración profunda y estable y pasamos a respirar más rápido y superficial, lo que se convierte, a largo plazo, en perjudicial para la salud.

El diafragma es uno de los músculos más grandes y fuertes del cuerpo, y está situado entre la cavidad torácica y la abdominal. Actúa de la siguiente manera: su forma natural es curva, así que, al tomar aire, el diafragma, que no los hombros, se encoge y el aire baja. Una vez expulsamos el aire, el diafragma se hincha, volviendo poco a poco a tu forma natural.

Es necesario tener un control absoluto de esta acción, así la respiración será mucho más profunda y, a la hora de que el aire salga, las cuerdas vocales no sufrirán. Para cantar bien, la respiración se divide en tres fases: inspiración, bloqueo y espiración; es decir, se toma aire, se mantiene y se expulsa; siendo esta última la parte más difícil y la clave para controlar la salida de aire, y por lo tanto, la potencia y resistencia de la voz.

Además, en el caso de cantar y bailar al mismo tiempo, como ocurre en el teatro musical, el control de la respiración es un factor imprescindible que ayuda al artista a mantener una buena dicción y proyección de la voz mientras realiza los pasos de baile o movimientos marcados en guion.

Uno de los ejercicios más comunes para practicar la respiración diafragmática es el siguiente: coloca alrededor de la cintura, justo por encima del ombligo, un cinturón o elástico que rodee las costillas y boca del estómago. Al tomar aire, el diafragma se contrae, pero las costillas se abren para tomar aire, lo que significa que, al inspirar, el cinturón deberá ajustarse, mantenerse mientras se aguanta el aire y aflojarse al exhalar.

El ejercicio consiste en inhalar profundamente y retener durante 5 u 8 segundos para luego ir exhalando muy suave y lentamente, intentando mantener tenso el cinturón hasta quedar sin aire. Lo ideal es repetirlo todos los días de 3 a 5 veces. A medida que se practica, será más sencillo y el aire aguantará más tiempo retenido y la exhalación será más larga.

Hidratación y descanso

Una de las técnicas más importantes para cuidar la voz es cuidarse a uno mismo. Por eso el descanso y la hidratación son clave para tener una calidad vocal buena y saludable. Las cuerdas vocales necesitan hidratación para su lubricación y un mejor funcionamiento y, por supuesto, también deben descansar, no solo durmiendo bien, sino manteniendo rutinas de silencio y descanso vocal.

Postura corporal

La postura ideal para cantar es de pie con las piernas abiertas a la altura de los hombros, esto permite mantener una estabilidad mayor y ayuda a apoyar para proyectar la voz correctamente.

Calentamiento vocal

Calentar la voz es un paso fundamental que nunca debe saltarse. Comenzar a cantar sin calentar fomenta los problemas en las cuerdas vocales, es como hacer ejercicio sin calentar antes, es mucho más probable lesionarse. Existen muchísima variedad de ejercicios, adaptados a todos los tipos de voces, escalas, potencia y posición de la voz. Puedes encontrar algunos aquí.

La interpretación exige dominar ciertas habilidades y tener una formación continuada, por lo que es muy importante encontrar una institución que ofrezca una innovación docente y una buena calidad de estudios en artes escénicas, es decir, que no solo se adquieran las bases de la interpretación sino que la educación vaya acompañada de los últimos avances tecnológicos y de la industria.

«La actuación no trata sobre ser famoso, sino sobre explorar el alma humana» Annette Bening.

Competencias para actuar frente a la cámara

Actuar frente a cámara exige un perfil polivalente que sea capaz de dar vida a los personajes, ya sea con fines informativos o de entretenimiento, y, para esto, es importante desarrollar técnicas de desinhibición que ayuden al intérprete a soltarse.

Además, el/ la intérprete debe de leer, estudiar y memorizar el guion, ensayar con el resto del elenco, improvisar, trabajar en conjunto con su representante, prepararse y asistir a las audiciones y a los estudios de grabación.

Diferencias entre la actuación audiovisual y el teatro.

La actuación audiovisual requiere una serie de técnicas que la diferencian claramente de la actuación teatral. El contrate principal entre ambas es que una cámara lo capta todo, hasta el gesto más mínimo. Es por eso que una interpretación a cámara debe ser siempre más sutil, aunque también cambia en otros aspectos:

Los gestos

En el cine, la expresión gestual debe ser sutil para que no se vea muy exagerado, en cambio, en el teatro se busca una actuación más expresiva y dramática, ya que se necesita transmitir igual a la primera y última fila.

Los movimientos

En el teatro. los movimientos siempre son más libres, ya que el/la intérprete no está limitado en un encuadre, como ocurre en el cine, sino que tiene todo es escenario para moverse. Igualmente, los movimientos en cine deben ser también sutiles y controlados, mientras que en el teatro se puede jugar más con el cuerpo y el espacio.

Interiorización

La interpretación del cine nace de la interiorización del papel, en la que las emociones se limitan y no se exteriorizan excesivamente. En cambio, el teatro se caracteriza por una exteriorización de las emociones.

Personajes en el cine

No todos los personajes que se interpretan en la pantalla tienen la misma relevancia, sin embargo, todos son importantes. Como dijo Konstantin Stanislavski: No hay papeles pequeños, solo artistas pequeños. Dependiendo del rol de personaje que se interprete, el personaje puede ser:

• Protagonista: recae el peso de la obra y conduce la trama, siendo quién destaca de una manera clara por encima del resto del elenco.
• Secundario/a: tiene una relevancia determinada en la interpretación o texto, sin llegar al punto del protagonista. No es necesario que participen en la trama.
• De reparto: se considera un papel de reparto a aquel que tiene un texto que no supera las 20 líneas.
• Cameo: aquella figura que solo tiene dos o menos líneas en el guion. En la actualidad, cameos realizados por personalidades con cierto renombre están en tendencia.
• Figurante: da volumen humano a la escena.

Para optar a muchos de estos roles, es necesario pasar una prueba de cámara frente a un equipo de casting, aunque en producciones más pequeñas, estas personas puedes pertenecer a la dirección y producción de una película. También hay que tener en cuenta que preparar un casting es una constante en la vida del intérprete. Es importante estar continuamente informado de nuevas convocatorias y estar atento/a a páginas dónde se anuncian.

Cómo llegar a ser un actor o actriz profesional

Lo esencial para ser intérprete, como en casi todas las disciplinas, es la constancia y dedicación, luchar por lo que a uno le gusta y conocer técnicas que ayuden a los profesionales a alcanzar sus metas. Actuar actuación puede convertirse en una de las herramientas claves para aprender y desarrollar el talento de cada uno. Además, siempre ayuda tener un buen videobook, no tiene que ser súper extenso, la clave es que sea llamativo y muestre correctamente las cualidades actorales del intérprete. En cuanto a las cualidades, siempre es un plus saber actuar frente a una cámara pues les aporta mucha versatilidad.

Desde TAI animamos al intérprete a encontrar su estilo, siempre sin cerrar puertas ni encajarse en una sola disciplina. Es posible que ser la nueva estrella de Netflix sea lo que más llame la atención, pero la realidad es que la actuación tiene infinidad de caminos, y todos ellos son igual de emocionantes y gratificantes.

La interpretación avanza en nuevos frentes

La interpretación es una profesión transversal y multidisciplinar. Históricamente, la interpretación se originó desde las tablas, pero, actualmente, gracias a los avances tecnológicos se puede actuar en múltiples ámbitos y formatos:

• Doblaje: sustituye las voces originales de los actores por otras voces, generalmente para traducir del idioma original al idioma país en el que se proyectará la película.
• Ficción sonora: actualmente, los podcast es un formato en auge, la ficción sonora es todo aquel relatos que se ficciona, capaces de contar historias a través del oído.
• Motion Capture: es una técnica de grabación de movimiento, en general de actores, y el traslado de dicho movimiento a un modelo digital realizado en imágenes por ordenador.
• Animación: se trata de dar voz e, incluso, inspirar la creación de los personajes desarrollados por los animadores.

Estudiar para ser actor o actriz

Actualmente, hay una gran oferta académica para estudiar actuación e interpretación, pero todas giran en torno a la formación de tres disciplinas: interpretación, canto y danza, dependiendo del estudiante profundizar en cada una según su preferencia.

TAI ofrece un amplio abanico de posibilidades en artes escénicas, abarcando un desarrollo completo las disciplinas, con la oportunidad de elegir la duración y la especialización en cada una de ellas.

Es importante prepararse y formarse para las demandas de la industria, por eso es indispensable elegir una formación completa en artes escénicas que, no solo enseñe técnica y teoría, sino que tenga como eje central la práctica. Pero, sobre todo, que, mientras se estudia actuación, ofrezca la posibilidad de poner al artista en contacto estrecho con la industria.

“Una audición no es un test de tus habilidades. No están buscando al mejor actor, sino al indicado para el papel. Así que enfócate en tu imaginación y no en evitar errores” Greg Apps

Cuando alguien se dedica a la interpretación una de las situaciones a las que más se va a tener que enfrentar es la del casting, sea cual sea la disciplina. El primero siempre da miedo, uno nunca sabe lo que puede llegar a encontrar, por eso es importante ir mental y físicamente preparado para todo. Para ello existen técnicas de desinhibición que pueden ayudar a preparar un casting y bajar el nivel 

Consejos para preparar un casting

Antes de cualquier casting siempre se reciben las instrucciones para el mismo. Por lo general, se envía un email con la separata o la canción que se debe preparar, según el tipo de casting, así como la hora y el lugar en el que se desarrollará. También se añadirán instrucciones especiales, si es que las hay, como algo que llevar, tipo de ropa, canciones extra, etc..

Leer bien la convocatoria

Siempre que se lanza la convocatoria de un casting hay unas instrucciones y requisitos claros que el actor o actriz debe cumplir. De manera que, si se encaja en el perfil, es muy recomendable enviar la candidatura, o incluso si no se cumple del todo pero puede servir. Eso sí, si no se encaja en absoluto o hay cosas esenciales que no se tienen, como la edad por ejemplo, es mejor no enviar la candidatura.

Como ejemplo de convocatoria:

“Se busca mujer para un cortometraje de ficción. Edad: 30-40 años. Morena, con capacidad de cantar. Envía tu CV actualizado, videoreel y fotografías al correo xxx”

En este caso, personas de unos 25 que puedan aparentar ser mayores, o de 45 que aparentan menos edad, pueden presentarse sin ningún problema, ya que tienen posibilidades. Pero siendo mucho más mayor es más que probable que ni tomen en cuenta tu candidatura, ya que esta siempre debe ir acompañada de una fotografía actualizada. Así que es mejor procurar enviar candidaturas a perfiles en los que de verdad uno encaje. Ser honesto con uno mismo y con las personas que van a recibir cientos de candidaturas. 

Preparar la separata

Como dato, una separata es un extracto de guion, puede ser de la misma producción o de algo relacionado, que se entrega a los candidatos/as para que lo representen en el casting.

En el momento en el que se recibe la separata lo primero que hay que hacer es una primera lectura. A partir de ahí es recomendable ir analizando el personaje con las frases que dice y las acciones que hace, esto siempre irá dando pistas de cómo puede ser ese personaje.

Es aconsejable también aprenderse perfectamente la separata según la personalidad del personaje que ha sido previamente analizada. Es por eso que es muy importante tener en cuenta que un casting no es trabajo de un rato, sino que requiere una preparación previa bien hecha. Ensayar, ensayar y ensayar, esa es la mejor técnica.

Algo que puede ser también interesante es intentar preparar diferentes versiones de la separata para llevar varias perspectivas y demostrar versatilidad.

Es posible que el casting no tenga separata, sino que sea para alguna acción musical y lo que se tenga que preparar es una canción. En este caso nos encontramos ante lo mismo: ensayar. La voz es un elemento muy potente, pero también es frágil, cuidar la garganta y llevar la canción más que preparada reducirá la posibilidad de desentonar con los nervios propios de los castings.

Aunque tampoco es aconsejable quemar la canción, llega un momento en el que, cuando ya está perfecta, es contraproducente seguir ensayando, ya que amplía las posibilidades de fallo. No obstante esto depende de la persona, no tiene por qué ser la norma.

Tratar de ser original

Hay que destacar, esa es la realidad. Es importante tener en cuenta que los reclutadores son personas, o sea que se pueden aburrir, por eso llevar propuestas más imaginativas o impactantes harán destacar a cualquier candidato. A la hora de ensayar, la imaginación y la experimentación son el mejor método.

En el caso de que el casting sea musical, es interesante llevar una propuesta diferente a la canción que se ha elegido (ya sea por los reclutadores o por el candidato).

Preparar el personaje

No hay información acompañando a la separata, es decir, no se suelen tener datos sobre el personaje más allá del diálogo o las acciones que aparecen en guion. Este es el reto para el candidato, cuando prepara el casting, tiene que desmenuzar todo el texto e ir sacando todo aquello que puede arrojar luz y conformar la personalidad del personaje que se quiere preparar.

Este trabajo se va a notar en casting, no pasa nada si no se acierta, pero los reclutadores van a percibir esa investigación y preparación.

Responder con sinceridad

Los reclutadores tienen que tener información de cada candidato, hay cosas que quieren saber, como la disponibilidad en fechas o incluso si se tienen tatuajes o marcas en la piel. Pueden preguntar también por cualidades o capacidades, en el sentido de imitar o neutralizar un acento, cantar, bailar, etc.. Todo esto se descubre de un momento a otro, por eso es indispensable ser siempre muy sincero.

Buscar o llevar elementos que ayuden con la escena

En ese ejercicio previo de analizar, es posible que se tenga la sensación de que hay elementos que pueden ayudar a desarrollar la acción, como una taza, un libro o cualquier otro objeto. Siempre queda bien que este, siempre que sea posible, se lleve al casting, pues los reclutadores podrán imaginar mejor al candidato en escena.

Ir con tiempo suficiente

Mejor que sobre que no que falte. Ir a un casting implica esperar, puede que vaya con retraso, es más, suele ir así. Es imprescindible llevar tiempo de sobra para cualquier complicación que pueda surgir, como retrasos en otros candidatos o problemas técnicos. Eso sí, algo esencial: nunca llegar tarde, eso da muy mala impresión y lleva a pensar que puede ocurrir en rodaje.

Ser amable y humilde

Los reclutadores siempre dan instrucciones o pautas en un casting, es más, pueden pedir cambiar la propuesta completamente de un momento a otro. En ese momento es importante sacar la capacidad de improvisación y de escuchar bien lo que se pide para dar lo mejor de uno. No tiene que ser perfecto, sino que hay que demostrar la capacidad de entender y actuar siguiendo las pautas que, inevitablemente, ocurrirán en rodaje y ensayos. En este momento hay que dejar a un lado los nervios y lanzarse al vacío.

Esto no ocurre solo en castings actorales sino que se da también en los musicales, pueden pedir un cambio de tono o incluso de canción.

Desdramatizar

Tenemos siempre la sensación de que hay que dar drama a las escenas y las canciones para demostrar que somos capaces de hacer sentir al espectador, pero la realidad es que hay que mediar. Dramatizar en exceso puede quedar muy exagerado y crear rechazo en los reclutadores. Hay que intentar ser lo más natural posible siempre que se trabaje para una cámara. El caso del teatro es diferente, pero siempre es preferible ir a lo neutro y que los reclutadores pidan más drama, que dar el máximo desde un inicio, si quieren más, lo pedirán.

Paciencia

Un casting no es algo momentáneo, sino que lleva su tiempo, no solo por candidato, sino todo el proceso. Desde el momento en que el primer candidato entra, los reclutadores empiezan a analizar y comparar las opciones. Y cuando todos terminan, llega el momento de volver a analizar todas las candidaturas. En general los castings suelen grabarse para volver a visionar las actuaciones de todos los que se presentaron unos días después para luchar contra las primeras impresiones.

La respuesta puede tardar en llegar, de manera que desesperarse no es nada recomendable. Hay que tener paciencia tanto el día del casting como los días o semanas posteriores.

Aristóteles estableció las características de la tragedia y la comedia en la Poética a través de una reflexión filosófica, sentando las bases de una clasificación genérica de la dramaturgia. A día de hoy, continúan utilizándose las mismas categorías: tragedia y comedia, a las cuales se han añadido otros términos como melodrama, tragicomedia, ópera, etc.

Tanto los nombres como las definiciones han ido variando, de forma que un género puede ser descrito de diversas maneras, tal como puede deducirse del paradójico subtítulo de un sainete de don Ramón de la Cruz, Tragedia para reír o sainete para llorar, con el que se burla de las definiciones genéricas. Los nuevos enfoques en torno a la caracterización de los géneros teatrales evitan el establecimiento de fronteras rígidas buscando, más bien, las intersecciones y los elementos fundamentales que han permanecido a lo largo de la historia.

El género teatral centrado en el sufrimiento humano o la tragedia: la tensión entre trascendencia y libertad

El género trágico forma parte del legado de la cultura helénica, desarrollándose a lo largo de 2.500 años, pero manteniendo ciertas características que determinan su especificidad. En las representaciones trágicas del siglo VI a.C., los elementos escénicos -máscaras, coro, vestuario, escenografía, etc.- y la acción tienen como fin fortalecer los valores de la democracia ateniense e involucrar al público en los problemas específicos que se plantean. Esta es la época de los grandes trágicos: Esquilo, Sófocles y Eurípides, cuyas obras se construyen en un universo de características similares bajo una tensión entre mitos y nuevos valores. 

Básicamente, el mito genera una lucha entre potencias que empujan al héroe a un conflicto. Aparentemente, el héroe mítico lleva una vida similar al común de los mortales, hasta que es impulsado por los dioses a cumplir con su destino, momento a partir del cual emprende una búsqueda tortuosa. La tragedia amplía este conflicto y profundiza en el carácter de los personajes, incidiendo en la responsabilidad individual del héroe más que en las potencias divinas propias de los mitos.

Las inquietudes estéticas de principio del siglo XX buscan liberar el arte de las antiguas restricciones, experimentando con técnicas que rompan la continuidad de las formas convencionales, cambios que se observan claramente en la pintura con el desarrollo del cubismo o el dadaísmo. El arte dramático participa de dichas inquietudes con el surgimiento de teorías que se centran en un tratamiento temático y escénico innovador.

El género teatral de la comedia: el retrato de los peores

Desde el origen del teatro en la antigua Grecia, se ha establecido una diferenciación tajante entre expresiones dramáticas serias y festivas. Mientras que la tragedia se inspiraba en la compasión y el terror, la comedia buscaba mostrar «la realidad cotidiana y prosaica de la gente simple», tal como indica el escritor, actor y dramaturgo Miguel Ángel Medina Vicario. 

Una de las características de la comedia según la definición aristotélica es la elaboración del «retrato de los peores», entendiendo por «peor» lo feo, lo defectuoso, aquello que produce risa y no dolor en el espectador. Está será precisamente la característica que se mantendrá como propia de la comedia a lo largo de la historia.

En sus inicios, la comedia se basaba en una mezcla de ataques ingeniosos y satíricos a instituciones, costumbres y personalidades públicas del momento. Posteriormente, el interés político decae y se prefieren los espectáculos sobre la vida privada, situación que evoluciona hacia el énfasis en la cotidianidad, con el principal interés de divertir al público, sin alusiones políticas o personales que pudieran provocar desagrado. 

A partir de la comedia nueva, gracias a la obra del comediógrafo Menandro, las características del género se amplían con a) el uso de lenguaje no vulgar; b) la creación de personajes tipo; c) el reflejo de la vida cotidiana; d) el retrato de un vicio del protagonista que lo conduce a situaciones risibles; e) el amor como tema principal, y f) el aspecto moralizante.

El género teatral de la tragicomedia: el poema mixto

Aunque en sus inicios la tragedia y la comedia quedaban claramente diferenciadas, con el tiempo, ambos tipos de teatro llegarían a combinarse. El poeta Eurípides inicia la hibridación de los dos géneros clásicos combinando la temática religiosa y cosmogónica propia de la tragedia con asuntos relativos a las pasiones humanas. 

Durante la época romana, surgieron nuevos elementos que perdurarían a lo largo del tiempo: el propio nombre de tragicomedia, la mezcla de acciones vulgares en personajes nobles y virtudes elevadas en personajes comunes y la escenificación de situaciones cotidianas. Posteriormente, se añadirían características como la representación de dos líneas de acción paralelas y el uso de discursos solemnes en situaciones cómicas y de diálogos satíricos en situaciones trágicas.

En la modernidad, la tragicomedia adquirió mala reputación, por lo que los dramaturgos comenzaron a utilizar el término «drama», reminiscencia del «drama libre» utilizado durante el siglo XVI para describir obras que no encajaban en los parámetros clásicos. Surge también el llamado «teatro de ideas» con las obras de Ibsen y Chéjov, en las cuales el elemento moral queda desplazado por el realismo y la introspección de la naturaleza humana reemplaza la crítica social.

No obstante, el género continúa conservando dos características esenciales: el retrato de la vida cotidiana del ser humano bajo un enfoque crítico y un tono «serio» vinculado a la expresión del humor.

En conclusión, tal como indica la dramaturga e investigadora Norma Román Calvo (2007: 197), «en la realidad no existe un género puro, porque en cada texto estarán presentes las invariantes genéricas pero, asimismo, las variantes genéricas, las cuales le darán a la obra una fisonomía especial».

Referencia:

Román Calvo, N. (2007). Los géneros dramáticos y su especificidad. México: Universidad Nacional Autónoma de México. 

En TAI apoyamos la iniciativa #yomequedoencasa y queremos premiar a todos esos estudiantes de artes y jóvenes talentos que aprovechan esta larga estancia en casa para dar rienda suelta a su creatividad.

#LeaveYourArtistAtHome

Un concurso de creación artística y/o audiovisual realizada en tu propio hogar.

Podrás participar con el formato que tú prefieras: Microcortos, Fotografía Doméstica, Performance, Live Music, Arte Digital, Monólogos, etc.

Bases del concurso:

– Abierto a alumnos, ex alumnos y seguidores de TAI

– Síguenos en Instagram / FaceBook / Twitter

– Sube tu propuesta con el hashtag #leaveyourartistathome y etiquétanos

– Hasta el 31 DE MARZO (inclusive)

Premios:

Ganador: Un iPad

20 Finalistas: Bufanda de ‘Let Your Artist Out’

Jurado y criterio de selección:

El jurado estará compuesto por profesionales y/o docentes TAI que valorarán la originalidad, el compromiso ciudadano y los aspectos creativos por encima de los técnicos.