Un director de cinematografía puede trabajar en cine, televisión, publicidad, videoclips o plataformas de streaming.

También puede ejercer como creador de contenido, productor ejecutivo o docente en escuelas audiovisuales. Su papel evoluciona con la tecnología y las nuevas narrativas digitales, abriendo un amplio abanico de oportunidades laborales.

El papel del director de cinematografía en la industria actual

El director de cinematografía no solo dirige actores o planifica rodajes; también da forma a la visión artística y técnica de cada proyecto. Su trabajo implica coordinar equipos, manejar presupuestos, dominar el lenguaje visual y adaptarse a los nuevos formatos, desde cortos experimentales hasta producciones para Netflix o Amazon Prime.

Además, muchos directores de cine españoles han ampliado su horizonte internacional gracias a la expansión del streaming y las coproducciones europeas. Ejemplos como Pedro Almodóvar, J.A. Bayona o Carla Simón demuestran que el talento nacional tiene una fuerte proyección global.

Qué estudiar para ser director de cine

Una de las preguntas más comunes es qué estudiar para ser director de cine. Lo ideal es formarse en Cinematografía, Comunicación Audiovisual o Dirección de Cine, combinando teoría y práctica. Las escuelas especializadas ofrecen formación en guion, montaje, dirección de actores, fotografía y postproducción, además de talleres de rodaje y pitching de proyectos.

Aun así, la formación no termina en el aula: asistir a festivales, analizar películas y colaborar en rodajes reales es esencial para desarrollar una mirada propia como director de cinematografía.

Nuevos horizontes profesionales

Hoy en día, los directores también exploran campos emergentes como:

• Producción de contenidos para redes sociales y marcas.
• Dirección de videoclips musicales y fashion films.
• Creación de proyectos inmersivos en realidad virtual o 360°.
• Consultoría artística o dirección creativa para agencias.

La industria audiovisual es más diversa que nunca, y ser director de cinematografía significa tener la capacidad de contar historias con emoción, técnica y propósito.

Requiere visión creativa para transformar un guion en imágenes, planificación para coordinar cada detalle y liderazgo para guiar a un equipo entero hacia un mismo objetivo. El director no solo organiza al equipo técnico y orienta a los actores: también es quien logra que la historia cobre vida con autenticidad y emoción.

Si quieres descubrir cómo se dirige una película, necesitas algo más que técnica: hacen falta empatía, método y la capacidad de inspirar a los demás.

Descubre:

El máster en dirección de cine y series

¿Qué son las técnicas de interpretación?

Las técnicas de interpretación son herramientas y métodos que los actores utilizan para dar vida a sus personajes. Estas permiten explorar emociones, objetivos, lenguaje corporal, voz y energía en escena. Existen diferentes técnicas de interpretación actoral, muchas de ellas basadas en escuelas reconocidas como la de Stanislavski, Strasberg o Meisner.

Estas técnicas se aplican tanto en el teatro como en el audiovisual, aunque requieren ajustes según el medio, ya que la cámara capta detalles que el público teatral no percibe.

Principales técnicas de interpretación para actores emergentes

1. Método Stanislavski

El método de de actuación de Stanislavski es uno de los más influyentes. Se basa en la memoria emotiva, la concentración y la acción física. Los actores exploran las emociones reales para construir personajes auténticos y creíbles.

Aplicación audiovisual: ideal para escenas dramáticas donde se requiere profundidad emocional.

2. Técnica de la acción objetiva

Esta técnica propone que cada acción del personaje debe tener un objetivo claro. El actor debe preguntarse: “¿Qué quiero lograr en esta escena?”.

Uso: mejora la coherencia interpretativa, muy útil tanto en interpretación teatral como en cine.

3. Técnica Meisner

Se enfoca en la espontaneidad y la escucha activa. El actor reacciona de forma honesta a lo que ocurre en escena, lo que crea interpretaciones naturales y dinámicas.

Especialmente eficaz en el medio audiovisual por su enfoque realista.

4. Técnica de la Imaginación

Inspirada también en Stanislavski, se trata de imaginar detalladamente las circunstancias del personaje. Esto permite actuar desde la verdad emocional, incluso en situaciones ficticias.

5. Método Lee Strasberg

Conocido como “El Método”, se basa en el uso de experiencias personales para conectar con el personaje. Exige un alto compromiso emocional.

Ideal para actores que buscan un enfoque introspectivo y profundo.

6. Técnica de la voz y el cuerpo

Fundamental para la técnica de interpretación teatral, donde la proyección vocal y el control corporal son esenciales. En audiovisual, el cuerpo debe expresar sin exageración, adaptándose al encuadre de cámara.

7. Técnica de análisis de texto

El actor descompone el guion para entender subtextos, emociones y relaciones. Permite una actuación más rica y matizada.

Clave en la interpretación profesional, ya que da profundidad al trabajo actoral.

8. Técnica de improvisación

Desarrolla la creatividad, la presencia escénica y la rapidez de reacción. Ayuda a los actores a adaptarse a cambios o errores en escena con naturalidad.

Dominar diversas técnicas de interpretación actoral permite a los actores emergentes adaptarse a los retos del cine, la televisión y el teatro. Explorar distintos métodos de interpretación enriquece su formación y potencia su expresividad, ofreciendo herramientas esenciales para destacar en un mercado competitivo.

¿Qué es el montaje en el cine?

El montaje en el cine es el proceso mediante el cual se seleccionan, organizan y ensamblan las tomas rodadas para construir una película. Aunque a menudo se piensa en él solo como un aspecto técnico, el montaje tiene un gran impacto en la percepción emocional de la obra. Los editores trabajan cuidadosamente para determinar la secuencia y el ritmo de cada escena, lo que influye directamente en la conexión emocional entre los personajes y el público. En definitiva, el montaje es el puente entre las ideas del director y la experiencia del espectador.

Tipos de montaje en el cine

Existen diversos tipos de montaje en el cine que se utilizan dependiendo del efecto emocional que se quiera lograr. Algunos de los más comunes incluyen:

1. Montaje continuo: Se utiliza para crear una sensación de fluidez en la narrativa, donde las escenas se conectan de manera lógica y cronológica.

2. Montaje rápido: Se utiliza en secuencias de acción para aumentar la tensión y la emoción, acelerando el ritmo de la película.

3. Montaje paralelo: Consiste en alternar entre dos o más situaciones que ocurren simultáneamente, aumentando la intensidad dramática.

4. Montaje simbólico: Emplea una serie de imágenes que no tienen una conexión narrativa directa, pero que juntas crean un simbolismo que fortalece la narrativa emocional.

Estos son solo algunos ejemplos de los tipos de montaje en el cine, y cada uno tiene un impacto directo en cómo se percibe la película.

La importancia del montaje en el cine

El montaje en el cine es mucho más que una técnica de edición. En este arte no solo importan los tipos de planos de cine , si no que el montaje es una herramienta narrativa poderosa que permite a los cineastas dirigir la atención del espectador, crear suspenso, dar ritmo a la película, e incluso alterar la percepción del tiempo y el espacio. A través del montaje, un simple corte puede generar un cambio drástico en la emoción de una escena. Si se realiza correctamente, puede transformar una película común en una experiencia inolvidable.

El montaje de una película no solo se limita a la edición de la secuencia final, sino que también involucra la creación de momentos emotivos y simbólicos que enriquecen la historia. En las manos de un buen editor, el montaje puede convertir una película ordinaria en una obra maestra, influenciando cómo los espectadores sienten y responden ante lo que ven en la pantalla.

Montaje en el cine: ejemplos célebres

Para entender mejor el poder del montaje en el cine, podemos pensar en algunos ejemplos célebres de la historia del cine. Películas como Réquiem por un sueño de Darren Aronofsky utilizan montajes rápidos y perturbadores para intensificar la sensación de desesperación y adicción. Por otro lado, El Padrino de Francis Ford Coppola emplea el montaje de manera más sutil, construyendo una tensión lenta pero imparable que culmina en momentos de gran impacto emocional.

En muchos casos, el montaje en el cine no solo se trata de unir escenas, sino de contar una historia a través de las emociones, el ritmo y las imágenes. Estos ejemplos nos muestran cómo un buen montaje puede hacer que una historia se vuelva mucho más poderosa de lo que las palabras o las imágenes por separado podrían lograr.

¿Qué papel juega el director en el montaje?

El director es el encargado de guiar la visión artística de la película, pero la colaboración con el editor en la sala de montaje es crucial. Como se menciona en el artículo sobre las funciones de un director de cine, el director tiene una clara idea de lo que quiere lograr emocionalmente en cada escena, y es con el editor que se logra la mejor manera de transmitir esa emoción a través del montaje.

Conclusión

El montaje en el cine es una de las herramientas más poderosas en la creación de una película. Desde manipular el ritmo hasta construir la atmósfera emocional de la película, el montaje tiene la capacidad de transformar una historia visual en una experiencia emocional profunda. Sin el montaje adecuado, incluso la mejor historia puede perder su impacto. Es por ello que el montaje de una película debe ser tratado con cuidado, y la relación entre el director, el editor y el resto del equipo de producción es fundamental para que todo encaje perfectamente.

Si quieres aprender más sobre otros aspectos técnicos del cine, como los tipos de planos de cine, también puedes consultar nuestro artículo relacionado.

¿Qué hace un director de cine?

El director de cine es el líder creativo de una producción cinematográfica. Su trabajo comienza mucho antes de que se ponga la primera cámara en marcha. Su rol es fundamental en cada etapa de la película, desde la concepción del guion hasta el montaje final. En términos simples, el director es responsable de asegurar que todos los elementos de la película, como los actores, la fotografía, la música y el montaje, trabajen juntos para contar una historia de manera efectiva.

Una de las principales funciones del director de cine es interpretar el guion y transmitir su visión a través de las imágenes, el sonido y la interpretación de los actores. A lo largo de la filmación, toma decisiones clave sobre el estilo visual, el ritmo narrativo y cómo se debe representar cada escena. También supervisa los ensayos, da indicaciones a los actores y asegura que el equipo técnico esté alineado con la visión general del proyecto.

¿Qué hace un director de fotografía en cine?

Aunque el director de cine es responsable del resultado final, uno de los colaboradores más cercanos es el director de fotografía. Este profesional se encarga de la parte visual de la película, es decir, de la iluminación, el encuadre y el color. La relación entre el director de cine y el director de fotografía es crucial para crear la atmósfera visual de la película. Mientras que el director de cine se enfoca en la narrativa, el director de fotografía traduce esa narrativa en imágenes impactantes.

El director de cine y el director de fotografía trabajan de manera conjunta para crear una coherencia estética que complementa la historia que se está contando. Si alguna vez te has preguntado qué hace un director de fotografía, su papel es, básicamente, garantizar que cada escena se vea tal como el director lo imagina, eligiendo las mejores condiciones de luz, planos y ángulos para reforzar la emoción de cada momento.

¿Qué hacer para ser director de cine?

Convertirse en director de cine no es un camino fácil, pero es posible con dedicación y formación adecuada. Para empezar, es fundamental tener una pasión por contar historias y una gran capacidad para trabajar en equipo. Además, un buen director debe tener conocimientos en diversas áreas del cine, como la producción, el guion, la dirección de actores y la edición.

Para qué hacer para ser director de cine, es recomendable estudiar cine de manera formal en una institución educativa especializada. La Escuela Universitaria de Artes TAI es una excelente opción, ya que ofrece una formación integral en cine, donde aprenderás desde la creación de guiones hasta la dirección y el montaje de una película. Además, en TAI, podrás acceder a un equipo docente compuesto por profesionales del sector, lo que te permitirá aprender de su experiencia práctica en el mundo del cine.

Director de cine: funciones clave

Las funciones del director de cine son variadas y pueden variar dependiendo del tipo de producción. A continuación, te resumimos algunas de sus funciones clave:

1. Interpretar el guion: El director debe comprender a fondo el guion y su mensaje para poder plasmarlo visualmente.

2. Tomar decisiones artísticas: El director de cine decide la estética, el tono y el estilo de la película, asegurándose de que todos los elementos visuales y sonoros estén alineados con la historia que quiere contar.

3. Supervisar la actuación: Aunque el director de cine no es el encargado directo de enseñar a los actores, sí debe guiar su actuación, asegurándose de que sus interpretaciones se ajusten a la visión del proyecto.

4. Coordinar al equipo técnico: El director debe trabajar estrechamente con el director de fotografía, el editor, el diseñador de producción y otros miembros del equipo técnico para crear la película.

5. Gestionar el ritmo de la película: El director tiene que mantener el control sobre el ritmo narrativo, asegurándose de que cada escena fluya de manera coherente con el conjunto de la historia.

6. Controlar el presupuesto y el tiempo: Aunque el productor es el responsable principal de los aspectos financieros, el director también tiene que gestionar el tiempo y el dinero durante el rodaje para asegurar que la producción se ajuste a los plazos establecidos.

Estudia cine en la Escuela Universitaria de Artes TAI

Si después de leer este artículo te sientes motivado a seguir una carrera en el cine y te preguntas qué hacer para ser director de cine, la Escuela Universitaria de Artes TAI te ofrece la formación que necesitas para convertirte en un profesional del séptimo arte. En TAI, tendrás acceso a programas académicos especializados en cine, donde podrás desarrollar tus habilidades y aprender de profesionales con experiencia en la industria. Además, podrás practicar en entornos reales, lo que te permitirá adquirir experiencia práctica mientras estudias.

TAI cuenta con una amplia oferta académica en este área artística: ¡Infórmate acerca de las titulaciones en cine y series en TAI!

Ser director de cine no es solo una carrera, sino una forma de dar vida a las historias que imaginas. Si sientes la pasión por el cine, la formación adecuada en la Escuela Universitaria de Artes TAI será tu primer paso para alcanzar tu sueño de convertirte en un gran director de cine.

Conclusión

El director de cine juega un papel crucial en la creación de una película. Su trabajo va más allá de dar instrucciones a los actores o de conocer los tipos de planos en el cine; es el encargado de dar forma a la narrativa, trabajar con el equipo técnico y lograr que todos los elementos de la película se alineen para contar una historia única. Si estás interesado en esta carrera, considera estudiar en la Escuela Universitaria de Artes TAI para obtener las herramientas y conocimientos necesarios para convertirte en un director de cine profesional.

El motion capture o captura de movimiento es una técnica revolucionaria en la creación de animaciones digitales, permitiendo trasladar los movimientos reales de personas u objetos a personajes 3D en películas, videojuegos y simulaciones.A lo largo de los últimos años, esta tecnología ha transformado la forma en que se crean efectos visuales realistas, gracias a su capacidad de captar incluso los detalles más sutiles de los movimientos humanos.

Aunque es fácil confundirlo con los motion graphics, estas dos técnicas son distintas. Los motion graphics se centran en animaciones gráficas generadas por ordenador que simulan movimiento, mientras que el motion capture se basa en capturar movimientos reales para transferirlos digitalmente a un modelo tridimensional.

¿Qué es el motion capture?

El motion capture (o mocap, por su abreviatura) es un sistema tecnológico que graba los movimientos de un sujeto real a través de sensores y los transfiere a un entorno digital para animar personajes, objetos o entornos tridimensionales. Este proceso se utiliza para crear una representación detallada y precisa del movimiento en modelos digitales.

Dependiendo de la tecnología empleada, existen diferentes métodos para realizar la captura de movimiento:

Tipos de tecnología de captura:

1. Óptico pasivo: Utiliza cámaras infrarrojas que siguen los reflejos de marcadores colocados en el cuerpo del sujeto.
2. Óptico activo: Emplea sensores LED que emiten luz y son rastreados por cámaras especializadas cuando se activan.
3. Vídeo sin marcadores: Este tipo de captura no requiere marcadores físicos, ya que usa software avanzado para rastrear el movimiento directamente.
4. Inercial: Los sensores inerciales se adhieren al cuerpo del sujeto y miden aceleración y velocidad angular, transmitiendo estos datos a un ordenador sin necesidad de cámaras.

¿Cómo funciona el motion capture?

El proceso de motion capture implica varias fases cruciales para asegurar que los movimientos capturados se traduzcan de manera precisa en la animación digital.

1. Preparación de sujetos y marcadores

Los actores o sujetos que participan en el proceso de captura deben estar equipados con trajes especiales que contienen sensores o marcadores reflectantes. Estos se colocan en puntos clave del cuerpo como las articulaciones, cabeza y extremidades, lo que permite un seguimiento preciso de los movimientos.

2. Grabación y rastreo del movimiento

El sujeto se mueve dentro de un espacio especialmente preparado, donde cámaras o sensores inerciales registran cada uno de los movimientos desde múltiples ángulos. Las cámaras ópticas pueden estar en diferentes posiciones para asegurar la captura de todos los detalles, y los sensores inerciales transmiten información directamente al software.

3. Procesamiento, reconstrucción y rigging

Después de la captura, los datos se procesan en programas como Maya, Blender o Unity. Estos softwares eliminan errores, suavizan el movimiento y lo aplican a un rig o esqueleto digital, que luego se conecta a un modelo 3D. Este proceso permite que el personaje digital se mueva con fluidez y naturalidad.

Aplicaciones del motion capture en Cine y Videojuegos

El motion capture ha sido fundamental en la creación de personajes icónicos en la cultura pop, como Gollum de El Señor de los Anillos o los Na’vi en Avatar. Su uso se ha extendido en diversas industrias, especialmente en cine, animación y videojuegos.

En Cine y Animación:

1. Creación de personajes digitales: Permite transformar los movimientos y expresiones de actores en criaturas o personajes totalmente digitales. Ejemplos incluyen Gollum, King Kong o los personajes de Avatar.
2. Escenas de acción y acrobacias: Se puede utilizar para recrear escenas de combate o acrobacias peligrosas sin necesidad de arriesgar la seguridad de los actores.
3. Multitudes digitales: El motion capture permite replicar los movimientos de una pequeña cantidad de actores y multiplicarlos digitalmente para crear multitudes, como en las batallas de Avengers: Endgame.

En Videojuegos:

1. Movimientos realistas: Juegos como The Last of Us y Red Dead Redemption 2 han utilizado motion capture para dar a sus personajes jugables movimientos y gestos humanos muy realistas.
2. Expresiones faciales detalladas: El mocap captura las expresiones faciales de los actores para transferir emociones y gestos complejos a los personajes digitales, como en L.A. Noire.
3. Cinemáticas inmersivas: Títulos como God of War han utilizado esta técnica para crear escenas cinemáticas realistas y emocionales, mejorando la experiencia narrativa del jugador.

Equipamiento necesario para el motion capture

Para llevar a cabo un proceso exitoso de captura de movimiento, se requiere equipamiento especializado:

• Marcadores reflectantes: Pequeñas esferas que se adhieren al traje del actor.
• Marcadores activos: Sensores LED que emiten luz infrarroja.
• Trajes de captura: Donde se colocan los marcadores, permitiendo al actor moverse libremente.
• Cámaras infrarrojas: Capturan la luz reflejada por los marcadores.
• Sensores inerciales: Detectan y registran la aceleración y el movimiento angular del sujeto.
• Software de captura: Programas como MotionBuilder o OptiTrack, que procesan los datos capturados.
• Software de animación: Herramientas como Maya, Blender, Unity o Unreal Engine para aplicar los movimientos a modelos 3D.

Pasos clave para un proceso exitoso de motion capture

El proceso de motion capture varía según el proyecto y las necesidades del equipo de producción, pero generalmente sigue estas etapas:

1. Preproducción y planificación: Definir objetivos, preparar el espacio de captura y seleccionar el equipo necesario.
2. Configuración y calibración: Ajustar los equipos en función de los cuerpos de los actores y el entorno de grabación.
3. Captura de movimiento: Supervisar la grabación y corregir movimientos si es necesario.
4. Postproducción y procesamiento: Suavizar las transiciones, eliminar errores y aplicar los datos a los modelos digitales.
5. Evaluación final: Revisar y documentar todo el proceso para optimizar futuros proyectos.

El motion capture ha revolucionado las industrias del cine, la animación y los videojuegos, ofreciendo una herramienta poderosa para crear personajes y escenas con un nivel de realismo sin precedentes. A medida que la tecnología sigue avanzando, el mocap promete ofrecer aún más posibilidades para los creadores de contenido digital, transformando la forma en que experimentamos el entretenimiento.

Si te interesa estudiar Cine o Arte Digital, consulta todas las titulaciones disponibles en TAI para poner en práctica esta técnica.

A lo largo de este artículo, descubrirás cuáles son los diferentes tipos de planos en cine, la función de cada uno de ellos y su importancia en la creación audiovisual.

¿Qué es un plano de cine?

En cine, un plano cinematográfico es una serie de imágenes que forman una única toma. Un plano queda definido por el proceso de capturación con la cámara, desde el inicio hasta el final, y puede tener cualquier duración. Se trata de la composición de una imagen que se genera al unir una secuencia de fotogramas durante un período continuo.

El plano es la unidad básica del lenguaje audiovisual. Representa una creación artística por sí mismo y es la primera representación gráfica de una idea o proyecto. Cada plano aporta a la narrativa, ofrece una perspectiva, establece un contexto y es capaz de generar diferentes sensaciones en el espectador.

Tipos de planos en el cine

Aunque existen diferentes criterios  que determinan los tipos de planos en el cine, vamos a seguir una de las clasificaciones más comunes y utilizadas en el mundo audiovisual, distinguiendo: planos según el encuadre y planos según la angulación

Planos de cine según el encuadre

Estos planos de cine se clasifican según la composición de la imagen y los elementos que se incluyen en ella.

Plano entero

Este plano permite centrar la atención en el personaje, capturándolo de pies a cabeza. Ayuda a contextualizar al espectador, proporcionando una visión clara de la figura en relación al entorno. El plano entero es muy utilizado en cine para presentar y describir personajes y para filmar escenas de acción y movimiento.

Plano Americano

Este tipo de plano en cine enfoca al personaje desde la cabeza hasta las rodillas, permitiendo captar tanto la expresión facial como parte del cuerpo en movimiento.

El plano americano es ideal para mostrar la interacción entre personajes y sus gestos, manteniendo  una conexión con el entorno. Es muy utilizado en cine para escenas de diálogo y acción, ya que ayuda a crear un equilibrio entre detalle y contexto, permitiendo ver claramente las acciones y reacciones de los personajes.

Plano medio

El plano medio presenta al personaje desde la cintura hacia arriba, destacando las expresiones faciales y las gesticulaciones. Este tipo de plano en cine es el más idóneo para escenas de diálogo, ya que permite al espectador entender las emociones y las interacciones de los personajes con mayor claridad. 

Primer plano

El primer plano se centra en el rostro del personaje, filmando detalles y emociones de los personajes con gran claridad. Este tipo de plano es ideal para mostrar las expresiones faciales y transmitir emociones, permitiendo al espectador conectar de manera más íntima con los protagonistas.

Plano detalle 

El plano detalle se centra en un objeto o una parte específica del cuerpo, como una mano, un ojo, o un objeto significativo en la escena. Este tipo de plano ayuda a resaltar elementos clave y proporcionar información específica al espectador.

Al centrar la atención en un detalle particular, puede enfatizar la importancia de un elemento de la escena, dar significado a la narrativa o intensificar una emoción.

Tipos de Plano según la Angulación

Este tipo de plano de cine se clasifican en función del ángulo de la cámara respecto al sujeto. Los profesionales alternan estos planos para aportar distintas perspectivas y significados visuales que influyen en la percepción del espectador.

Plano Picado

En el plano picado la cámara queda inclinada hacia abajo, creando una perspectiva donde el sujeto parece más pequeño o vulnerable. Este ángulo puede transmitir debilidad o inferioridad del personaje.

Plano Contrapicado

En este tipo de plano de cine la cámara está inclinada hacia arriba, haciendo que el sujeto parezca más grande y dominante. Este ángulo es ideal para transmitir poder, autoridad o superioridad del personaje.

Plano Cenital

El plano cenital se toma directamente desde arriba, proporcionando una vista completa del escenario. Este ángulo es útil para mostrar el entorno y contexto de una escena y ayuda a crear una sensación de observación o control total.

Plano Nadir

El plano nadir se toma directamente desde abajo, justo debajo del sujeto. Este tipo de ángulo es menos común y se utiliza para crear una perspectiva inusual o dramática, a menudo distorsionando la figura del personaje.

Conocer los tipos de planos en cine y sus diferentes funciones te va permitir tomar nuevas decisiones creativas, desarrollar escenas y narrativas visuales distintas y potenciar tu creatividad. 

En la Escuela Universitaria TAI podrás profesionalizar tu talento como cineasta, formándote en las diferentes áreas de esta disciplina. Descubre nuestros grados y masters de cine y prepárate para formar parte de una industria en pleno crecimiento.

Formarte en arte a nivel universitario es una experiencia transformadora que te va a permitir explorar tus talentos, mientras adquieres la práctica y las habilidades necesarias para desarrollarte como artista profesional. En TAI podrás estudiar en un ambiente creativo y estimulante que te ayudará a desarrollar tu potencial de la mano de los mejores docentes y profesionales de la industria.

Descubre los grados universitarios de arte de TAI

¿Crees que tu futuro está en las artes? Descubre los grados universitarios de artes TAI y especialízate en Cine, Fotografía, Bellas Artes, Artes Escénicas o Música.

¡Te contamos todo de cada uno de ellos!

Grado en Cinematografía

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En este grado oficial aprenderás el funcionamiento completo de una producción a través de una metodología por proyectos y rotación de puestos. Así podrás especializarte en lo que más te gusta: dirección de fotografía y cámara, guion y dirección, postproducción de imagen y creación sonora o producción y diseño de producción.

Realizarás proyectos en platós profesionales y trabajarás con los softwares, cámaras y equipos de iluminación más utilizados en la industria. 

¡Estudia en TAI este grado de arte y fórmate con los mejores docentes y artistas del sector!

Grado en Música

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En este grado de arte aprenderás a desenvolverte en los diferentes ámbitos de la composición musical como bandas sonoras para cine, TV, videojuegos, música urbana o comunicación corporativa.

Además, podrás convertir tus ideas en proyectos concretos y reales de la mano de un equipo de docentes y artistas con una gran trayectoria en la industria.

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Grado en Interpretación

Conviértete en un/a artista multidisciplinar con este grado oficial en Artes escénicas. A través de un programa versátil, innovador y práctico no solo aprenderás a trabajar en rodajes reales como intérprete, sino también como creador/a de contenido de espectáculos propios.

De la mano de los mejores artistas y docentes, interpretarás personajes dentro de diferentes códigos y estilos y adquirirás los conocimientos y técnicas para liderar tus propios proyectos.

¡Estudia Artes Escénicas en TAI y avanza en tu carrera profesional como artista!

Grado en Bellas artes

Con este grado universitario en Bellas Artes construirás tu propia identidad como artista, desarrollando proyectos profesionales de máxima calidad. Durante el programa formativo ampliarás tus competencias en todas las áreas de la creación artística como el diseño, la ilustración  o el diseño audiovisual.

Prepárate para el mundo de las industrias digitales y creativas de la actualidad e incorpórate al mundo laboral con las dos titulaciones que incluye este grado: Grado Universitario Oficial en Bellas Artes y una Diplomatura en Diseño Digital y 3D.

¡Estudia este grado universitario y conviértete en un profesional de la creación artística contemporánea!

Grado en Fotografía

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Con este grado oficial adquirirás una formación completa y práctica adaptada a los nuevos formatos y demandas de la industria. Podrás manejar los flujos de trabajo de la creación audiovisual en proyectos reales para dirigir la imagen en agencias, medios o cualquier institución.

Aplicarás todos los conocimientos teóricos trabajando en producciones y creaciones interdisciplinares con profesionales del sector. 

¡Estudia este grado de arte en TAI y explora tu potencial en el mundo de la fotografía!

La realidad virtual (RV) y la realidad aumentada (AR) han protagonizado estos cambios, ofreciendo nuevas formas de editar y  visualizar contenidos audiovisuales de manera inmersiva y colaborativa.

¿Quieres descubrir cómo estas tecnologías están redefiniendo los límites de la postproducción, abriendo nuevas oportunidades creativas? ¡No te pierdas ningún detalle sobre postproducción y realidad virtual!

¿Qué es la realidad virtual?

La realidad virtual es una tecnología que permite a los usuarios adentrarse en entornos simulados tridimensionales generados por ordenador. A través de distintos dispositivos como visores de RV o gafas, los usuarios pueden interactuar con este entorno virtual y sentirse parte de él a través de estímulos visuales, auditivos y, en algunos casos, hápticos.

¿Cuál es la diferencia entre realidad virtual y realidad aumentada?

La realidad virtual sumerge al usuario en un entorno completamente digital, permitiendo a los usuarios ver y interactuar tanto con el mundo real como con los elementos digitales. Sin embargo, la realidad aumentada superpone elementos digitales sobre el mundo real, «aumentando» la realidad con información digital. 

¿Cómo se aplica la realidad virtual a la postproducción?

La realidad virtual está transformando la postproducción, mejorando el proceso de trabajo. Pero, ¿cómo se aplica en la práctica esta nueva tecnología?

Edición de vídeo

Gracias a la RV, los postproductores pueden trabajar en proyectos 360º, visualizando y editando contenidos de forma inmersiva. Además, pueden previsualizar cómo se verán los videos en dispositivos de realidad virtual, lo que les permite mejorar la experiencia del usuario y aplicar ajustes específicos.

Diseño de sonido 

La realidad virtual permite colocar efectos de sonido en diferentes puntos del espacio virtual, logrando una experiencia audiovisual inmersiva.  Además, esta tecnología posibilita a los usuarios interactuar con el entorno, por lo que el sonido debe ajustarse dinámicamente  las acciones de los espectadores. 

La RV abre un gran abanico de posibilidades de diseño de sonido, facilitando la colaboración en tiempo real entre postproductores y creando efectos de sonido envolventes y realistas.

Corrección de color 

La realidad virtual proporciona a los profesionales de la postproducción nuevas herramientas y enfoques para visualizar y trabajar en el proceso de producción de color.

Con esta tecnología, los resultados son de mayor calidad, consiguiendo una experiencia más inmersiva y real para el espectador final. 

Efectos visuales y gráficos

La realidad virtual permite añadir efectos visuales y gráficos o crear elementos que no se pudieron grabar durante la producción. Esto ayuda a crear un nuevo mundo digital con nuevos personajes y efectos especiales.

¿Cómo están transformando la realidad virtual y realidad aumentada la forma en que se editan y se visualizan contenidos?

La realidad virtual y la realidad aumentada han desafiado los límites creativos en la postproducción ¿Cómo lo han conseguido?

• Permiten personalizar y adaptar el contenido a las preferencias del usuario y las condiciones del entorno.
• Posibilitan que los usuarios interactúen con elementos y objetos del contenido de forma intuitiva e inmersiva.
• Ayudan a que los postproductores visualicen el contenido de forma más realista y precisa.
• Permiten a los profesionales de postproducción editar contenido de manera tridimensional.

Estudiar postproducción en TAI

En TAI, ofrecemos la mejor formación en postproducción para que nuestros estudiantes dominen los softwares y las tecnologías más demandadas en la industria. ¡Conoce nuestra oferta!

Master en montaje y corrección de color para cines y series de TV

Amplía tus horizontes profesionales más allá del montaje y adquiere todas las habilidades necesarias para abordar integralmente un proceso de postproducción. Con este master obtendrás la máxima especialización técnica y una mirada artística para abordar cualquier proyecto.

Master en Postproducción y VFX con Dare Planet

Una formación única en colaboración con Dare Planet, empresa líder en supervisión, creación y diseño de VFX para producciones cinematográficas, series de televisión y publicidad. Con este master aprenderás a manejar todos los softwares más implementados a nivel internacional, asistirás a masterclasses y talleres con profesionales en activo para conocer las técnicas más innovadoras y los procesos de trabajo reales de artistas VFX.

Bootcamp de coordinación de post – producción

En este curso intensivo conocerás todo lo necesario para trabajar como coordinador/a de postproducción y poder afrontar el día a día de cualquier proyecto de la mano del líder docente Vicente Ruiz de León.

Ahora que ya conoces cómo la realidad virtual y la realidad aumentada están revolucionando el mundo de la postproducción, sigue consultado nuestro blog para descubrir las últimas novedades.

La postproducción es una pieza clave de la realización audiovisual, profundamente vinculada a otras etapas como son la preproducción y la producción. La postproducción es la fase final en que se logra una estructura coherente que permite reflejar la idea final de un proyecto dotándolo de la perfección técnica y artística necesaria. Por tanto, la postproducción incluye una serie de etapas principales: montaje subtitulado, voz en off, efectos especiales o corrección de color, entre otros.

El Área de Animación y Postproducción de TAI incluye programas formativos para todos los niveles y especializaciones que existen en este amplio sector: Master en Montaje y Corrección de Color para Cine y Series de TV, Master en Postproducción y VFX y el Bootcamp de coordinación de postproducción.

¿Qué es la postproducción?

El proceso de elaboración de una obra audiovisual se compone de tres fases principales: guion, rodaje y postproducción. La postproducción se podría definir como la manipulación del material audiovisual, la imagen, el sonido, la músico, el color y la mezcla final de todos estos elementos. El objetivo es concretar la idea final de la pieza.

Los/as profesionales que intervienen en este proceso suelen ser: montadores/as (encargados/as del montaje o edición de las imágenes), montadores/as de sonido, músicos, mezcladores/as (unión de todos los sonidos), artistas VFX y etalonadores/as (las personas que en el proceso final igualan la luz de todos los planos de las secuencias y dan una continuidad a la obra). No obstante, a la hora de tomar las decisiones finales, quienes intervienen activamente suelen ser el/la productor/a y el/la director/a.

¿En qué consiste el flujo de trabajo de postproducción? Fases

Montaje: «el latido» de una pieza audiovisual

Jean-Luc Godard dijo que

«si dirigir es una mirada, montar es un latido del corazón. La previsión es propia de ambos, pero lo que uno trata de prever en el espacio, el otro trata de preverlo en el tiempo».

En sus inicios, el montaje era un recurso más técnico que intelectual. A raíz del cine soviético y los trabajos de Vertov, Pudovkin o Eisenstein, se amplió la investigación y profundización en la teoría y práctica cinematográfica, especialmente en lo relativo al poder del montaje como elemento dialéctico. Asimismo, las nuevas tecnologías y la transformación del lenguaje cinematográfico han marcado profundamente la evolución del montaje audiovisual.

Flujo de trabajo

A la hora de montar la imagen, el/la montador/a dispone de un guion, partes de cámara con detalles de lo que se ha rodado y partes del script y del ayudante de cámara, quienes informan de cuántos planos se han rodado en cada secuencia y cómo son estos planos; asimismo, deben informar de cuántas tomas se han realizado de cada plano, metraje y duración.

Partiendo de esta información, la persona encargada del montaje de imagen inicia su trabajo eligiendo, ordenando y uniendo una selección de los planos en base a una idea y dinámica determinada. El montaje es una de las disciplinas esenciales en la realización de una película que, además, requiere de una gran capacidad creativa.

La combinación de las secuencias, su ordenamiento y mezcla con los distintos elementos auditivos implica dotarlas de un significado que no poseen por sí mismas. El concepto esencial en el montaje es la emoción, pues lo que va a recordar la audiencia no es la edición, sino lo que han sentido al ver la obra. La emoción es superior a cualquier otra categoría a la hora de hacer y montar una pieza.

Montaje de sonido: el universo sonoro

A lo largo de la historia del cine sonoro, el departamento de sonido ha ido cobrando una importancia cada vez mayor. La riqueza del sonido es hoy un factor de calidad estética esencial. Para que el sonido constituya un acompañamiento realista de la imagen, es imprescindible reproducir en la banda sonora el proceso mecánico de nuestra audición, es decir, incorporar sonidos con un significado concreto.

Grupos de profesionales que intervienen en el montaje de sonido

A grandes rasgos, hay tres grupos de profesionales, aunque la misma persona pueda pasar de una función a otra. El primer grupo graba lo que ocurre durante el rodaje, fundamentalmente diálogos, pero también los sonidos disponibles (una o varias parejas pertiguista & ingeniero/a de sonido [boom operator & production recordist]. El segundo grupo comprende a los/as montadores/as (sound editors), encargados/as de hacer una lista de los sonidos que hay que añadir, reemplazar o mejorar (etapa de spotting); a continuación, estos sonidos se buscan en el exterior o en una colección personal, antes de montarlos en la banda sonora.

Tras la fase de spotting, existen al menos cuatro especializaciones dentro de este grupo de montadores/as: el equipo de efectos especiales (sound effects crew), el equipo que procede a la postsincronización de la voz (ADR crew), el que se ocupa de la música (music crew) y, por último, el equipo de creadores de sonidos (Foley crew), que interviene lo más tarde posible. 

El tercer grupo incluye a los mezcladores (sound mixers) que reúnen todos los sonidos, incluida la música, y los mezclan. Esta es la etapa final de la puesta a punto. 

Contar historias a través del sonido

Cada película tiene un tipo de sonido en función de si es más atmosférica o más narrativa. El sonido también narra, por lo que se pueden añadir sonidos que no están en la imagen, un trabajo muy similar al de un/a compositor/a, pues se trata de producir algo similar a la música, pero con sonidos. Además, la experimentación con nuevos sonidos es un trabajo especialmente apasionante y creativo que posibilita inventar mundos nuevos dentro de la película.

En síntesis, al igual que en el montaje de imagen, hay una parte técnica y otra más artística en el trabajo del/de la montador/a de sonido. Todo forma parte de un mecanismo que sirve para contar una historia en relación a la imagen, la música y los diálogos.

Efectos VFX

Los efectos visuales o VFX son todos aquellos procesos mediante los cuales se manipula una imagen añadiendo o modificando determinados elementos. Para realizar VFX hay que combinar tanto habilidades técnicas como artísticas. Con la evolución de las herramientas digitales, el arte de los efectos visuales se ha perfeccionado cada vez más y se han generado múltiples especializaciones en el sector.

No obstante, la creación de este tipo de efectos supone una gran complejidad y su desarrollo se produce en 3 fases. En la etapa de preproducción se incluyen tareas intelectuales, logísticas y técnicas cuyo objetivo es doble: por un lado, establecer las bases, dimensión y estructura del proyecto y, por otro, planificar adecuadamente la fase de producción para prever necesidades, herramientas y materiales necesarios. En la fase de preproducción se pueden englobar tareas como:

• Script
• Storyboard
• Animatics
• Production design
• Research&Development

En la fase de producción, además de tomar los elementos preproducidos y combinarlos en base a un plan de rodaje, hay que producir material anexo que será esencial en la posterior fase de postproducción. Destacan tareas como:

• On set reference
• HDRI
• Color calibration reference
• Tracking
• Lens calibration chart

Por último, en la fase de postproducción se toma el material generado en las fases previas y se combina con otros elementos (de librería o síntesis) de forma que la visión del/de la director/a del proyecto sea lo más clara posible. Esta fase incluye tareas como:

• 3D
• Camera tracking
• Rotoscoping
• Compositing
• Color correction
• Editing

El conformado

En el proceso de conformado se sustituye el material offline por el material de calidad, siendo clave para una óptima finalización del procedimiento. Aunque es un proceso bastante automatizado, no está exento de problemas dada la diversidad de elementos que intervienen.

En este proceso hay que tener en cuenta los eventos de la lista de edición: fundidos, encadenados, ralentizados, sobreimpresiones. 

Hay diferentes programas para hacer el conformado. Una de ellas es Da Vinci Resolve.

Es recomendable que, además de las cintas o archivos originales, dispongamos de una película de referencia a baja resolución para poder chequear el conformado y asegurarnos que todo está bien. Incluso cuando la película se ha conformado correctamente, es necesario volver a recrear efectos, fundidos encadenados, cambios de velocidad, etc.

El proceso de conformado es complejo y tiene una importancia vital para la corrección de color.

En cuanto a las responsabilidades, el/la montador/a debe supervisar los efectos ópticos y títulos que se van a incorporar en la película, mientras que el/la director/a y productor/a se encargan de aprobar el conformado final.

La corrección de color: 

El término etalonaje (color timing) se ha utilizado en la tradición cinematográfica para referirse a la corrección final de color. En vídeo y TV ha sido más habitual el término corrección de color (color correction/color grading). En los nuevos sistemas de composición digital se ha consolidado la convergencia de las herramientas de postproducción para cine digital y vídeo, por lo que se utilizan indistintamente ambos términos.

La función del etalonador o colorista es efectuar las correcciones de color, brillo y contraste controlando la calidad, colorimetría y luminosidad de la imagen para igualar los planos de las distintas secuencias. Esta tarea suele abordarse al final del proceso de producción de una pieza audiovisual, aunque, en algunas casos, el/la colorista participa en etapas previas para hacer correcciones en el set de grabación o para actuar sobre los brutos, especialmente en grabaciones complejas para efectos visuales.

Durante el rodaje ya se empieza a trabajar en el color tomando en cuenta el trabajo posterior en postproducción. Por ende, el trabajo en equipo siempre es la clave para alcanzar los objetivos artísticos de un proyecto.

Aunque el colorista pueda intervenir antes, es en la etapa de postproducción cuando adquiere su mayor protagonismo poniendo su talento al servicio de las instrucciones técnicas y artísticas que recibirá del/de la director/a de la película y el/la director/a de fotografía. La elección del color nunca es arbitraria, sino que hay una reflexión muy profunda de fondo. 

Las seis tareas del colorista

Según el director de cine Alexis Van Hurkman, el colorista o etalonador tiene seis tareas principales: 

1. Corregir errores de color y de exposición.
2. Conseguir que el centro de interés de la imagen se vea bien.
3. Igualar los distintos planos de una escena.
4. Crear un estilo visual.
5. Crear profundidad.
6. Ajustar la señal a las normas de calidad.

Programas más utilizados en postproducción

En montaje, los dos software más implementados son Avid y Premiere. Para iniciarse a los efectos visuales y aprender a hacer animación de gráficos en 2D, la herramienta más destacada es After Effects, mientras que en montaje y postproducción de sonido se suele utilizar Protools. 

En el campo de la composición y los VFX, las dos herramientas más utilizadas en los estudios de postproducción a nivel internacional son Nuke y Flame. Asimismo, Houdini, el programa de diseño en 3D, se complementa a la perfección con ambos software de composición para la simulación con partículas de todo tipo de efectos y fenómenos naturales: agua, humo, fuego, explosiones, telas, niebla, nieve, destrucciones, arquitecturas, texturas, etc.

Por tanto, el manejo y conocimiento de estas tres herramientas utilizadas en los estudios de postproducción más prestigiosos (Pixar, Disney, ILM, Lucas Films, Weta, etc.) proporcionan una perspectiva profesional internacional al más alto nivel.

En corrección de color, las dos herramientas de software imprescindibles son DaVinci y Mistika, que permiten una aproximación conceptual a la psicología del color y a las tendencias visuales en el tratamiento de la imagen.

En los programas del Área de Animación & Postproducción de la Escuela Universitaria de Artes TAI podrás conocer y aprender a manejar todos estos programas para obtener una cualificación técnica al más alto nivel al mismo tiempo que desarrollas un perfil artístico en un ambiente creativo multidisciplinar. Infórmate sobre nuestros masters y nuestro bootcamp de coordinación de post-producción que te permitirá destacar en el sector, preparándote para todos los retos del mercado laboral.

Referencias

Juániz, J. (2016). La postproducción. En C. Andreu (Coord.), Guía de creación audiovisual. De la idea a la pantalla (pp. 89-113). AECID.

Jullier, L. y Rodríguez, A. F. (2007). El sonido en el cine. Paidós.

Utray Delgado, F. (2015). El flujo de trabajo de la corrección de color en postproducción
audiovisual. En F. Utray, M. Armenteros y A.J. Benítez (Eds.), Postproducción digital: una perspectiva contemporánea (pp. 159-188). Madrid: Dykinson.

He tenido suerte de ser quien soy; un principio de proyecto de actriz que recibió la charla que ofrecieron los actores y actrices nominados a mejor protagonista en los próximos Premios Feroz como un auténtico regalo.

Que Malena Alterio («Que nadie duerma»), Alberto Ammann («Upon Entry»), Hovik Keuchkerian («Un amor»), Carolina Yuste («Saben aquell»), María Vázquez («Matria»), Manolo Solo («Cerrar los ojos») y David Verdaguer («Saben aquell») compartieran sus experiencias y vivencias profesionales en una charla moderada por Pepa Blanes, y lo hicieran de la manera que lo hicieron, solo habla de su empatía y de saber perfectamente en qué lugar y ante quién se encontraban.

Las dos horas del evento sobre los Premios Feroz fueron un absoluto ejercicio de generosidad, que Hovik Keuchkerian ya había iniciado media hora antes; se formó un corro alrededor de él que atendió con buena dosis de humor y buen rollo.

Quizás fue él quien contagió a sus compañeros de nominación esa desinhibición que tanto agradecimos durante toda la tarde. 

En cualquier otra ocasión, el acto se habría convertido en una convencional conferencia, pero todo derivó en lo que podría parecer una charla de actores delante de unos amigos.

¡Eso es! Eso es lo que consiguieron, que pese a las notables diferencias de experiencia, trabajo y conocimientos, nos hicieran partícipes de sus inseguridades, incertidumbres y miedos.

Hay que ser muy humilde y generoso para abrirse de la manera en la que lo hicieron delante de unos desconocidos. Unos desconocidos a los que aceptaron como compañeros de profesión. ¡Madre mía!, yo compañera de profesión de Malena Alterio… 

Para destacar alguna de las frases que allí se nombraron destacaría una expresada por Carolina Yuste: “Cuando actúo me siento como el transmisor de una idea, como si fuera un canal de comunicación en mí misma”.

Se habló de la importancia del ensayo en las películas, de la construcción de personajes, del trabajo en equipo… La conversación fue derivando de lo más técnico a lo más personal, algo que enganchó enseguida a la audiencia. Cuando me refiero a lo personal quiero decir a su visión más íntima de la profesión: las incertidumbres provocadas por los periodos en los que no se tiene trabajo, la aceptación de papeles por necesidad, la relación a veces tensa con los directores, el miedo a no gustar, incluso el hecho de mentir para conseguir un papel.

Un ejercicio de sinceridad y de honestidad por su parte que los que estábamos allí escuchándolos agradecimos. 

Algo que los hacía igual de grandes como actrices y actores, pero más admirables, sobre todo para aquellas que nos miramos en el espejo, todavía inalcanzable, de nuestras carreras.Para nosotros, jóvenes estudiantes que persiguen un mismo sueño, es muy importante que figuras como estas sean claras y realistas con nosotros. Todos sabemos lo complicada y sacrificada que es la carrera que hemos elegido. Cuanto antes interioricemos todos sus inconvenientes mejor asumiremos los retos que se nos presentarán en el futuro.

Si en algo coincidieron casi todos es en su visión del éxito, lejos de la visión que tiene la mayoría de personas, que lo relacionan con la fama o el dinero. Para ellos, ser actor o actriz va más allá del puro reconocimiento o de los premios.

El éxito en sí mismo es la capacidad de trabajar en algo que te apasiona y que además se convierte en tu forma de vida.  

Que nuestra profesión, nuestro oficio, tiene más que ver con el compromiso personal que con alfombras rojas, que pertenecen más al envoltorio que utiliza la F para vender, algo necesario, pero no fundamental para ellos.

En definitiva, todo fluyó de una manera natural, unos amigos que hablan delante de otros: unos actores que hablan de sí mismos frente a otros que un día lo serán, lo seremos, lo intentaremos.

Si tenemos suerte, volveremos a la TAI para charlar con nuestros compañeros actores, también nominados, delante de unos estudiantes que nos mirarán con ilusión, admiración y sobre todo, agradecimiento.

Marina Gaudí

Alumna 2º Bachelor’s Degree in Performing Arts and Screen Acting

@marinagaudii

Un guion literario es ese documento tan conocido que recoge una historia escrita para ser llevaba a un formato audiovisual. Es el primer paso para realizar una película o serie de TV. En la estructura de un guion se narran las acciones, contextos y diálogos de los personajes junto a descripciones de los escenarios en los que tienen lugar las escenas, Además, en ocasiones los guiones incluyen acotaciones y destacados de el/la guionista o director/a.

La historia que se refleja en un guion de cine debe ser lo más visual y comprensible posible, así será mucho más sencillo llevarla al posterior guion técnico, un documento de rodaje esencial en cualquier producción.

Estructurar la historia

Uno de los pasos previos a escribir un guion literario es organizar la estructura de la historia que se quiere contar, normalmente se hace a través de actos, entendido como una serie de secuencias que alcanzan su punto más álgido en el clímax.

Acto I

Se presenta al protagonista y a los personajes principales y se describe el mundo en el que se desarrolla la historia. En este acto aparece el detonante que es el elemento que pone en movimiento la historia. Finalmente, este acto termina con el primer punto de giro, un suceso inesperado que altera la historia.

Acto II

En este momento, el protagonista reacciona ante el primer punto de giro y decide ponerse en marcha para cumplir su misión. Es durante este segundo acto cuando el protagonista deberá enfrentarse a obstáculos, enemigos y demás inconvenientes para alcanzar su objetivo.

Al final del segundo acto sucede algo que, de nuevo, cambia bruscamente la historia de dirección. Se trata del segundo punto de giro, un momento en el que parece que el protagonista no tiene ninguna posibilidad de alcanzar su objetivo. Parece que lo ha perdido todo. Es el momento más desesperante de su viaje.

Acto III

Todo parece estar en contra del protagonista. Sin embargo, en el momento menos esperado, este encuentra una última oportunidad para cambiar su situación. Aún puede conseguir su objetivo, alcanzar aquello que tanto anhela.

En la mayoría de las ocasiones se dan dos casos:

1. Aparece una nueva meta
2. El protagonista decide jugárselo todo.

El protagonista se enfrenta al antagonista en el clímax y consigue su objetivo. Excepto si se trata de una tragedia, en cuyo caso el personaje fracasará. Finalmente, el espectador es testigo de la transformación del protagonista, de lo que ha aprendido en ese viaje.

La estructura de un guion audiovisual

Los guiones literarios se dividen en, depende de a quién se pregunte, secuencias o escenas, aunque realmente el concepto es el mismo: un bloque de contenido que recoge un fragmento de historia que ocurre en el mismo espacio y/o tiempo. El guion de cine tiene formato propio creado para que todos los miembros del euipo sepan leerlo y entenderlo.

En general, un guion suele redactarse en la fuente Courier New, a tamaño 12, ya que esta tipografía y tamaño concreto se corresponde a 1 minuto de película por página, generalmente, claro.

Conoce los softwares más comunes de escritura de guion aquí.

Encabezado de secuencia o escena

Siempre escrito en mayúscula, el encabezado describe características básicas de una escena: si es interior o exterior, lugar de acción, y si es de día o de noche: INT. HABITACIÓN – NOCHE

En caso de que la acción suceda en varios lugares el encabezado sería así: INT. COCINA/HABITACIÓN – NOCHE

Acción

Es el momento de describir la acción que da, generalmente, incio a una escena. La descripción de las acciones no tiene reglas ni una normativa que seguir, sino que es decisión del propio guionista cómo llevarla a cabo. Es aquí dónde se presentan los personajes, que, cuando aparecen por primera vez están señalados por su edad: ALICIA (22). También suelen describirse las locaclizaciones y acciones más importantes, normalmente en presente y tercera persona.

Diálogo

Para esscribir un diálogo en un guion de cine hay que ponerlo en posición centrada encabezado con el nombe del personaje que habla en mayúsculas y, abajo, sus líneas. Existen una serie de códigos escritos al lado del nombre del personaje que indican información importante para el desarrollo de la historia y el diálogo:

• CONT.: se pone cuando, tras el diálogo de un personaje se describe una acción y, después de la misma, el personaje continúa hablando.
• OFF.: no vemos al personaje que habla, solo se escucha su voz.
• V.O.: se refiere a voice over, una voz perteneciente a un narrador/a ajeno/a a la historia.

Acotaciones

Son anotaciones importantes para el desarrollo del diálogo de las que no se debe abusar.  Son indicaciones para el diálogo que se colocan debajo del nombre del personaje, y antes del diálogo, normalmente entre paréntesis y en cursiva.

Transiciones

Colocadas al final de la página a la derecha, las transiciones indican si hay un corte o un fundido encadenado como un FUNDIDO A NEGRO o un CORTE A en mitad de una escena, este último para preceder a un flashback o flashfoward. 

Uno de los objetivos principales del doblaje es ayudar al público a comprender una producción que no está creada en su idioma. Aunque la realidad es que el doblaje no se realiza en todos los países, hay países donde se realizan doblajes de casi todo: películas, anuncios, series…, y muchos otros mantienen el idioma original apoyándose en los subtítulos.

El caso de España es un gran ejemplo de doblaje, ya que la mayoría de programas, películas, documentales, dibujos para niños o series televisivas son doblados al Castellano. Incluso, existe una amplia lista de estrellas de doblaje muy valoradas y conocidas como Constantino Romero, que pone la voz a Darth Vader, o Pepe Mediavilla, que doblaba a Morgan Freeman o Ian Mckellen.

¿Qué es ser doblador de voz?

Una persona que es actor o actriz de rodaje tiene la función de interpretar un papel y poner la voz a un personaje. Con el guion por delante, tienen que guiar su entonación y tono de voz adaptándolo a la situaciones que ocurran en la pantalla.

Por ello, es fundamental que los/las actores y actrices de doblaje sean capaces de percibir las emociones de los personajes y transmitirlas a través de su voz. No se puede doblar una escena dramática con un tono de alegría, porque imagen y voz no se corresponden.

En el momento de doblar en el estudio, el doblador/a tiene que hacer un trabajo de adaptabilidad y sincronización por el personaje al que dobla, ya sea un actor real o un personaje animado. Además, aunque la imagen del actor no sea percibida en cámara, debe meterse de lleno dentro del papel, no solo con su voz, sino con su corporeidad y disposición.

Por esta razón, el talento más valorado en un actor de doblaje es su capacidad de modelar la voz para transmitir emociones, sensibilidad y conectar con el espectador, intentado, por todos los medios, actuar como si fuera la voz real del actor real.

Requisitos para ser actor de doblaje

¿Es importante tener una voz bonita o peculiar? Sí, pero no lo es todo. Lo más importante es cómo se usa esa voz, es lo que distingue a los candidatos para un papel, lo que puede llegar a convertirse en su sello de identidad. Conoce algunos de los actores y actrices de doblaje más famosos de España aquí.

La voz es la herramienta de trabajo de los/as dobladores/as por eso hay que saber utilizarla bien: pronunciar correctamente, vocalizar y leer sin errores, entre otras muchas. Además, es muy importante buscar una buena formación, la voz es un instrumento muy delicado y necesita de técnicas adecuadas para ejercitar correctamente.

Para lograr que la voz funcione bien, se debe conocer la morfología de las cuerdas vocales, zona que requiere técnica y un cuidado muy especial. Por ello existen técnicas, similares a las utilizadas para cantar bien, que ayudarán a mantener una buena salud vocal.

Para ser artista de doblaje existen una serie de requisitos como:

• Dominio de la voz
• Capacidad de adaptación
• Saber Interpretar
• El trabajo con los personajes

La industria cinematográfica crece cada día más, no solo en Hollywood, sino que evoluciona y se expande desde cada rincón del mundo. Cada vez se ve más cine, se consume más contenido y, por lo tanto, se crea mucho más.

La industria cinematográfica

Siempre que se habla de cine se escucha algo llamado “la crisis del cine”. Desde casi los inicios de su historia, se ha dicho que el cine no tiene futuro y la realidad es que, cuando se habla de esa crisis, se está hablando de una mutación propia del tiempo y la “forma de hacer cine”, que, al final, va cambiando. Es por eso que podemos decir que el cine de 1928 no tuvo futuro, básicamente, porque aquel cine tiene poco que ver con el de ahora.

Así, la industria cinematográfica se define como un movimiento que cambia y evoluciona casi día tras día, un modelo de producción que muta, se establece y luego vuelve a cambiar. Nada tiene que ver cómo se hizo Titanic en 1998 a como se haría ahora, las cámaras, la iluminación y, sobre todo, la tecnología cinematográfica es completamente diferente, lo que no tiene por qué significar que sea mejor, sino diferente.

Todo esto significa que una de las claves más importantes a tener en cuenta a la hora de decidir si estudiar o no cine es que hay que estar siempre en continua formación. Hay que continuar aprendiendo, investigando y creando, ya que hay tanta gente haciendo cine que el secreto para destacar es marcar la diferencia.

Razones por las que estudiar cine

La formación es tan importante como la vocación

Cierto es que la razón principal para estudiar cine, como casi todo lo demás, debe ser la vocación. Es muy importante que el/la estudiante de cine tenga una necesidad íntima de crear, así, con esa sensación la toma de decisiones es siempre más sencilla.

Y, por supuesto, hay que tener también las ganas de aprender y formarse. A la hora de estudiar cine es imprescindible elegir bien la Escuela en la que se va a cursar una titulación. Esa es la hora de investigar y tener en cuenta una serie de aspectos que marcarán la diferencia:

• Equipo docente: lo ideal es que el profesorado de la Escuela que se vaya a elegir esté en activo, así, el alumnado estará siempre en contacto estrecho con la industria, adquirirá los conocimientos más novedosos y estará al tanto de las tendencias.
• Áreas artísticas: cuantas más mejor. Una escuela en la que la interdisciplinariedad sea la base siempre ayudará al artista a desarrollarse en un ámbito más completo. Conocer todas las áreas y trabajar con ellas es esencial para convertirse en un artista 360, sea cuál sea la rama escogida. Un área importante a tener en cuenta es la de Artes Escénicas, disciplina que no suele ser común en las Escuelas de Cine, ya que poder trabajar mano a mano con actores y actrices dará al cineasta una gran ventaja. Otro área a tener en cuenta es Música, pues lo normal, es que cuando alguien estudia cine haga proyectos tanto para la escuela como para sí mismo. Si la escuela tiene un área de música con la que trabajar y estar en contacto, la composición de bandas sonoras siempre será más sencilla.
• Instalaciones y equipamiento: es importante trabajar con equipos actualizados, platos e instalaciones adecuadas que preparen a los artistas para lo que encontrarán en la industria.
• Calidad de la formación: escuchar opiniones, conectar con antiguos alumnos y alumnas, hablar con el alumnado actual, etc., son acciones que mejorarán la información de la persona interesada sobre la escuela y le ayudarán a tomar la mejor decisión posible.
• Bolsa de trabajo: un imprescindible. Siempre es necesario que una Escuela de Cine de la oportunidad de hacer prácticas a su alumnado, lo que lo conectará con la industria y facilitará la posterior inserción laboral.

El ambiente artístico

Estudiar en una Escuela dedicada a las Artes abre la mente a todo aquel que estudie o trabaje allí. Rodearse de un ambiente lleno de artistas potencia la creatividad, y más si la escuela cuenta con talleres o espacios en los que los artistas pueden expresarse y crear.

La necesidad de contar historias

Cualquier persona interesada en estudiar cine tiene algo por dentro que lo llama a hablar, a contar historias, ajenas o propias, pero siempre tienen algo que comunicar. Ahí está la clave para comenzar en el cine, solo una idea, un recuerdo, una palabra que lleve al artista a escribir una nueva historia.

Aprende con profesionales y crea tu red de contactos

Como mencionamos anteriormente, es clave que el profesorado de la Escuela esté en activo, es decir, que trabaje en la industria a la vez que imparte clases, así, el alumnado aprenderá de primera mano todo lo necesario y novedoso del sector.

Cine como herramienta de cambio

Esta no es una razón necesaria para todo el mundo, pero sí es bastante común entre los cineastas: la necesidad de contar historias reales o aportar en el mundo para generar o ayudar a la transformación social. Mostrar realidades sociales, criticar injusticias, promover cambios, todo ello desde una manera artística.

*Fotografía principal del cortometraje Miña Nena.

En esencia, el montaje cinematográfico es un proceso que ordena planos y secuencias que fueron grabadas en el rodaje de una película. Este proceso hace que el público perciba la historia tal y como el director o directora quiere. La ordenación de las secuencias es tan importante que con unos mismos brutos, pueden hacerse muchísimas películas diferentes.

Qué es el montaje cinematográfico

La postproducción es una pieza clave de la realización audiovisual profundamente vinculada a otras etapas como son la preproducción y la producción. La postproducción es la fase final en que se logra una estructura coherente que permite reflejar la idea final de un proyecto dotándolo de la perfección técnica y artística necesaria. Por tanto, incluye una serie de etapas principales: montaje, composición de banda sonora, voz en off, efectos especiales o corrección de color, entre otros.

El montaje, parte esencial del proceso de postproducción, es mucho más que solo un corta y pega de planos o secuencias. Sí que es cierto que su base es, en esencia, enlazar planos dotándolos de un sentido según el guion de la película, pero la realidad va mucho más allá de esto.

Según Joan Marimon, en su libro El Montaje Cinematográfico, el montaje ”junto con el guión y la dirección, constituye uno de los pilares del proceso de creación de una obra audiovisual”.

En este contexto, al montaje se le delega la función de seleccionar, ordenar y asignar una duración a los planos de la película en una línea que conforma el espacio y el tiempo de la película en un conjunto rítmico. De esta manera, el discurso cinematográfico:

• Articula el espacio y el tiempo: el montaje establece relaciones espaciales y temporales entre los planos, ya sea enlazando las miradas de los personajes o marcando cambios en el espacio (tiempo, objetos, crecimiento…)
• Puede recalcar o mostrar ideas y/o pensamientos yuxtaponiendo planos al empalmarlos entre sí, así se genera un significado que no está explícito en contenido de los planos por separado, es a lo que se le llama «efecto Kulechov».
• Aporta ritmo a la trama para general la deseada progresión emocional del espectador, siendo este el objetivo principal del montaje.

«El montaje constituye una forma de conferir un aspecto concreto a la película mediante el ritmo, el tiempo y la estructura» William Chang

Tipos de montaje cinematográfico

Dentro del concepto de montaje cinematográfico se enmarcan muchos tiempos de montaje, ya por su intencionalidad narrativa, el espacio y el tiempo.

En cuanto a narrativa destacan:

• Montaje narrativo: se encarga de contar los hechos de manera cronológica o mezclando el tiempo dando saltos al futuro o al pasado.
• Montaje expresivo: marca el ritmo de la acción, siendo este rápido en los momentos de más acción o aventuras y más pausado y lento en el drama o en el suspense.
• Montaje ideológico: es aquel que se usa cuando quiere afectar directamente a las emociones y pensamientos del espectador, normalmente basándose en símbolos, gestos, expresiones, personajes, etc.
• Montaje creativo: basado en la ordenación de planos y secuencias sin tener en cuenta una determinada cronología, sino una idea o lógica previamente expresada en guión, tratará de dar coherencia, ritmo, acción y belleza a la película.
• Montaje poético: es aquel que busca causar reacciones emocionales en el espectador, valiéndose de una intención expresiva combinando fragmentos que llamen la atención del espectador.

En cuanto a la sucesión espacio y tiempo:

• Montaje lineal: es el más común, ya que sigue la acción de la historia en una única línea temporal.
• Montaje alterno o alternado: muestra acciones que pasan en el mismo momento en lugares diferentes, aunque siempre suelen tener una correspondencia entre ellas. Este tipo de montaje suele utilizarse para unir acciones que por separado parecerían no tener relación.
• Montaje paralelo: se trata de alternar escenas que se dan en tiempos diferentes, y que son independientes cronológicamente, para crear una asociación de ideas en el espectador. Existen numerosas partes de películas que utilizan este tipo de montaje
• Montaje invertido: es aquel que rompe la coherencia cronológica de la historia e intercala con la misma Flashbacks (atrás en el tiempo) o Flashforwards (adelante en el tiempo).

Puedes conocer algunos de los mejores montajes cinematográficos de la historia del cine aquí.

Trabajar en cine no es tarea sencilla, es lógico que requiere talento y esfuerzo, pero, sobre todo, es una profesión basada en los contactos y en las decisiones que se tomen por el camino.

Antes de comenzar a trabajar en cine, lo esencial es encontrar el rol adecuado para cada persona, el puesto o puestos en el que cada uno encaja mejor.

Equipo de Dirección

Guionista

Es la persona encargada de escribir la historia. En España no suele estar en rodaje, aunque es recomendable en caso de que haya cambios de última hora.

Director/a

Organiza los aspectos técnicos en todas las fases de la producción y da vida al guion. Se encarga también de la dirección de actores y actrices.

Puedes conocer a algunas/os de las/os directoras/es más relevantes del panorama español aquí

Ayudante de Dirección

Se considera la mano derecha del director o directora, pero en realidad es un puente fundamental entre dirección y producción. Es la persona que se encarga de la comunicación entre departamentos técnicos y artísticos. Por lo que es una de las figuras más importantes en una producción.

Es el/la que realiza el plan de rodaje, y como hemos mencionado antes, puede o no que haga también el desglose de guion. En rodaje, es el que lleva los tiempos y suele preservar un ambiente profesional y dar acción.

Script

Es la figura encargada del famoso raccord, hace fotografías de los actores y actrices y los espacios para preservar la continuidad entre planos y secuencias. Además, cronometra las tomas y anota las observaciones o problemas que hayan podido surgir para facilitar la tarea al montador.

Equipo de Producción

Director/a de Producción

Se encarga de buscar y organizar la inversión y financiación para los rodajes. Reserva localizaciones y materiales, pide permisos de rodaje, realiza los contratos… Es una figura de vital importancia.

Jefe/a de Producción

Es la mano derecha del director o directora de Producción, su rol principal es la búsqueda de localizaciones y, en caso de que el director/a no esté en rodaje, se encarga del set. Organiza el transporte de equipos y materiales y, en la mayoría de casos, se encarga también de la gestión del catering en rodaje.

Ayudante de Producción

Como su propio nombre indica, se encarga de ayudar a la dirección y jefatura de producción. Generalmente se encarga de las compras, cotizaciones, etc. ***

Equipo de Fotografía

Director/a de Fotografía

Es el responsable de la parte visual en un cortometraje, se encarga de las decisiones artísticas sobre luz, el color, la calidad de la imagen, elección de objetivos fotográficos, relación de aspecto, etc. Además, es el jefe de todo el equipo de cámara.

Operador/a de Cámara

Es la persona que maneja la cámara y se encarga de encuadrar y grabar siguiendo las instrucciones del director/a de Fotografía. En algunas ocasiones, es el/la mismo director/a de Fotografía el que se encarga de esta tarea.

Ayudante de Cámara

Es el/la asistente del operador/a de cámara. Mantiene y cuida la cámara cuando no se está rodando.

Foquista

Se encarga de enfocar la imagen que capta la cámara. En rodajes más pequeños el/la ayudante y el/la foquista pueden ser la misma persona.

Auxiliar de Cámara

Es la persona que lleva la claqueta y toma nota de los planos que ya han sido grabados, con información técnica de la cámara y los planos. Trabaja estrechamente con el script.

Gaffer

Es la mano derecha del/la Director/a de Fotografía en cuanto a registro fotográfico e iluminación. Suele ser el encargado/a de la fotometría, ubicación de luces de relleno, el prelighting, etc. En ocasiones, asume el rol de jefe/a de eléctricos/as.

Eléctricos/as

Suelen ser más de una persona y se encargan de la parte mecánica de la iluminación y electricidad. Cargan y descargan el equipo, colocan luces, organizan cables, etc…

Foto Fija o Making of

Fotografía, vídeo o ambas del rodaje. Una o varias personas se encargan de recoger momentos o imágenes del “detrás de las cámaras”. Es un rol de interés para la posterior promoción del corto en redes sociales, así como una figura que crea recuerdos para todas las personas que conforman el equipo de rodaje.

Equipo de Arte

Director/a de Arte

Es la persona que diseña los espacios, decide el atrezzo y organiza los lugares en los que se rodará. Se encarga de desarrollar y mantener el estilo visual del cortometraje.

Ayudante/s de Arte

Son las personas bajo las órdenes del director o directora de Arte, ayudan en la composición de escenas y en la creación de material si es necesario.

Maquillaje y peluquería

Se encarga de la estética del reparto. Depende del tamaño del cortometraje, pueden ser la misma persona o varias.

Vestuario

Es la persona o personas encargadas de diseñar y conseguir la ropa del reparto, siempre siguiendo la estética y paleta de color del diseño del cortometraje.

Equipo de Postproducción

Montador/a

Es el primer escalón en la postproducción. Recopila todo el material que se ha grabado, lo organiza y lo compone para dar ritmo y sentido a la historia. Es muy importante que tenga una visual creativa y que conozca muy bien la historia.

Colorista

Es la persona encargada del etalonaje una vez el montaje está finalizado. Da color, luz y contraste, entre otras cosas, a los planos.

Equipo de Sonido

Sonidista

Se encarga de captar el sonido con la calidad necesaria.

Montaje de sonido

Una vez el corto está montado y etalonado, es el/la encargado de limpiar los diálogos y componer y montar el sonido ambiente de todo el cortometraje. Aporta información extra a la historia y, en muchas ocasiones, añade sonidos que no se rodaron, pero que enriquecen la obra.

Compositor/a de banda sonora

No es una figura que todos los cortometrajes tengan, pero en el caso de tenerlo, compone la música que dará vida a las escenas o que irá en los créditos. La compondrá con base en la historia para intentar transmitir las emociones de la misma.

Revisar el guion antes de intentar venderlo

Desde el momento en el que el guionista se enfrenta a la escritura de un guion, debe tener en mente que esa versión no será definitiva, y que su trabajo es reescribir y revisar constantemente hasta conseguir la versión final. Incluso, mientras que la historia se rueda pueden surgir cambios necesarios por los que se tendrá que volver a cambiar el guion. Además, hay que tener en cuenta que la estructura del guion debe ser adecuada para su correcta comprensión.

Una vez terminado, es el momento de intentar venderlo para su producción. En este paso hay que revisarlo para ver si cuadra con las productoras a las que se enviará la propuesta, ya que no tiene mucho sentido mandar un drama a una productora de cine de terror.

Registrar el guion

Aunque la OMPI – Organismo Mundial de Propiedad Intelectual – declara que «la protección del derecho de autor se obtiene automáticamente sin necesidad de efectuar ningún registro ni trámite”, pero siempre es mejor tener el respaldo de un organismo a la hora de defender una obra.

Registrar un guion es muy sencillo: se puede hacer presencialmente en la Oficina de Propiedad Intelectual o ante notario, y de forma TELEMÁTICA, a través de correo certificado o en instituciones privadas.

Documentos que acompañan al guion en la venta

Un guion de largometraje suele ser un documento de ciento veinte páginas y ninguna productora tiene los medios necesarios para poder revisar todos los que recibe. Esta es la razón por la que es muy recomendable enviar, junto al guion, un dossier que explique la obra de manera concisa y visual. Debe contener:

• Título de la obra y autor.
• Ficha técnica: género, duración y público objetivo.
• Logline: una frase breve y concisa que explique la historia.
• Sinopsis: un resumen que explique el eje central de la historia y los personajes principales.
• Tratamiento: Un resumen más completo y extenso en el que se explican los puntos fuertes del guion. Incluye: qué y cómo suceden los actos, cuáles son los giros, las relaciones entre los personajes principales y secundarios, la atmósfera, etc..
• Biografía de los protagonistas, así como su background y rasgos principales de su personalidad. Se puede incluir también un breve resumen de los personajes secundarios si se ve necesario.

Además, si el proyecto está lo suficientemente avanzado, el dossier puede contener también: datos técnicos, presupuestos, cartas de compromiso de los actores, etc.. Puedes ver aquí algunos consejos para elaborar un buen dossier.

Como dato extra, es interesante tener preparado un pitch. Una presentación verbal de no más de siete minutos en las que el guionista vende su obra a la productora en un tono llamativo y profesional.

Vender un guion

El paso principal para vender un guion es analizar el mercado cinematográfico. No todos los países funcionan igual pero, en general, las mismas productoras suelen tener acuerdos con guionistas para la producción. Por eso es importante moverse y darse a conocer. Presentar un guion a productoras adecuadas con el género de la historia y poner en foco en las que sean más pequeñas y locales, como puede ser ATM Producciones, pues así habrá una probabilidad más alta de que el guion sea aceptado.

La clave está en la constancia

La realidad es que la venta de un guion lleva tiempo y no suele ser rápido, pero la clave está en no perder nunca la esperanza. No vender un guion no significa que sea malo o que no sirva, sino que no es adecuado para la productora o que, simplemente, no es momento. Hay que seguir escribiendo, creando y probando, hasta que llegue el día en el que la oportunidad llegue.

Aunque cada vez se usa más el término mediometraje para referirse a los films con una duración de más de treinta minutos. Es decir, una película con una duración intermedia entre la del corto y la del largometraje.

Existen muchos tipos de cortometrajes: Narrativos, experimentales, de acción en vivo, de animación, documental, hasta de mass media y muchos más.

Kim Adelman en Cómo se hace un cortometraje asegura que

“un corto de media hora es impresionante, pero es difícil presentarlo a los festivales”

Por ello, Adelman recomienda hacer cortos de entre 12 o 15 minutos. También asegura que si se consigue grabar una buena película de tan solo un minuto, “hay muchas posibilidades de que la acepten en todas partes, ¡porque a los programadores siempre les queda un minuto libre!”. En esa línea, algunos directores/as sostienen que cuanto más corta es una película, mejor.

Lo primero que se necesita para llevar a cabo un cortometraje es pasión y creatividad. Porque sin una motivación interna es difícil tener una idea original para escribir un guion.

Filmar un corto es un gran logro. Porque según Adelman, así es como se consigue cruzar “el peligroso puente que muchos no atraviesan nunca”. En un lado están los/las que quieren ser directores/as, pero no han hecho nada y en el otro, los/las que han hecho un corto y, por tanto, son ya directores/as.

Claves para escribir un cortometraje

La idea

La idea de un guion es el eje central de la historia. Y, según Robert McKee, debe poder expresarse en una única frase que describa cómo y por qué la historia cambia de una situación a otra. Es clave que aparezca el protagonista y el conflicto u obstáculo que no le permite alcanzar su objetivo. Los demás elementos como el lugar o los antagonistas ayudan a contextualizar la historia.

Género

Los géneros son categorías públicas reconocidas por el espectador y por la industria. Resulta fundamental establecer qué género se quiere trabajar, ya que cada uno de ellos cuenta con sus propias peculiaridades.

Los grandes géneros cinematográficos clásicos son: Western, comedia, musical, melodrama, bélico, gánster, ciencia ficción, terror, biopic, fantasía, romance, acción y aventuras y épico. Aunque cada vez es más común ver géneros dobles como la comedia slapstick, el dramedia, el film noir, gore, slasher, etc..

Una idea básica con una buena elección de géneros se puede convertir en una idea única.

Tema

Es esa idea que unifica la historia y que es recurrente en las obras literarias, artísticas o cinematográficas. Algunos de los temas más recurrentes son: el amor prohibido, el ansia de poder, la denuncia social, la amistad.

Personajes

Existen dos opciones: crear fichas de personajes o una breve descripción de personajes. Estos ejercicios sirven para establecer cómo son y se comportan. Es importante que aparezca una descripción física para facilitar la tarea al departamento de casting. Aunque se recomienda no extenderse, ya que lo valioso es la acción que aparece en el guion y no el background de los personajes.

Estructura 

La estructura es la parte más relevante del guion, es sobre la que se sustenta y cobra sentido la historia. Robert McKee describe la estructura como “una selección de acontecimientos” que se extraen de las acciones de los personajes

“para crear una secuencia estratégica que produzca emociones específicas y exprese una visión concreta del mundo”

La estructura más utilizada es la aristotélica, que está compuesta por el planteamiento, nudo y desenlace. De esta forma, en la mayoría de las ocasiones, las ficciones dramáticas se dividen en tres actos. Aunque hay guionistas que trabajan con cuatro.

Escaleta

La escaleta es una lista de escenas en las que se describe de forma escueta lo que sucede. Se trata de indicar cuáles son las acciones esenciales y se escribe en presente. Puede ser secuenciada o no. Depende de si cuenta con un encabezamiento o no. Ejemplo de escaleta secuenciada:

INT. ESCUELA UNIVERSITARIA DE ARTES – DÍA

Sinopsis

Existen dos tipos de sinopsis: la argumental y la de venta. La sinopsis argumental se escribe antes de empezar a guionizar. Es un resumen en el que se cuenta toda la historia de principio a fin. Mientras que la sinopsis de venta surge una vez el guion está terminado. Se trata de un breve resumen de la historia en el que no se cuenta el final. Ya que su razón de ser es llamar la atención del lector para que quiera ver la película.

Diálogo

El diálogo es la conversación entre personajes. Aunque McKee va más allá y sostiene que la conversación entre personajes discurre por tres caminos: lo que se dice a los demás, lo que se dice a uno mismo y lo que se dice al lector o al espectador. Todo ello depende de cuándo, dónde y con quién hable un personaje.

Para escribir diálogos cinematográficos se debe poner el nombre del personaje que habla en mayúsculas y centrado y debajo se escribe lo qué se dice.

El guionista de las series Veronica Mars (2005-2007) o Sons of Anarchy (2008-2010), Taylor Sheridan, recomienda recurrir a los diálogos cuando la cámara no puede mostrar lo que se quiere decir.

Fases de la producción de un cortometraje

Preproducción

Esta fase se caracteriza por la búsqueda, creación y desarrollo de ideas. También por las tareas de documentación y redacción del guion. Este guion no será el definitivo, ni mucho menos, pero sirve de esbozo para desarrollar el cortometraje.

Además, el equipo de producción empieza a buscar las localizaciones y la financiación. También a conseguir el equipo, los actores y las actrices, localizaciones, sets de grabación, etc.. Una tarea larga y costosa, ya que se organizan varios castings, se gestionan los diversos permisos de filmación y se contrata a mucho personal.

Producción

¡Empieza el rodaje! Se trata de una de las etapas más importantes y duras porque el tiempo corre y el equipo es limitado. Un rodaje son muchas horas de trabajo y esfuerzo, pero también una de las más emocionantes, ya que el guion se vuelve algo tangible.

Postproducción

La postproducción se caracteriza por la edición del material en bruto de las filmaciones. Aquí también trabajan los departamentos de sonido, música y efectos especiales. Es una etapa larga y laboriosa en la que se toman decisiones clave que reescriben el guion.

Distribución

¡El cortometraje ya está montado! Es el momento de lanzarlo al mundo para que la gente lo vea. Puedes recurrir a una distribuidora o lo puedes autogestionar, para ahorrarte costes, a través de plataformas como Festhome, Movibeta o Click for festivals. Si se cuenta con un equipo de publicidad y marketing, las posibilidades de que se mueva en muchos circuitos se multiplican.

También, puedes organizar pases en pequeñas salas de cine para recaudar fondos para mover el cortometraje por festivales.

Documentos necesarios para rodaje 

Siendo director/a hay que tener en mente una serie de documentos que permitirán organizar el rodaje de una manera más efectiva, es decir, llevarlo todo bien detallado y atado para saber qué y cuándo toca cada cosa.

El documento principal para un/a director/a es el guion técnico, que, en un principio, puede parecer algo complicado, pero no lo es. Además de que hay técnicas para hacer la tarea más sencilla.

Guion técnico

Un guion técnico es una tabla en la se detalla todo lo necesario para tener a mano y comprender de un vistazo: escena, plano, tipo de plano, movimiento de la cámara, posición, sonido y comentarios.

El guion literario

Uno de los pasos previos a escribir un guion técnico es el guion literario, vamos el de toda la vida, pero esta vez, en una copia, se hace el rayado de guion, que consiste en dividir las secuencias y escenas por planos.

Esta tarea es también bastante sencilla, aunque sí que lleva su tiempo, pero llegará a ser muy útil e imprescindible a la hora de organizar el guion técnico.

Desgloses

Junto al rayado de guion y su posterior guion técnico, existen documentos previos al rodaje que ayudarán a todo el equipo a estar mucho más organizado y harán la tarea del Ayudante de Dirección (hacer el plan de rodaje) mucho más fácil.

La tarea de realizar los desgloses de guion o producción suele hacerla el/la director/a de producción, el Ayudante de Dirección o ambos. Depende del tamaño del rodaje.

Descarga aquí una plantilla de desglose.

Plan de rodaje

El plan de rodaje es el elemento fundamental y el objetivo que todo el equipo debe aspirar a cumplir en el set. Indica cuántos días de grabación habrá, así como la organización de las horas según los planos que se harán al día.

Generalmente, lo realiza el Ayudante de Dirección, aunque siempre suele ser un consenso entre los demás cabezas de equipo. En el plan han de tenerse en cuenta muchos detalles, tales como el proceso de preparación de los planos, iluminación, cámara, preparación de actores y actrices, arte, sonido… Todos estos procesos deben estar muy organizados y trabajar en paralelo para ahorrar tiempo y que todo fluya mejor. Pero para eso, los tiempos deben estar establecidos en el plan, se debe intentar seguir siempre que sea posible.

Orden de rodaje

Otro documento esencial a la hora de rodar es la orden de rodaje, preparada para cada jornada también por el Ayudante de Dirección y su equipo (si es que tiene). Este documento tiene toda la información relevante del día, además de citaciones y las horas en las que se espera la llegada de cada miembro del equipo.

Reparto de presupuesto y búsqueda de financiación 

El presupuesto con el que contamos para sacar adelante un cortometraje depende de la cantidad de dinero de la que se disponga. Por ello, es necesario buscar varias vías de financiación. A menudo, en los cortometrajes se recurre a las colaboraciones. De esta manera, parte del equipo decide trabajar de forma altruista para mejorar su portfolio o reel. Como se ha mencionado más arriba, todo depende del talento del equipo y de las ganas de contar una buena historia.

Aunque hay que tener en cuenta que esto puede cerrar las puertas de varios festivales que, entre los requisitos, pidan que el equipo esté dado de alta en la seguridad social. Sin embargo, hay otros festivales más pequeños en los que sí se podrá participar. Asimismo, las redes sociales y las plataformas de video online también son una buena opción para hacer llegar el corto al público.

Búsqueda de localizaciones

Las localizaciones son uno de los aspectos más importantes para cualquier película. Después de los actores y actrices, tienen un peso visual y narrativo muy elevado, por eso tiene que cuadrar muy bien con la estética marcada por los departamentos, pero también tiene que tener un punto de comodidad para que el equipo pueda trabajar a gusto.

Cuando hablamos de comodidad nos referimos a espacio suficiente para el equipo humano, pero también para el material y la iluminación. También que tenga facilidad para estacionar los vehículos que transportan los elementos de rodaje o espacio para colocar el catering y poder comer o descansar.

La seguridad es también algo muy importante. Hay que intentar que la localización tenga buenos accesos y salidas, así como ventilación y espacios seguros para el equipo.

Equipo técnico 

Los roles en un rodaje son cruciales, saber cuál es el papel de cada uno, con quién hablar según qué cosa y quién se encarga de qué, es fundamental para que todo salga correctamente. El equipo está compuesto por personas con una formación en cine concreta, adecuada para cada rol.

Equipo artístico

Actrices/actores

Interpretan a los personajes principales y secundarios de la historia. En general, tienen formación actoral y experiencia desarrollando personajes.

Es recomendable tener más de una opción por personaje, ya que como los cortometrajes no suelen ser remunerados, algunas personas pueden cancelar en último momento.

En un principio puede ser complicado encontrar actores o actrices que se presenten al casting o que quieran trabajar en el cortometraje, pero hay muchas páginas web en las que publicar la convocatoria que ayudarán a tener muchas más opciones.

Dobladoras/es

Pueden ser las mismas personas que interpretan los roles, por algún fallo de sonido en el rodaje, por ejemplo. O, en caso de querer doblar el cortometraje en otro idioma, son los encargados de dar voz a personajes representados en pantalla por otros actores o actrices. También hacen el papel de narrador/a.

Especialistas

En un cortometraje de poco presupuesto no se suelen utilizar especialistas, porque no se suelen hacer escenas complicadas en acciones o peligrosas, ya que cuestan dinero y recursos. Pero, en caso de haberlas, sustituirán a los actores y actrices para escenas como explosiones, saltos, peleas, etc. Estas personas suelen tener formación y están muy preparadas para llevar a cabo estas tareas.

Gestión y dirección de actores/actrices 

Como se ha mencionado antes, en un principio, puede parecer una pesadilla encontrar al actor o la actriz “perfecto/a” para un rol. Pero es importante recordar que puede que en un principio no lo sea, sino que con trabajo y desarrollo de personaje, se convierta en justo la persona que se necesitaba.

La búsqueda de actores y actrices parte de una conceptualización y desarrollo de personajes. Una vez se tienen las características físicas y psicológicas de todos ellos, es hora de escribir la convocatoria y hacer el cartel para el casting.

Casting

El día de casting es clave. Hay que estar preparado para todo. Lo normal es que los candidatos/as se presenten, pero puede ocurrir que cancelen en el último minuto, que lleguen tarde o que incluso no acudan sin avisar. No es lo común, pero es posible.

Es esencial también asegurarse de haber dado tiempo suficiente a cada persona y entre cada una de ellas. Seguramente se repetirán las separatas de dos a tres veces por candidato/a, ya que el equipo encargado del casting dará directrices a los/las actores/actrices para que varíen su representación o, incluso, la modifiquen por completo.

Reuniones y ensayos

La primera reunión con los actores y actrices es un acontecimiento indispensable para el correcto desarrollo de los personajes. Es el momento en el que se definen las características psicológicas, el trasfondo y en torno del mismo, así como sus circunstancias y preocupaciones. Además, se hace una primera lectura de guion.

Es también el momento en el que los/as actores/actrices se conocerán y se podrá ver el feeling que tienen. Aquí se puede ver si será sencillo o no que trabajen juntos, porque hay personas que sencillamente no casan y otras que sí.

Después de la primera reunión, que se recomienda que sea presencial, comenzarán los ensayos. En ellos se deben dar indicaciones, hacer ejercicios actorales de improvisación, conexión y confianza, pero también es importante dejar a los actores y actrices aportar al personaje, darles su propio toque, en conclusión, darles vida. Pues es probable que lo que se tuviera en mente mejore una vez el/la actor/actriz haga suyo el personaje.

Es recomendable, si se puede y hay presupuesto, hacer algún que otro ensayo en la localización del rodaje porque permitirá a los actores y actrices hacerse con el espacio y mecanizar algunos movimientos.

Actores y actrices en rodaje

Ha llegado el momento de rodar. Todos se ponen tensos y los actores y actrices sienten esa tensión. Es el momento de desarrollar la calma y la empatía. Tratar a los actores/actrices con respeto es fundamental. Hay que hablarles bien, decir claramente lo que se quiere o no, saber dar directrices y trabajar con ellos (no contra ellos) para que todo salga lo mejor posible.

Hay que tener en cuenta que un rodaje todo el mundo debe remar para el mismo lugar, nadie está allí para que las cosas salgan mal, sino que todos quieren que el producto salga lo mejor posible para que sea mucho más sencillo distribuirlo y que guste a la audiencia.

Es por eso que hay que tener en cuenta que los actores y actrices son también personas. Lo mejor es enseñarles lo que se quiere conseguir, darles su tiempo para entrar en el personaje y no agobiarlos o gritarles en el momento en el que se está rodando. Hay que tener en cuenta sus preocupaciones y sentimientos para que estén cómodos y se sientan seguros, ya que si esto ocurre, el resultado será mejor de lo imaginado.

Referencias

Adelman, K. (2005). Como se hace un cortometraje (1. ed.). Redbook Ediciones. https://books.google.es/books?id=vAzbwFC03IwC&lpg=PA15&ots=fq2KI9U11n&dq=cortometraje&lr&hl=es&pg=PA30#v=onepage&q&f=false

Aprendercine.com. (2021, 28 febrero). Escaleta de guion: definición y ejemplos. https://aprendercine.com/escaleta-definicion-ejemplos/

BOE-A-2007-22439 ley 55/2007, de 28 de diciembre, del Cine. (2007, 28 diciembre). BOE. https://www.boe.es/eli/es/l/2007/12/28/55/con

Cuevas, Á. (2021, 31 diciembre). Cómo escribir un guion. Álvaro Cuevas. https://www.alvarocuevas.es/como-escribir-guion-cine/

Cuevas, Á. (2021b, diciembre 31). Cómo hacer un cortometraje. Álvaro Cuevas. https://www.alvarocuevas.es/como-hacer-cortometraje/

Filmin. (2004, 12 diciembre). 12 claves para rodar tu ópera prima sin morir en el intento. Filmin.es. https://www.filmin.es/blog/12-claves-para-rodar-tu-opera-prima-sin-morir-en-el-intento

Vargas, A. M. (2018, 15 abril). Estructura en tres actos. Cine, Series y técnicas de guion. http://cineseriesytecnicasdeguion.com/tag/estructura-en-tres-actos/

La profesión de guionista es una de las más importantes y demandadas en la industria audiovisual.

Por ello, la formación y actualización de los conocimientos y habilidades de estos/as profesionales también debe responder a las transformaciones del mercado. En este sentido, hay que tener en cuenta que el proceso creativo se basa cada vez más en la coordinación entre varios agentes (guionistas, directoras/es, productores/as, elenco, etc.), tecnologías y decisiones corporativas que reflejen intenciones e intereses artísticos, comerciales e institucionales. Estudiar el proceso requiere entender cómo estos elementos basados en una combinación entre arte y mercado impactan en el desarrollo del imaginario que las películas y series comparten con la audiencia. 

El guion, como punto de partida y columna vertebral de todo el proceso creativo, establece la estructura arquetípica de la narración que dirige las siguientes etapas de su materialización en imágenes y sonidos. Por ello, estudiar guion de cine y series permite a los/as futuros/as guionistas aprender a investigar y profundizar en un tema para descubrir caminos propios en la creación. Asimismo, la formación se centra en otras cuestiones de gran importancia como entender los procesos, metodologías y flujos de trabajo de la producción audiovisual desde la escritura del guion o conocer las últimas tendencias creativas de la cinematografía y serialidad contemporánea. 

Los/as guionistas en la industria audiovisual

El crecimiento y la diversificación de la audiencia y las producciones de ficción es cada vez mayor, destacando especialmente en el ámbito de las series. Los nuevos hábitos de consumo del público más joven impacta significativamente en las transformaciones de la industria, con una creciente preferencia por las plataformas digitales a la hora de elegir contenidos y organizar el visionado de una forma más libre. Esto produce a su vez múltiples cambios en las formas de idear y crear series, cuyos resultandos dependen de cuestiones diferentes a las definidas en el contexto televisivo. Es el caso de producciones como La casa de papel, que ha alcanzado un éxito internacional a través de Netflix.

El papel de las redes sociales y la libertad de creación frente a otras fórmulas más rígidas fueron parte de las claves que impulsaron la notoriedad de la serie. Asimismo, el cuidadoso trabajo de documentación y la creación de guiones capaces de provocar empatía y conexiones emocionales son otros elementos que han definido la excelente acogida de la serie, tal como afirman Javier Gómez (guionista y coproductor ejecutivo de La casa de papel) y Sara Solomando (documentalista).

Madrid, centro neurálgico para estudiar guion de cine y series

Madrid es la región de España con mayor número de rodajes. La industria audiovisual cuenta con casi 3.600 empresas en la capital, el 20% del total nacional, que emplearon a 26.082 personas en el año 2021, el 40% a nivel estatal, según datos del Colectivo empresarial del Instituto de Estadística de la Comunidad de Madrid. En este sentido, Madrid es un destino imprescindible para la empleabilidad en el sector audiovisual, aglutinando el 35,5% del total de las películas, el 71,4% del total de las series y el 43% de los rodajes publicitarios. Por ejemplo, el año pasado se rodaron en la región proyectos audiovisuales de gran éxito como Sky Rojo o La casa de papel, ambas creadas por el alumni TAI Álex Pina. 

Los servicios profesionales que ofrecen las empresas instaladas en la región fomentan tanto la presencia de proyectos de carácter nacional como internacional. Por todo ello, Madrid es sin duda una de las mejores ciudades donde estudiar guion de cine. La Escuela Universitaria de Artes TAI, situada en pleno centro neurálgico y cultural de Madrid, cuenta con más de 10.000 metros cuadrados de instalaciones dedicadas a la práctica artística y 50 años de experiencia en la formación de artistas, conformándose como el mayor campus de las artes en España y un lugar de referencia para estudiar cinematografía, artes visuales y creación digital, animación y postproducción, música o artes escénicas. 

en tai te ayudamos a Desarrollar un estilo propio como guionista tanto en el ámbito cinematográfico como televisivo. 

Referencia:

Anaz, S. A. L. (2018). Creative process in the audiovisual industry: from script to the imaginary. Galáxia (São Paulo), 98-113. DOI: 10.1590/1982-2554232931

Los/as profesionales del guion requieren de múltiples capacidades, ya que su trabajo es fundamental para todo el equipo que interviene en la realización de una película: sirve al/a la director/a para articular su puesta en escena o establecer los puntos clave del rodaje; asimismo, es importante para los/as intérpretes a la hora de analizar el carácter de sus personajes y para conocer los diálogos; permite al/la jefe/a de producción elaborar un plan de trabajo; al/la director/a de fotografía le ayuda a imaginar los climas cromáticos y prever los medios técnicos que necesitará, etc. 

Los múltiples usos del guion evidencian la necesidad de una formación amplia y multidisciplinar para el/la guionista, pues cuanto mayor sea su conocimiento sobre los procesos de realización, mayores facilidades tendrá en la redacción. Más allá de los conocimientos técnicos, se requiere un dominio del lenguaje cinematográfico y/o televisivo, así como de los procedimientos necesarios para utilizarlos adecuadamente en el proceso de escritura. 

Orígenes del guion en la industria cinematográfica

En los inicios del cine, el rodaje sin sonido permitía una gran flexibilidad en las filmaciones y en el montaje, así como en la intercalación de textos o diálogos, escritos una vez terminado el registro de las imágenes. Con el tiempo, la creciente complejidad de las producciones y de la planificación de los/as profesionales de dirección hizo que el guion comenzara a adquirir mayor importancia. El desarrollo del cine sonoro requería de una preparación más cuidadosa, así como de la colaboración entre especialistas para la redacción de diálogos. Además, el aumento del costo de las películas impuso la necesidad de un plan más elaborado y detallado para que el departamento de producción pudiera evaluar con precisión el presupuesto y la financiación antes del rodaje de la primera toma.

El resultado de estos cambios fue la creciente repercusión de un nuevo tipo de guion que debía incluir la descripción de todo tipo de detalles elementales para la realización de una película: decorados, intérpretes y extras, diálogos, música, elementos de cámara y sonido, etc. En definitiva, el guion se convirtió en un texto muy preciso que no podía sufrir grandes cambios ni someterse a improvisación. Sin embargo, esta característica cambió drásticamente con la evolución técnica y conceptual de la década de los sesenta, posibilitando una mayor espontaneidad creativa y libertad a la hora de poner en ejecución las escenas imaginadas.

Guía para escribir un guion de cine

Al igual que en otras disciplinas artísticas -música, pintura, literatura, etc.-, el aprendizaje de las técnicas expresivas es posible, pero no basta con  adquirirlas y estudiar guion de cine para saber escribir un buen guion. La principal dificultad reside en saber cómo aplicar las técnicas para obtener el resultado deseado, lo que depende fundamentalmente del talento y la propia creatividad. No obstante, ambos aspectos están intrínsecamente vinculados y se potencian mutuamente.

Como en todo proceso creativo, las posibilidades para avanzar son infinitas y dependen de los intereses y las inclinaciones artísticas de cada persona. El director de cine y guionista Simón Feldman considera que, en el caso concreto del guion, uno de los mayores retos está en la enorme variedad de géneros a los que debe servir. Por ello, indica que lo verdaderamente importante es adquirir una serie de actitudes generales frente al trabajo de redacción:

1. Aprender a observar de forma analítica tanto la realidad como la ficción, valorando las obras más vanguardistas, pero también las clásicas.
2. Graduar las etapas de las ejercitaciones escritas, yendo de lo simple a lo complejo.
3. Tener en cuenta que hay un ordenamiento narrativo, es decir, una estructura interna que se debe manejar.
4. Conservar una actitud de humildad para ser capaz de reconocer los propios errores y, al mismo tiempo, no aceptar críticas sin la necesaria reflexión que deben implicar para ser constructivas.
5. Forjar la propia experiencia vital como la fuente de creatividad más genuina.  

Ejemplo de guion de cine de Ainhoa Rodríguez

En síntesis, las técnicas del guion se pueden estudiar y aprender en programas especializados como el Master en Guion de Cine y Series de TV de TAI, pero, como en toda actividad artística, el talento y la creatividad se deben potenciar y desarrollar a lo largo de toda la vida.

Si quieres profundizar en un ejemplo de guion de cine, puedes descargar aquí el guion de Destello bravío, el largometraje de la cineasta y docente TAI Ainhoa Rodríguez.

Bibliografía:

Feldman, S. (1990). Guion argumental, guion documental. Barcelona: Gedisa.

La película Distancia de rescate participó en la sección oficial del Festival de San Sebastián, donde Claudia Llosa tuvo un encuentro con estudiantes de la Escuela TAI.  Durante la charla, la cineasta ahondó en los significados que se esconden en la obra.

“La distancia de rescate de la que habla la película”, aseguró Claudia Llosa, “es hacia nosotras mismas, como madres. Habla de cuál es el equilibrio en la maternidad. Una maternidad que se ha de reformular, ojalá que a la misma velocidad que a la que nos estamos reformulando como género, como sociedad, en la que estamos cambiando la mirada de lo femenino”, indicó.

La película se encuadra dentro de un género en que se mezclan la intriga y el drama. La protagonista, Amanda, pasa las vacaciones en un pueblo argentino con su hija Nina. Preocupada en todo momento por el bienestar de la niña, calcula en todo momento la “distancia de rescate para protegerla”. Sin embargo, pronto descubre que las cosas no son como parecen.

¿Dónde ver Distancia de rescate?

Distancia de rescate es la primera película de Claudia Llosa distribuida por Netflix. Desde el miércoles 13 de octubre se puede ver en la plataforma de streaming. En paralelo, Distancia de rescate también ha sido estrenada en cines para quienes prefieran ver la última de las películas de Claudia Llosa en pantalla grande.

Protagonizada por María Valverde y Dolores Fonzi, Claudia Llosa ha explicado al alumnado de la Escuela TAI que la película supone una continuidad en los temas que trata en su obra, pero con ciertos matices: “Esta película recogía muchas de las temáticas que yo he trabajado en mis películas, pero lo hacía en un giro distinto y me permitía jugar con muchos elementos con los que a mí me interesaba trabajar como el pensamiento mágico, lo ancestral o el género”.

La película está basaba en el libro del mismo nombre de la autora argentina Samantha Schweblin. “Me colocó en un lugar muy nuevo desde la experiencia de tener que compartir material con una autora tan importante e imponente y, al mismo tiempo, confiar”, ha explicado Claudia Llosa. Porque, con el apoyo del texto de Samantha Schweblin, Distancia de rescate ha permitido a la cineasta peruana “construir un discurso que fuera sugerente, que no impusiera, que abriera, que no cerrase, que al mismo tiempo fuera bello, atractivo y tensor”.

Para Distancia de rescate, Netflix puede ser un importante impulso para su difusión, ya que alcanza a un gran número de espectadores que disfrutarán de los 93 minutos de la película.

Directora Claudia Llosa

La formación en Madrid ha sido la puerta de entrada al cine de Claudia Llosa. Ella misma ha recordado esta importante época como la que le ofreció “una oportunidad de soñar”.

“Mi paso por esta escuela me dio la oportunidad de vivir la experiencia de estudiar una carrera que hasta el momento no me había permitido ni siquiera soñar, por lo que es un lugar muy importante para mí”, recuerda.

“Yo siempre pensé que iba a trabajar en publicidad, lo del cine no existía en mi vida y en Perú era mucho más difícil. Yo creo que la etapa formativa es un lugar muy bonito para estar ahora”, explicó Llosa, quien señaló que “es importante atreverse a ir adonde uno desea realmente, ver dónde se va a poner la atención, determinar qué es lo importante, fijarse, tomar decisiones y no distraerse con cosas que quizá no son lo que realmente uno o una desea. Ese balance, esa distancia de rescate con nosotros mismos, va a ejercerse, se va a ver de manera muy física y se va a sentir de manera muy fuerte en muchos momentos de decisiones que se tienen”.

En la charla que compartió con estudiantes de la Escuela Universitaria de Artes TAI, Llosa ofreció numerosos consejos y les insistió en la importancia de aprovechar la etapa formativa. “Hay algo que se abre desde un lugar de confianza, es un acto de fe, búsquenla ustedes mismos, no esperen que se la dé otro, aunque fallen, hagan intentos. Si le damos al otro ese poder sobre nosotros mismos, estamos perdidos”, indicó.

Otras películas de Claudia

El estreno de Distancia de rescate en Netflix es una magnífica excusa para hacer un recorrido por otras películas de Claudia Llosa. Una carrera en la que su llegada a Madrid en 2001 para estudiar el master de Guion en la Escuela TAI supuso un punto de inflexión.

Su primera película fue Madeinusa (2006), que sirvió como una magnífica carta de presentación para el público y la crítica, recibiendo varios premios en el Festival de Cine de Málaga, el de Mar del Plata o Róterdam, entre otros.

Sin embargo, el gran éxito internacional lo consiguió con su siguiente película, La teta asustada, que consiguió el Oso de Oro en la Berlinale, fue nominada al Óscar a la mejor película extranjera y logró el premio Goya a la mejor película hispanoamericana.

Desde entonces, las películas de Claudia Llosa han despertado un creciente interés, como se pudo comprobar en su primer proyecto en inglés, No llores, vuela, protagonizado por estrellas de Hollywood como Jennifer Connelly o Cillian Murphy o la reciente Distancia de rescate.

Críticas de «Distancia de rescate»

Desde su presentación en el Festival de Cine de San Sebastián, Distancia de rescate ha tenido una gran acogida por parte de la crítica especializada. Elsa Fernández Santos la definió en El País como una “perturbadora película de terror sin terror”, mientras que el periodista de El Mundo Luis Martínez señaló que se trata de “una fábula sonámbula y magnética sobre todos los miedos del mundo”.

Pepa Blanes, de la Cadena Ser, ha destacado por su parte, lo difícil que es adaptar la novela Distancia de rescate, de Samantha Schweblin, al cine y lo bien que lo ha hecho Claudia Llosa. “No era fácil adaptar una novela corta como la de Samantha Schweblin, con una voz en off y con todo lo onírico o casi de realismo mágico que posee el relato literario. Sin embargo, Llosa consigue hacerlo de una manera extraordinaria».

El romance de Claudia Llosa con la crítica cinematográfica parece mantenerse con Distancia de rescate. Sin duda mucho tiene que ver la capacidad de la cineasta para mostrar elementos cotidianos como la maternidad con una visión distinta. “Una maternidad que se ha de reformular ojalá que a la misma velocidad que a la que nos estamos reformulando como género, como sociedad, en la que estamos cambiando la mirada de lo femenino”, manifestó.

En TAI apoyamos la iniciativa #yomequedoencasa y queremos premiar a todos esos estudiantes de artes y jóvenes talentos que aprovechan esta larga estancia en casa para dar rienda suelta a su creatividad.

#LeaveYourArtistAtHome

Un concurso de creación artística y/o audiovisual realizada en tu propio hogar.

Podrás participar con el formato que tú prefieras: Microcortos, Fotografía Doméstica, Performance, Live Music, Arte Digital, Monólogos, etc.

Bases del concurso:

– Abierto a alumnos, ex alumnos y seguidores de TAI

– Síguenos en Instagram / FaceBook / Twitter

– Sube tu propuesta con el hashtag #leaveyourartistathome y etiquétanos

– Hasta el 31 DE MARZO (inclusive)

Premios:

Ganador: Un iPad

20 Finalistas: Bufanda de ‘Let Your Artist Out’

Jurado y criterio de selección:

El jurado estará compuesto por profesionales y/o docentes TAI que valorarán la originalidad, el compromiso ciudadano y los aspectos creativos por encima de los técnicos.

La próxima edición de los Premios Goya se celebrará en el Palacio de Congresos y Exposiciones FIBES (Sevilla). Un año más, la gala, que estará presentada por Andreu Buenafuente y Silvia Abril, promete ser un gran acontecimiento cinematográfico, artístico y cultural. Pero también una noche muy especial para tres de los profesores de TAI y, por consiguiente, para toda nuestra comunidad, debido a sus nominaciones recibidas: Andrea Jaurrieta, por su largometraje Ana de día (Mejor Dirección Novel); Jorge Muriel, por El niño que quería volar (Mejor Cortometraje de Ficción); y Rubin Stein, por Bailaora (Mejor Cortometraje de Ficción).

Sinopsis. ‘Ana de día’ (105 minutos):  Ana es una joven formal, de una familia de clase media, que está a punto de terminar su doctorado en Derecho, conseguir un buen trabajo y casarse. Lo tiene todo, pero no se siente realizada. Un día, tras ver que otra chica idéntica a ella la ha suplantado, Ana ve la oportunidad de empezar de cero y buscar su verdadera identidad. Lo hará en la noche madrileña, entre el cabaret y una pensión poblada por personajes pintorescos. Sin embargo, escapar de sí misma será más complicado de lo que pensaba. TRAILER

Sinopsis. ‘El niño que quería volar’ (20 minutos): En el Madrid de los años 80, Iván, un niño de cinco año, se confronta con el nacimiento de un hermano más. Su hermana es la favorita de papá, el recién nacido es el favorito de mamá. ¿Qué lugar ocupa entonces él en esta nueva situación? ¿Y si pudiese volar y escapar? TRAILER

Sinopsis. ‘Bailaora’ (15 minutos): Una guerra. Una niña. Un sueño. Tercer y último cortometraje de la trilogía “Luz & Oscuridad”. TRAILER