¿Qué es la fotografía documental?

Este es un tipo de fotografía cuyo objetivo principal es capturar momentos reales y naturales, sin alteraciones ni poses. A menudo se utiliza para documentar eventos, lugares, culturas o situaciones de interés social, político o humano. A través de estas imágenes, los fotógrafos cuentan historias poderosas, mostrando la vida tal como es, en toda su diversidad y complejidad. A diferencia de la fotografía artística, que busca la interpretación subjetiva, la documental se enfoca en representar la verdad, tal como ocurre ante la cámara.

Características 

Las características de la fotografía documental son clave para entender por qué esta forma de arte es tan efectiva para narrar historias visuales:

1. Autenticidad: las imágenes documentales buscan capturar momentos genuinos. No hay espacio para la escenificación o la manipulación de la escena.
2. Narrativa visual: cada foto tiene una historia que contar. Una buena fotografía documental transmite emoción y contexto sin necesidad de palabras.
3. Contexto social o cultural: la fotografía documental a menudo está vinculada a temas relevantes de la sociedad, como pobreza, guerras, derechos humanos o cambios sociales.
4. Composición natural: no se busca la perfección técnica, sino más bien que la imagen sea fiel a lo que está sucediendo en ese momento.

Diferencia entre fotografía artística y documental

A menudo, se confunden la fotografía artística y la documental, pero son dos géneros muy distintos. La fotografía artística se basa en la creatividad, la expresión personal y la interpretación subjetiva del fotógrafo. Se enfoca en la estética, las emociones y los conceptos. En cambio, la documental es objetiva, realista y se enfoca en mostrar el mundo tal como es, sin adornos ni transformaciones.

La diferencia radica principalmente en la intención detrás de la imagen. Mientras la fotografía artística puede tener una intención conceptual o abstracta, la fotografía documental busca hacer un testimonio visual de la realidad, reflejando situaciones concretas y reales.

Ejemplos de fotografía documental

Existen numerosos ejemplos de fotografía documental que han dejado una huella profunda en la historia. Algunos de los fotógrafos más famosos en este campo incluyen a Dorothea Lange, quien documentó la Gran Depresión en los Estados Unidos, y Steve McCurry, cuyo retrato de una niña afgana, conocido como La niña afgana, se convirtió en una de las imágenes más icónicas del siglo XX. Si quieres aprender más sobre fotografía de teatro aquí te lo contamos.

Otros ejemplos incluyen fotografías de eventos históricos, como las protestas sociales, las migraciones masivas o las situaciones de crisis en diversas partes del mundo. Cada una de estas imágenes tiene el poder de contar una historia impactante y de generar conciencia sobre los problemas que enfrentan las comunidades en diferentes contextos.

En qué consiste 

La fotografía documental consiste en capturar momentos reales, en contextos naturales, sin alterar la escena. A diferencia de la fotografía de moda o de estudio, el fotógrafo documental se convierte en un observador que trabaja en entornos a menudo impredecibles. Este tipo de fotografía no busca influir en la escena, sino documentar lo que está sucediendo de manera honesta.

Los fotógrafos documentales deben tener una profunda comprensión de las historias que están tratando de contar, ya sea sobre un conflicto social, una cultura específica o un evento histórico. Además, deben tener la capacidad de anticiparse a los momentos clave y estar listos para capturarlos en el instante adecuado.

Conclusión

La fotografía documental es un medio poderoso para contar historias visuales, mostrar la realidad de la vida humana y provocar reflexión y acción. A través de sus características distintivas, esta disciplina se aleja de las interpretaciones artísticas subjetivas para centrarse en la objetividad y la verdad de lo que ocurre en el mundo. Para aquellos que desean adentrarse en esta forma de fotografía, es crucial comprender su ética, su propósito y su capacidad para generar impacto a través de la imagen.

Si alguna vez has sentido la necesidad de contar una historia a través de tus fotos o de capturar momentos que representen la realidad de una situación, te animamos a informarte acerca del Grado en Fotografía y Creación Audiovisual y el Máster en Fotografía Artística y Documental en TAI.

1. La regla de los tercios

Una de las reglas de composición fotográfica más conocidas es la regla de los tercios. Esta técnica consiste en dividir tu imagen en nueve partes iguales mediante dos líneas horizontales y dos líneas verticales. Coloca los elementos principales de tu foto a lo largo de estas líneas o en sus intersecciones para crear un equilibrio visual atractivo.

2. Líneas guía

Las líneas guía son aquellas líneas naturales en una imagen que dirigen la vista del espectador hacia el sujeto principal. Pueden ser carreteras, ríos, caminos o incluso las líneas de las sombras. Usar líneas guía efectivas puede añadir profundidad y perspectiva a tus fotos.

3. Encuadre natural

El encuadre natural hace referencia al uso de elementos en el entorno para encuadrar tu sujeto principal. Esto puede ser a través de árboles, ventanas o cualquier otro objeto que rodee al sujeto. El uso de un marco dentro de la imagen puede enfocarla mejor y darle mayor énfasis.

4. Simplicidad: menos es más

Una regla fundamental en composición fotográfica es mantener la simplicidad. Evita sobrecargar la imagen con demasiados elementos. A veces, un fondo limpio y un sujeto principal destacado son todo lo que necesitas para una imagen poderosa.

5. Espacio negativo

El espacio negativo es el área vacía o «en blanco» que rodea a tu sujeto. No tengas miedo de dejar espacio vacío en tus fotos, ya que puede ayudar a que tu sujeto resalte más. Además, el espacio negativo puede transmitir una sensación de serenidad o soledad.

6. Punto de vista

Cambiar tu punto de vista puede hacer que una foto común se transforme en algo único. Prueba tomar fotos desde ángulos poco convencionales, como desde abajo, arriba o incluso de lado. Esto puede aportar una nueva perspectiva a la escena y hacerla más interesante visualmente.

7. Simetría y patrones

La simetría es una de las formas más impactantes de componer una imagen. Las formas geométricas y patrones pueden ser increíblemente llamativos. Busca patrones en la naturaleza, la arquitectura o incluso en la ropa de las personas. Las simetrías perfectas pueden aportar una sensación de orden y belleza. Esta es una técnica usual en la fotografía de bodegón.

8. Regla de la mirada

Cuando fotografíes personas o animales, utiliza la regla de la mirada. Esta regla consiste en dejar espacio hacia donde tu sujeto está mirando. Esto crea una sensación de dinamismo y conexión con la imagen, haciendo que el espectador se sienta más involucrado.

9. El relleno del marco

En lugar de simplemente capturar un sujeto en el centro, el relleno del marco implica llenar todo el encuadre con el sujeto o los elementos principales. Esto puede ser especialmente efectivo cuando se fotografían detalles o patrones complejos que requieren un enfoque más cercano.

10. Equilibrio visual

Finalmente, es crucial lograr un equilibrio visual en tu fotografía. Distribuye los elementos en la imagen de manera que no se sientan ni sobrecargados ni vacíos. Utiliza elementos de fondo o detalles secundarios para equilibrar la imagen y asegurarte de que todos los componentes de la fotografía estén armonizados. Si quieres mejorar tu habilidad para componer tus imágenes de manera efectiva, la mejor manera de hacerlo es aprender composición fotográfica mediante la práctica constante. No tengas miedo de experimentar con diferentes técnicas y enfoques hasta que encuentres lo que funciona para ti. A medida que domines estas reglas de composición fotográfica, notarás que tus fotos comienzan a destacar de manera significativa.

Conclusión

Dominar las reglas de composición fotográfica puede llevar algo de tiempo, pero sus efectos en tus imágenes serán inmediatos. Desde la regla de los tercios hasta el uso de líneas guía y el espacio negativo, estas técnicas transformarán tus fotos, haciéndolas más atractivas y visualmente poderosas. Si te preguntas cómo aprender composición fotográfica, simplemente comienza a practicar y experimentar con estos principios. Además, puedes informarte sobre la oferta educativa de la Escuela TAI en este sector: descubre el grado en Fotografía y Creación Audiovisual, la doble titulación en Fotografía y Creación Audiovisual + Diplomatura en Cinematografía y el Master en Fotografía Artística y Documental.

1. Plataformas de edición de vídeo

La creación de contenido visual es clave, y para los creadores de contenido digital, dominar el video es esencial. Herramientas como Adobe Premiere Pro, Final Cut Pro y DaVinci Resolve siguen siendo las favoritas para editar contenido de alta calidad. Además, plataformas más accesibles como InShot y CapCut se han ganado la atención por su facilidad de uso y potentes funciones de edición móvil. Estas aplicaciones te permiten editar rápidamente y crear videos atractivos para Instagram, YouTube o TikTok, sin necesidad de ser un experto en edición.

2. Edición de imágenes como parte de las herramientas imprescindibles para creadores de contenidos digitales en 2025.

El diseño es otro aspecto fundamental para cualquier creador de contenidos. Herramientas como Canva y Adobe Photoshop permiten crear gráficos, banners, infografías y todo tipo de material visual con alta calidad. Canva, en particular, es ideal para quienes buscan simplicidad y rapidez. En cambio, si buscas un control más avanzado sobre la imagen, Photoshop sigue siendo el estándar de la industria.

3. Gestión de redes sociales

Los influencers y creadores de contenido no solo necesitan producir contenido, sino también gestionar su presencia online. Herramientas como Hootsuite, Buffer y Sprout Social permiten programar publicaciones, realizar seguimientos de rendimiento y administrar múltiples cuentas desde un solo lugar. Esto ahorra tiempo y mejora la eficiencia al permitirte estar presente de manera constante en todas tus plataformas sin tener que publicar manualmente cada vez. La gestión de redes es esencial en cuanto a las herramientas imprescindibles para creadores de contenidos digitales en 2025.

4. Plataformas de creación de contenido interactivo

Con el auge de los formatos interactivos, los creadores de contenidos han encontrado nuevas maneras de conectar con sus seguidores. Herramientas como Interact y Typeform permiten crear encuestas, cuestionarios y formularios interactivos que pueden aumentar el engagement. Además, plataformas como Kahoot! y Twitch han dado un giro a la manera en que los creadores interactúan en vivo con su audiencia, abriendo nuevas posibilidades para conectar y monetizar.

5. SEO y analítica web: otra de las herramientas imprescindibles para creadores de contenidos digitales en 2025.

Para cualquier creador de contenidos, entender las métricas y cómo mejorar su visibilidad en buscadores es crucial. Herramientas como Google Analytics, SEMrush y Ahrefs son indispensables para optimizar tus publicaciones y aumentar tu alcance. Además, los creadores de contenido en Instagram también pueden beneficiarse de herramientas de análisis específicas como Iconosquare y Socialbakers, que proporcionan insights detallados sobre el rendimiento de las publicaciones. Este es un punto clave en cuanto a las herramientas imprescindibles para creadores de contenidos digitales en 2025.

6. Herramientas de monetización y colaboración

La monetización es una de las principales metas de cualquier influencer o creador de contenido. Plataformas como Patreon y Ko-fi permiten a los creadores recibir apoyo directo de su comunidad. Además, herramientas como BrandSnob y Upfluence facilitan la búsqueda de marcas para colaboraciones, permitiéndote generar ingresos a través de asociaciones.

7. Herramientas de escritura y generación de ideas

Las ideas frescas y contenido relevante son esenciales para cualquier creador de contenido digital. Si necesitas inspiración, herramientas como Buzzsumo, Answer the Public y Jasper AI son excelentes para investigar tendencias, generar ideas y optimizar el contenido de tu blog, página web o redes sociales. Estas herramientas no solo te ayudan a encontrar temas populares, sino que también te permiten mejorar la calidad de tu redacción.

8. Plataformas de aprendizaje y formación continua

Como creador de contenidos, el aprendizaje constante es fundamental. La Escuela Universitaria de Artes TAI se ha consolidado como uno de los referentes en formación para creadores de contenidos y artistas digitales. Con programas actualizados y enfoques prácticos, TAI ofrece formación integral que te ayudará a potenciar tus habilidades y sobresalir en el competitivo mundo digital.

Conocer las herramientas imprescindibles para creadores de contenidos digitales en 2025 en TAI

La Escuela Universitaria de Artes TAI se distingue por ofrecer una formación profesional de alta calidad que combina la creatividad con la tecnología. Si estás buscando mejorar tus habilidades y convertirte en un creador de contenidos de éxito, TAI te proporciona un entorno innovador donde podrás aprender de los mejores profesionales del sector. Además, podrás acceder a una red de contactos que te permitirá abrirte puertas en la industria digital. Conoce ya las titulaciones disponibles en el área de creación de contenido en TAI: ¡Infórmate sobre el Grado en Bellas Artes + Diplomatura en Creación de Contenido Digital y la Diplomatura en Creación de Contenido Digital y elige la formación que más se adapte a ti en este área!

Conclusión

Las herramientas para creadores de contenido son esenciales para garantizar que tu trabajo no solo sea de calidad, sino que también te permita llegar a más personas y monetizar tus esfuerzos. No importa si eres un influencer en Instagram, un creador de contenido digital o alguien que recién comienza, el uso adecuado de las herramientas mencionadas puede marcar la diferencia. Y si estás buscando llevar tu carrera al siguiente nivel, estudiar en una institución como la Escuela Universitaria de Artes TAI puede proporcionarte los conocimientos y recursos necesarios para triunfar en la creación de contenidos digitales. Si quieres saber más sobre este tema, accede al artículo sobre cómo ser creador de contenidos.

¡Prepárate para dominar el mundo digital en 2025!

Sin embargo, desde la invención de la fotografía en el siglo XIX, el retrato se ha convertido en una de las manifestaciones artísticas más comunes. A lo largo del artículo de hoy descubriremos en qué cosiste la fotografía retrato,  cuáles son sus tipos y algunos consejos prácticos para mejorar la técnica fotográfica.

¿Qué es la fotografía retrato?

La fotografía retrato es un tipo de género fotográfico que consiste en la representación de las cualidad físicas y/o morales de una persona o grupo de personas. Se trata de una disciplina compleja que busca transmitir emociones, impactar al espectador y transmitir la esencia del sujeto fotografiado.

Los artistas especializados en el retrato artístico juegan con los diferentes elementos fotográficos como la luz, los colores, los planos o la composición para crear un estilo único y distintivo.

5 Consejos prácticos para la fotografía retrato

Si quieres especializarte en retrato artístico o mejorar tu técnica es muy importante que conozcas estos consejos prácticos que mejorarán significativamente la calidad de tus fotografías.

1. Conoce al sujeto que vas a fotografiar

Para plasmar la esencia del sujeto y captar su personalidad y emociones es importante que dediques tiempo a interactuar con la persona que vas a fotografiar. Esto te ayudará a tomar decisiones técnicas que influirán en el resultado final.

2. Usa la luz a tu favor

La luz es uno de los elementos más influyentes en una fotografía retrato. Por ello, es importante que juegues con diferentes fuentes de luz para crear el ambiente y el efecto deseado en tu retrato.

3. Utiliza diferentes ángulos

Cuando vayas a realizar un retrato artístico prueba diferentes ángulos y puntos de vista. Esto te permitirá experimentar, encontrar el efecto deseado y dar un toque único y distintivo a tus retratos.

4. Cuida el fondo

El fondo de un retrato influye directamente en la percepción del espectador. Por ello, es importante que escojas un fondo neutro y poco llamativo que ayude a centrar toda la atención en el sujeto.

5. Experimenta

La experimentación es un factor clave en este tipo de fotografía. Cuando hagas retratos juega con las luces, el color, las perspectivas y los fondos para generar diferentes efectos. No tengas miedo a desafiar las normas y crear tu propio estilo fotográfico.

Tipos de planos en el retrato artístico

Uno de los elementos más influyentes en el retrato artístico es el tipo de plano, ya que determina la proximidad del sujeto a la cámara y cómo se perciben sus emociones, expresiones y entorno. Por ello, es importante que conozcas cada uno de ellos:

Plano detalle

Este plano centra la atención en un elemento concreto del rostro como los ojos o la boca. Es muy utilizado para captar detalles expresivos del sujeto o exaltar diferentes facciones.

Primer plano

Este tipo de plano se centra solo en el rostro del sujeto, dejando poco espacio para el fondo. Se suele utilizar para resaltar emociones y representar la personalidad del sujeto.

Plano medio

Este plano incluye desde la cabeza hasta las rodillas del sujeto. Es uno de los más utilizados en fotografía retrato, ya que permite transmitir la expresión facial y corporal de la persona.

Plano americano

El plano americano cubre desde la cabeza hasta las rodillas del sujeto. Dentro del ámbito de la fotografía retrato es menos utilizado, pero ayuda a mostrar el entorno y a contextualizar al sujeto dentro de una escena.

Plano general

Muestra al sujeto en su totalidad junto al entorno. Este tipo de plano se utiliza para representar y captar la relación de la persona con su ambiente.

Objetivos para la fotografía retrato

Elegir el objetivo es fundamental para lograr el efecto deseado en un retrato. A continuación te dejamos algunas recomendaciones:

50 mm (lente estándar)

Su perspectiva es cercana a lo que percibe el ojo humano. Es el objetivo más utilizado para realizar retratos naturales que no distorsionan las proporciones ni las facciones del sujeto.

85 mm

Es el tipo de lente más utilizada en el retrato artístico. Permite crear un efecto que desenfoca suavemente el fondo, separando claramente el sujeto de su entorno.

135 mm

Es la lente ideal para retratos más cerrados y sin distorsión. Es el más idóneo para fotografiar en exteriores donde se desea mantener buena distancia con el sujeto.

Tipos de retrato artístico

Es importante saber que existen diferentes tipos de fotografía retrato, y que cada uno de ellos requiere una técnica y enfoque distinto. Te explicamos cuáles son los más comunes en el ámbito profesional.

Retrato clásico

Este retrato centra la atención en resaltar las facciones y la belleza del sujeto, con poses tradicionales y estandarizadas y  fondos más neutros. 

Retrato ambiental

En este tipo de retrato el entorno juega un papel fundamental. Permite contextualizar al sujeto en el entorno o reflejar la relación de este con elementos externos como mascotas, plantas, obras de arte…

Retrato conceptual

Este tipo de retrato juega con los diferentes elementos  de la composición para transmitir una idea o concepto más abstracto. Suele utilizar diferentes símbolos o elementos que no están directamente relacionados con el sujeto.

Si quieres mejorar tu técnica en fotografía artística y enfocar tu futuro profesional en esta disciplina, te presentamos nuestro Grado en Fotografía, un programa académico diseñado para ofrecer una formación integral. Te prepararás con los mejores expertos de la industria, aprendiendo desde los conceptos básicos hasta las técnicas más avanzadas de iluminación, composición y postproducción.

Desde blogs y videos hasta podcasts y redes sociales, la creación de contenido abarca una amplia gama de formatos que permiten a los creadores conectar con audiencias globales y monetizar su pasión por compartir información, entretenimiento y conocimientos especializados. 

A lo largo de este blog descubrirás cómo ser creador de contenidos: estudios relacionados, plataformas y consejos prácticos para impulsar tu carrera profesional.

¿Qué es es un creador de contenidos y por qué elegir esta profesión?

Un creador de contenido es aquel profesional que utiliza plataformas digitales para producir y distribuir contenido que atraiga a una audiencia específica. Esta profesión se caracteriza por su capacidad para generar material creativo y original en diferentes formatos (blogs, vídeos, redes sociales…) que cautive a los usuarios.

La creación de contenidos se ha convertido en una de las profesiones más demandadas y atractivas del sector de la comunicación, no solo por la creatividad y flexibilidad que ofrece, sino por la gran influencia y proyección que tiene en la sociedad. Antes de descubrir cómo ser creador de contenidos, te contamos sus los motivos por los que dedicarte a ello:

Flexibilidad Laboral

Podrás disfrutar de la libertad de trabajar desde cualquier lugar y establecer tus propios horarios.

Creatividad Sin Límites

Explorarás y experimentarás con diferentes formatos y estilos para expresar tus ideas únicas.

Impacto y Alcance Global

Podrás alcanzar un impacto global con tu contenido y llegar a grandes audiencias.

Conexión con la Comunidad

Conseguirás construir una comunidad de seguidores leales que comparten tus intereses e interactúan con tu contenido.

Aprendizaje y Adaptación Constantes

Mejorarás continuamente tus habilidades y conocimientos para estar al día de las últimas tendencias las tendencias y tecnologías emergentes.

Autonomía y emprendimiento

Siendo creador de contenido tendrás libertad de dirigir tu camino profesional y creativo, marcando tus propias pautas y límites.

Descubre las diferentes formas de crear contenido en las plataformas digitales

La creación de contenido abarca una amplia variedad de formatos, cada uno con su propio estilo y forma de conectar con la audiencia. Para ser un buen creador y creadora de contenido es muy importante conocer cuáles son los diferentes calanes y las herramientas y oportunidades que te ofrece cada uno de ellos.

Blogs

Crear contenidos en blog ofrece una gran variedad de plataformas y formatos versátiles para compartir ideas, conocimientos y experiencias a través de artículos detallados y bien estructurados.

Vídeos

Los vídeos son formatos dinámicos, visuales e interactivos ideales para crear contenidos que conecten con la audiencia. Este formato permite contar historias, experiencias, viajes…, ofreciendo una experiencia visual y auditiva envolvente.

Redes sociales

Las redes sociales son plataformas ideales para crear contenidos que sean interactivos, compartibles y que generen engagement con tu audiencia. Permiten una comunicación directa y rápida, facilitando la difusión de mensajes, la interacción con seguidores y la construcción de una comunidad de usuarios. Tik Tok e Instagram se han convertido en las plataformas ideales para los creadores de contenido.

Podcasts

En la actualidad, los podcasts , los podcasts son una herramienta poderosa para crear contenido, ofreciendo a los creadores de contenido la posibilidad de conectar directamente con su audiencia a través de conversaciones íntimas, educativas o entretenidas sobre una gran variedad de temas (experiencias personales, psicologías, historia…).

Cómo ser creador de contenido paso a paso

Para convertirte en un buen creador de contenido es importante que tengas en cuenta los siguientes pasos: 

1. Formación: Tener conocimientos sólidos en áreas relevantes relacionadas con el contenido en el que quieras especializarte como escritura, edición de vídeo, diseño gráfico y otras habilidades creativas necesarias para generar contenidos de calidad.

2. Exploración y desarrollo de habilidades creativas: Experimentar con diferentes formatos y técnicas para encontrar tu estilo como creador de contenido.

3. Crear tu marca personal: Desarrollar una identidad en línea coherente que refleje tus valores, intereses y especialidades, encontrado así tu valor diferencial.

4. Publicar y difundir tu contenido: Utilizar plataformas adecuadas como blogs, redes sociales, podcasts y vúdeos para compartir tu contenido con la audiencia y ampliar tu alcance.

5. Monetización: Implementar estrategias para generar ingresos a través de tu contenido: patrocinios, eventos, marketing digital, recomendaciones de productos…

Formación para la creación de contenidos

Si te has preguntado cómo ser creador/a de contenidos es importante que conozcas algunas de las disciplinas y áreas que te van a ayudar a adquirir las habilidades necesarias para esta profesión.

Escritura creativa

La redacción creativa te servirá como fuente de inspiración para generar contenidos interesantes y persuasivos para tus seguidores.

Edición de video y producción audiovisual

Aprender a grabar, editar y producir vídeos de alta calidad que sean atractivos para tu audiencia.

Diseño gráfico y visual

Conocimientos en diseño para crear gráficos, infografías y otros elementos visuales que complemente y hagan más atractivo tu contenido.

Marketing digital y redes sociales

Especializarte en marketing digital te ayudará a diseñar estrategias de contenido más efectivas y a entender cómo funcionan las diferentes plataformas para distribuir tu contenido.

Con la diplomatura en creación de contenido digital podrás adquirir las habilidades necesarias en escritura creativa, edición de vídeo, diseño gráfico y producción audiovisual, entre otras disciplinas. Con programas diseñados para fomentar la creatividad y la innovación, TAI te proporcionará las herramientas y la formación para destacar en la creación de contenido.

Ahora que ya sabes cómo ser creador/a de contenido, es el momento de dar el siguiente paso. Explora todas las oportunidades que esta profesión tiene para ti y comienza a desarrollar tus habilidades creativas.

Formarte en arte a nivel universitario es una experiencia transformadora que te va a permitir explorar tus talentos, mientras adquieres la práctica y las habilidades necesarias para desarrollarte como artista profesional. En TAI podrás estudiar en un ambiente creativo y estimulante que te ayudará a desarrollar tu potencial de la mano de los mejores docentes y profesionales de la industria.

Descubre los grados universitarios de arte de TAI

¿Crees que tu futuro está en las artes? Descubre los grados universitarios de artes TAI y especialízate en Cine, Fotografía, Bellas Artes, Artes Escénicas o Música.

¡Te contamos todo de cada uno de ellos!

Grado en Cinematografía

Ver esta publicación en Instagram

Una publicación compartida de TAI Escuela Universitaria (@escuelatai)

En este grado oficial aprenderás el funcionamiento completo de una producción a través de una metodología por proyectos y rotación de puestos. Así podrás especializarte en lo que más te gusta: dirección de fotografía y cámara, guion y dirección, postproducción de imagen y creación sonora o producción y diseño de producción.

Realizarás proyectos en platós profesionales y trabajarás con los softwares, cámaras y equipos de iluminación más utilizados en la industria. 

¡Estudia en TAI este grado de arte y fórmate con los mejores docentes y artistas del sector!

Grado en Música

Ver esta publicación en Instagram

Una publicación compartida de TAI Escuela Universitaria (@escuelatai)

En este grado de arte aprenderás a desenvolverte en los diferentes ámbitos de la composición musical como bandas sonoras para cine, TV, videojuegos, música urbana o comunicación corporativa.

Además, podrás convertir tus ideas en proyectos concretos y reales de la mano de un equipo de docentes y artistas con una gran trayectoria en la industria.

¡Estudia el Grado en Composición Musical en TAI y desarrolla tu creatividad y talento musical!

Grado en Interpretación

Conviértete en un/a artista multidisciplinar con este grado oficial en Artes escénicas. A través de un programa versátil, innovador y práctico no solo aprenderás a trabajar en rodajes reales como intérprete, sino también como creador/a de contenido de espectáculos propios.

De la mano de los mejores artistas y docentes, interpretarás personajes dentro de diferentes códigos y estilos y adquirirás los conocimientos y técnicas para liderar tus propios proyectos.

¡Estudia Artes Escénicas en TAI y avanza en tu carrera profesional como artista!

Grado en Bellas artes

Con este grado universitario en Bellas Artes construirás tu propia identidad como artista, desarrollando proyectos profesionales de máxima calidad. Durante el programa formativo ampliarás tus competencias en todas las áreas de la creación artística como el diseño, la ilustración  o el diseño audiovisual.

Prepárate para el mundo de las industrias digitales y creativas de la actualidad e incorpórate al mundo laboral con las dos titulaciones que incluye este grado: Grado Universitario Oficial en Bellas Artes y una Diplomatura en Diseño Digital y 3D.

¡Estudia este grado universitario y conviértete en un profesional de la creación artística contemporánea!

Grado en Fotografía

Ver esta publicación en Instagram

Una publicación compartida de TAI Escuela Universitaria (@escuelatai)

Con este grado oficial adquirirás una formación completa y práctica adaptada a los nuevos formatos y demandas de la industria. Podrás manejar los flujos de trabajo de la creación audiovisual en proyectos reales para dirigir la imagen en agencias, medios o cualquier institución.

Aplicarás todos los conocimientos teóricos trabajando en producciones y creaciones interdisciplinares con profesionales del sector. 

¡Estudia este grado de arte en TAI y explora tu potencial en el mundo de la fotografía!

Fotógrafo y retocador especialista en el mundo de la publicidad, una de sus especialidades es la fotografía de bodegón publicitario. Ha ganado varios premios Lux realizando numerosos trabajos en moda, belleza, decoración y fotografía editorial para marcas como Campofrío, El Corte Inglés, Germinal, Movistar o Unicef. 

¿Cómo te iniciaste en la fotografía de bodegón? ¿Qué te atrajo en un principio de este tipo de fotografía?

Yo soy fotógrafo comercial especializado en publicidad y de ahí vienen los bodegones, que es una parte de mi trabajo. Lo que me atrajo de los bodegones es que en publicidad hay mucho trabajo de bodegones y es un tipo de fotografía muy técnica y que me gusta mucho. Es muy creativa, pero también una fotografía muy exigente en relación a la iluminación, encuadres, composición…y eso era un desafío para mí. 

¿En qué te inspiras para crear bodegones? ¿Hay algún fotógrafo o artista que te haya influenciado en particular?

Muchas de las veces la parte creativa del bodegón la impone el cliente y en el caso de editoriales de revistas sí que hay más libertad, pero tienes que respetar la línea editorial de la revista. A mí me gusta darle una vuelta y deconstruir el tema que hay que fotografiar.

Cuéntanos cómo seleccionas los objetos que utilizas en tus bodegones: ¿hay algún criterio específico detrás de estas elecciones? ¿Prefieres objetos cotidianos o buscas elementos más inusuales?

Los objetos que fotografío siempre me los propone el cliente o la revista. En la composición mezclo objetos principales con objetos secundarios, me gusta jugar, darle la vuelta…si hay algo con mucha tecnología me gusta jugar con cosas orgánicas… hacerlo lo más low tech posible, dependiendo del tipo de trabajo obviamente.

Los objetos que fotografío no los elijo yo, suele ser el producto del cliente o de la revista. Los ambientes que creo para fotografiar esos productos sí que son creados por mí. Aunque me den el tema, me gusta jugar con la deconstrucción de eso. Si trabajo con mucha tecnología, me gusta buscar elementos que sean casi lo opuesto, muchas veces orgánicos… o simplemente composiciones muy geométricas. Me gusta jugar con la gravedad y crear cosas que serían imposibles…porque llama mucho la atención y genera un gran contraste.

Me gusta jugar con la deconstrucción, la gravedad y los escenarios imposibles

¿Cómo planificas tus sesiones de fotografía de bodegones? ¿Hay algún proceso creativo que sigas? 

La planificación de la fotografía de bodegones es muy importante, desde lo principal, el concepto y lo que quieres hacer hasta cómo vas a sostener algo: si tienes que llevar hilos, pinzas….tienes que tener previsión para poder dejar el bodegón como tienes pensado. Puedes tener una gran idea pero si te falta algún objeto o elemento para colgar lo que tenías pensado colgar, no puedes hacer una sesión por no tener hilos, por ejemplo.

La planificación para mí es el punto esencial para una buena sesión. Yo empiezo siempre con conceptos y una vez que tengo claro lo que quiero fotografiar, paso a bocetos. En los bocetos incluyo todos los elementos necesarios para fotografiar: flashes, mesas, fondos, pinzas y todo lo que me haga falta.

¿Qué equipo sueles utilizar? ¿Hay algún objetivo o cámara favoritos que prefieras?

Suelo trabajar con Profoto y Godox. Con respecto a objetivos, pues depende del tipo de bodegón que vaya a hacer. Últimamente uso objetivos fijos, estoy trabajando con Sony y estoy encantado con Sony. Algunas veces utilizo Fuji de medio formato, de hecho estoy trabajando con objetivos de media gama, un 85mm 1.8 de Sony, que es muy bueno y me gusta bastante. Pero sí, básicamente Sony y Fuji.

¿Cómo eliges la iluminación que utilizas en tus composiciones?

Siempre elijo la iluminación pensando en dos puntos: primero el ambiente que voy a crear y el tipo de fotografía que quiero hacer. Si quiero algo más dramático, analizo la forma del objeto y cómo está diseñado para poder acentuar las formas y lograr un buen resultado. 

Personalmente en el caso de un bodegón comercial intento mezclar los dos, la idea principal siempre es crear el ambiente o mood de la sesión y ya más detalladamente buscar todos esos elementos que tiene el objeto, como partes metálicas o biselados que necesitan una iluminación especial o ser acentuados mediante más fotos. Muchas veces hay que hacer más de una foto para conseguir una foto final. Por ejemplo hay shootings que son muy complicados porque los sujetos son objetos pequeños y hay que hacer una iluminación independiente para cada elemento.

¿Cuál es tu enfoque personal en la postproducción de tus imágenes de bodegones? ¿Tienes algún software o técnica preferida?

Suelo hacer varias fotos para conseguir el resultado final. Hay que borrar cables, borrar brazos mágicos…retocar los tonos y contrastes.  No solo es el proceso de montaje, sino el proceso de color grading que vas a trabajar con la foto final. Yo capturo siempre con Capture One, hago todo el proceso con Capture One y finalizo con Photoshop.

¿Es importante el equilibrio entre la edición y la naturalidad en tus fotografías?

En mi fotografía hay muchas veces que las fotos no son nada naturales, jugando con la gravedad para conseguir ese toque de atención, jugando con romper estos esquemas… Son fotos muy producidas con iluminaciones muy medidas que serían casi imposibles de hacer de una toma. Yo busco el concepto y la imagen por encima de la naturalidad de la fotografía.

Busco el concepto y la imagen por encima de la naturalidad de la fotografía

¿Cuáles consideras que son los mayores desafíos al fotografiar bodegones?

El mayor desafío es la parte técnica. Crear la idea está bien pero hay objetos que son muy pequeños y tienen mucho reflejo y todo eso hay que controlarlo. Los objetos esféricos, por ejemplo, reflejan todo el estudio y tienes que poner pequeños reflectores para que refleje lo que quieres. Es un trabajo muy puntual y muy manual cuando tienes objetos de alto reflejo.

¿Tienes algún consejo para aquellos que están comenzando en la fotografía de bodegones? ¿Hay algún error común que observas en los principiantes y que podrías ayudarles a evitar?

Mi consejo es pensar siempre en el concepto. Y empezar con cosas sencillas, potentes pero sencillas. Con una buena idea y un buen flash se puede hacer un bodegón increíble. Y poco a poco, cuando estés familiarizado con la iluminación y vayas entendiendo cómo reacciona la luz a los objetos, ir aumentando la dificultad. No caer en eso de que hay que usar cincuenta flashes para ser bueno. Cada imagen y cada concepto necesita una luz, por eso hay que empezar poco a poco, gradualmente y entendiendo todo el concepto de la iluminación de un bodegón.

El error es dar un paso más grande que la pierna. Hay que ir poco a poco, buscar imágenes más gráficas y más potentes, saber utilizar los objetos, saber colocarlos bien e ir progresando de composiciones sencillas a otras más complejas.

Mi consejo es pensar siempre en el concepto, con una buena idea y un buen flash se puede hacer un bodegón increíble

¿Cómo ves la evolución de este tipo de fotografía de cara al futuro? ¿Hay un hueco en la industria?

El bodegón es una forma clásica de fotografía y siempre habrá un hueco en la industria, desde bodegones conceptuales hasta la fotografía de producto o silueteado ecommerce, que cualquier marca necesita hoy en día. Entonces desde ahí hasta una campaña va a pasar el bodegón.

Fotografías: Ale Megale ©

Cierto es que el objetivo ojo de pez es muy usado tanto en fotografía como en vídeo, lo que no significa que se use de una manera correcta o se conozca adecuadamente cuál es su función.

Qué es el objetivo ojo de pez

Con origen en 1906, Fisheye u ojo de pez es un tipo de objetivo que proporciona un campo de visión muy amplio, tanto que puede llegar a superar los 170º e, incluso, para fotografías circulares puede ir más allá de los 200º. Las lentes ojo de pez se catalogan en el tipo angular, siendo estas una ultra angular con una distancia focal aproximada de 7mm y 17mm.

El efecto de esta lente puede compararse con la visión desde la mirilla de una puerta ya que tiene una forma semiesférica, forma que hace imposible poner al objetivo accesorios sin un adaptador.

Tipos de lentes ojo de pez

Existen dos tipos de lentes de ojo de pez: las rectangulares y las circulares, que se clasifican por el tipo de imagen que captan. La circular es la más común, aquella que capta a 180º o incluso supera los 200º y genera un marco a su alrededor con bordes en negro.

El rectangular (o diagonal) capta una visión de 180º de forma diagonal siendo la proporción de los lados (horizontales y verticales) más regular que la anterior, normalmente capta 150 grados horizontales y 100 grados verticales. Como resultado se obtiene una fotografía más normal pero distorsionada.

Conoce aquí los mejores objetivos de ojo de pez.

Ventajas y desventajas del ojo de pez

Ventajas

La principal ventaja del ojo de pez es que reduce la distancia, es decir, no es necesario alejarse mucho para captar una visión amplia, sino que al distorsionar la imagen permite reducir el movimiento. Ventaja que resulta muy útil para paisajes o fotos de las estrellas.

Otro de sus usos principales y para lo que es bastante útil es la fotografía de casas y/o habitaciones. Normalmente no hay suficiente espacio para captar una habitación completa con un objetivo normal, es por eso que el ojo de pez es muy buena opción.

Un uso bastante frecuente también de esta lente es con la famosa cámara GoPro, creada para grabaciones de actividades dinámicas y de riesgo. Esta lente fotográfica crea un efecto muy inmersivo y puede llegar a hacer sentir al espectador parte de la acción.

Además, la lente ojo de pez permite dejar volar la creatividad, en fotografía y vídeos artísticos crea un efecto muy llamativo, sobre todo si se combina con buena iluminación fotográfica, puesta en escena e incluso vestuario y maquillaje.

Desventajas

La principal desventaja del ojo de pez es que distorsiona la realidad, lo que significa que esta lente, a la hora de captar imagen no va a mostrar lo que realmente es. Por ejemplo, a la hora de captar personas la lente las va a deformar, sobre todo cuánto más al borde de la fotografía se encuentre. Es por eso que el uso de esta lente se encuentra restringido a un tipo de fotografía concreta como de arquitectura, de interiores, de paisajes, o fotografía artística.

La imagen fija puede transmitir muchas cosas y entre ellas, movimiento. Uno de los recursos estéticos y narrativos más impactantes y útiles de la fotografía es la fotografía en movimiento. Hay pocas cosas que llamen tanto la atención cómo congelar un instante en una imagen.

¿Qué es la fotografía en movimiento?

Una de las características y objetivos principales de la fotografía es capturar momentos, tanto estáticos como dinámicos. Estos últimos son los más complicados de captar, lo que no significa que sea imposible.

Algo fundamental a la hora de querer hacer fotografía en movimiento es conocer perfectamente el concepto de velocidad de obturación. Tal y como mencionamos en el blog de fotografía nocturna,”la velocidad de obturación, o tiempo de exposición, hace referencia a la cantidad de luz que se deja entrar en el sensor en un tiempo y velocidad determinada. Su objetivo es congelar o no el movimiento de aquello que se fotografía”.

Por su parte, el obturador es un dispositivo mecánico situado en el sensor de la cámara que se encarga de controlar el tiempo que la luz está en contacto con dicho sensor. Cuanto más tiempo esté abierto el sensor, más luz entra y más borroso estará el elemento, en cambio, cuanto menos tiempo esté abierto más congelada saldrá la imagen.

Los movimientos más habituales, del día a día, suelen poder congelarse en velocidades de entre 1/500 y 1/8000, obturaciones consideradas como altas. Aunque, la realidad es que hay movimientos que son tan rápidos que no es posible congelarlos a esa velocidad.

Cómo capturar movimiento

Lógicamente, lo principal para cualquier tipo de fotografía es la cámara. En el mercado existen muchas opciones, tanto en precios como en tipos de cámaras, aunque las más usadas son las DSLR o las mirrorless. Puedes ver aquí un listado de las mejores cámaras para principiantes o amateurs.

Ajustar la velocidad de obturación

Una de las maneras más efectivas de plasmar la sensación de movimiento es bajando la velocidad de disparo. Todo el tiempo que el obturador está abierto y grabando el movimiento del sujeto va a proporcionar un plasmado mayor del movimiento y, por ello, mayor sensación de rapidez. Eso sí, la fotografía no será completamente nítida.

Exposición

Hablemos de cantidad de luz, uno de los factores claves para la fotografía en movimiento, siempre y cuando se haga una buena relación de valores con la velocidad de obturación. Cuanto más baja sea la velocidad de obturación, mayor cantidad de luz captará el sensor, por lo que es probable que la toma salga sobreexpuesta.

Estabilidad

Un truco magnífico para la fotografía en movimiento es mantener la cámara con la mayor estabilidad posible, aunque no sea siempre lo que buscamos. Es muy probable que si la cámara está inestable y todo lo que se quiere captar tiene movimiento la fotografía final salga en malas condiciones.

La fotografía nocturna es un tipo de fotografía muy atractiva que permite captar momentos hipnóticos envueltos en un halo de magia. Sin embargo, fotografiar en la oscuridad no es siempre fácil, requiere técnica, algunos trucos y materiales adecuados. 

Tipos de fotografía nocturna

Fotografía urbana

La fotografía urbana nocturna es la más sencilla. Se debe principalmente a que la iluminación está prácticamente dada y solo hay que jugar con ella. El truco está en jugar con la luz de las farolas, los edificios, los letreros, etc., y ajustar los valores de la cámara para conseguir el mejor resultado.

Lo ideal para este tipo de fotografía es una apertura de diafragma pequeña de unos f8 a f22, así la luz tendrá un efecto estrellado y enfocado. En cambio, si se usa una apertura más grande (como f4, por ejemplo) las luces quedarán mucho más grandes y expandidas.

Fotografía astronómica

La fotografía nocturna astronómica es un tanto complicada, básicamente porque se necesita planificación, es decir, buscar una hora y lugar concreto para sacar la mejor foto posible. Lo ideal es evitar la contaminación lumínica, por eso es clave encontrar un emplazamiento natural en el que poder disfrutar de un cielo limpio.

La mejor opción para este tipo de fotografía es usar un trípode, lo más fuerte y estable posible, así se conseguirá la quietud necesaria para sacar la foto. Además, es importante ir jugando con los objetivos y los valores de cámara para ir probando resultados y encontrar el que más guste.

Igualmente, es necesario advertir que este tipo de fotografía no es para principiantes, pues requiere mucha técnica, paciencia y un muy buen manejo de la cámara.

En cuanto a la cámara, la marca y el modelo no son relevantes siempre que tenga la opción de intercambiar objetivos y pueda hacer fotografías en formato RAW, no es necesario usar una full frame. En el caso de los objetivos, aunque esto depende un poco del estilo que se busque, es recomendable que sea lo más luminoso y amplio posible: como un gran angular,

Fotografía paisajística

La fotografía paisajística es aquella en la que no participa la luz urbana, es decir, en la que se busca retratar paisajes naturales como campos, montañas. playas, ruinas, etc. Estas fotografías suelen aprovechar la luz lunar como iluminación, sin añadir ninguna externa como focos o linternas, por eso se suelen tomar con un diafragma muy abierto.

Light Painting

Podría decirse que la fotografía Light Painting, o pintura con luz, es una de las técnicas más divertidas y creativas. Se puede retratar casi cualquier objeto, siempre y cuando se use la técnica adecuada.

Lo ideal es utilizar una cámara, full frame o no, en el modo manual con un gran angular. Además, se puede usar también un trípode, linternas, luces, bengalas, o cualquier otra elemento con luz que se pueda conseguir.

Para esta técnica es indispensable fotografiar con una exposición larga, es decir, velocidades bajas. Hay que trabajar en enfoque manual y en formato RAW, así será mucho más sencillo editar, además de tener muchas más opciones. La clave es comenzar con una apertura de diafragma a f/8 y, a partir de ahí se puede ir jugando y variando según se estime, siempre con el ISO al mínimo.

Puedes iniciarte con el Light Painting con algunos consejos de principiante aquí.

Retrato

Es posible retratar por la noche, claro que sí. Además, los retratos nocturnos son visualmente muy potentes, incluso, muchos de ellos, pueden llegar a transmitir historias. El ambiente nocturno ofrece muchos tipos iluminación, desde la propia linterna de tu móvil, hasta un escaparate, farolas o luces de neón.

La clave está en jugar con las posibilidades a disposición del fotógrafo, abrir el diafragma para capturar la luz necesaria y jugar con la distancia focal. Otra opción en variar las velocidades para capturar los movimientos más mínimos.

La técnica

La fotografía tiene conceptos básicos que ayudan al artista a mejorar la calidad de sus fotos y ha conseguir los mejores resultados posibles. Además, les permite experimentar y jugar con los valores para obtener algo que ni siquiera se buscaba. Los conceptos básicos de la fotografía son apertura de diafragma, velocidad de obturación y sensibilidad del ISO.

Apertura de diafragma

La apertura del diafragma hace referencia a la apertura de la lente que se usa en ese momento, es decir, a la cantidad de luz que le entra al sensor. Podemos comprarla con el ojo humano, cuanto más dilatada esté la pupila más luz veremos y viceversa.

Velocidad de obturación

La velocidad de obturación, o tiempo de exposición, hace referencia a la cantidad de luz que se deja entrar en el sensor en un tiempo y velocidad determinada. Su objetivo es congelar o no el movimiento de aquello que se fotografía.

El obturador es un dispositivo mecánico situado en el sensor de la cámara que se encarga de controlar el tiempo que la luz está en contacto con dicho sensor. Cuanto más tiempo esté abierto el sensor, más luz entra y más borroso estará el elemento, en cambio, cuanto menos tiempo esté abierto más congelada saldrá la imagen.

Sensibilidad del ISO

Se define la sensibilidad ISO como la cantidad de luz que entra en el objetivo de la cámara cuando se hace una fotografía, es decir, la cantidad de grano o ruido que aparecerá en la imagen final. Cuanta más luz haya en la fotografía menor es el valor ISO de se debe emplear.

Guía de valores:

• ISO 100 entre 200 generalmente usado para fotos a plena luz del día o por las noches en exposiciones largas.
• ISO 400 entre 640 se usa en espacios cerrados o con poca luz, lo mejor es usar un flash en estos casos, así se evita el grano.
• ISO mayor 800, se suele utilizar cuando se cuenta con muy poco luz y no se puede utilizar un flash. Lo que significa que, por lo general, la fotografía final tendrá bastante ruido, aunque esto dependerá también de la cámara que se use.

Consejos para la fotografía nocturna

Hay una serie de consejos o trucos que, si se toman en cuenta, pueden hacer la fotografía nocturna más sencilla. Hacer fotos nocturnas es una gran experiencia y se pueden llegar a obtener unas imágenes muy impactantes si se tiene la luz adecuada. Aunque, también hay otros recursos que se pueden tener en cuenta para que esta fotografía.

El equipo

• Una cámara de fotos con objetivos intercambiables, para así poder adecuar el equipo a las circunstancias externas
• Si van a realizarse fotos de la luna es necesario disponer de un teleobjetivo
• Varias tarjetas de memoria, nunca se sabe cuántas harán falta
• Baterías de repuesto, ya que es posible que haya que esperar o tener la cámara encendida más de lo normal
• Linternas, para lugares en los que no hay ningún tipo de iluminación externa
• Flash, gelatinas o filtros, cualquier accesorio de tu kit de iluminación que pueda dar vida a la fotografía
• Trípode, la mejor fotografía nocturna se consigue con la estabilidad

Por otra parte, para la fotografía nocturna se recomiendan cámaras que tengan la opción de sacar fotos en formato RAW, posibilidad de reducción de ruido, pantalla live view y enfoque manual.

 Apertura del diafragma

Cuanto más abierto esté el diafragma, más luz entrará, y, lógicamente, es necesario tener luz en plena noche. Esto significa que lo ideal es ir probando con los niveles más bajos de apertura (f/2,8 o incluso f/4).

No tocar la cámara

La fotografía nocturna es muy sensible, se trabaja con parámetros delicados que hacen que cualquier movimiento en falso estropee la foto. Por eso, es necesario dejar la cámara colocada en el trípode y, una vez se aprieta el disparador, no volver a tocarla. Siendo esto así, puede ser una buena estrategia contar con un disparador a distancia, así se evitan movimientos involuntarios.

Enfoque manual

Lo ideal es mantener siempre la cámara en uso manual. El modo automático de las cámaras tiende a que la fotografía se vea con la mayor nitidez posible, por eso, si el ambiente es muy oscuro, la fotografía saldrá quemada o con mucho grano. Es por eso que tanto los valores principales como el enfoque deben ser manuales, así cada artista podrá destacar lo que crea necesario y dará un toque personal y único a la imagen final.

Es fácil pensar que la fotografía depende únicamente de la cámara y las ópticas, pero no. La realidad es que la iluminación supone un pilar fundamental en este arte, ya que no solo se usa en interiores, sino que sigue siendo igual de importante en exteriores. Un kit iluminación está compuesto por todos aquellos elementos que permiten crear un entorno lumínico en un espacio reducido, formado por telas, lámparas, pantallas, reflectores y una serie infinita de accesorios que nos ayuda a captar la mejor fotografía.

La mayoría de estos kits están pensados para la fotografía, sin embargo, pueden extrapolarse al video para crear piezas de una mayor nitidez y claridad en interiores.

Accesorios que componen un kit de iluminación

Hay una cantidad de elementos considerables que pueden componer un kit de iluminación, estos pueden ser de distinta gama y rondar diferentes precios. Sin embargo, existen formas de agudizar el ingenio y el conocimiento, independientemente de los medios que se tengan, para que se puedan crear las fotografías que se tengan en mente, de aquí la importancia de estudiar fotografía.

Sistema de luces

Existen distintos tipos de iluminación de fotografía para estudio, ajustable en todo momento según las necesidades de la sesión. Puedes encontrar algunos aquí. 

Reflectores

Son pantallas empleadas para modelar la luz, ya sea para reflejarla, intensificarla o reducirla. Dependiendo del material con el que esté construida su superficie, obtendremos distintos resultados, por ejemplo; los reflectores blancos son idóneos para dispersar la luz, los negros, en cambio, para absorberla.

Ventanas de luz o softbox

Se trata de accesorios utilizados para suavizar la luz y darle un aspecto más natural. También sirven para dirigir la fuente de luz con ellos, que dependiendo de su posición respecto al sujeto puede resultar más o menos difusa.

Sombrillas

Pieza primordial en la fotografía de estudio, permite que las luces reboten y lleguen a la persona de una forma más clara y nítida. Al igual que los reflectores, las podemos encontrar en distintos materiales.

Fotómetro

Periférico que permite medir la exposición de la luz en el estudio. Actualmente, las cámaras lo llevan integrado de serie pero no dan el mismo resultado que uno de mano/externo.

Fondo

Son las distintas superficies que rellenan el encuadre. Por lo general, existe una gran gama de materiales donde elegir, pero los más utilizados son los textiles de color blanco, negro y verde. Este último, destinado al croma.

Gelatinas

Estas láminas sirven como filtros para cambiar el color de la luz, son fáciles de construir por uno mismo y los resultados que se obtienen con ellas suelen resultar bastante vistosos.

De primeras, adquirir todo un equipo de iluminación puede ser muy costoso, por eso es mejor opción aprender a utilizarlo primero y saber cómo emplear cada uno de sus elementos. Por eso es muy importante elegir muy bien dónde estudiar fotografía, pero sobre todo, es necesario escoger un lugar en el que el entorno sea propicio para esta tarea. Un lugar enteramente dedicado a las artes

Fotografiar es jugar con la luz para establecer imágenes que adquieran la personalidad que decidas. Para ello, dominar los diferentes tipos de iluminación en fotografía es esencial para cualquier profesional de la imagen. Porque la iluminación va más allá de la oscuridad o el brillo de la obra artística. La iluminación es también generar una atmósfera, moldear el estado de ánimo, dar vida, en definitiva, a un instante que quedará para siempre.

¿Qué es la iluminación en fotografía?

Para poder fotografiar cualquier objeto o persona necesitamos luz. Puede ser luz natural o artificial, pero aquello que queremos inmortalizar ha de estar iluminado. La iluminación se erige, pues, en la base de este arte. Conocer los tipos de iluminación en fotografía es, pues, conocer las bases de esta apasionante profesión. Controlarlos va a permitirte hacer auténticas virguerías con la imagen.

La luz para la fotografía es como el óleo o la témpera para el pintor. Es la materia prima que determina el resultado. Igual que quien esculpe genera la obra artística moldeando el barro, el/la fotógrafo/a convierte en arte la imagen moldeando la luz, destacando elementos determinados, dando fuerza al contraste… Son las técnicas de iluminación fotográfica las que otorgan las posibilidades de hacerlo.

Los diferentes tipos de iluminación en fotografía tienen la función de dirigir y hacer rebotar la luz sobre el elemento fotografiado de manera que la imagen pueda quedar registrada.

Es importante conocer cuáles son las fuentes de luz que van a permitir que el/la artista ilumine la imagen y consiga el resultado que busca. Por un lado, la luz natural en fotografía es aquella que proviene del sol y es la que se suele utilizar en la fotografía de exteriores.

En cuanto a la luz artificial facilita controlar el resultado al arbitrio del artista sobre todo en momentos del día en que escasea la luz o en interiores. De este modo, se cuenta con la posibilidad de usar un foco de luz continua que da la posibilidad de mantener la iluminación durante largos periodos de tiempo y mover la iluminación en función de los intereses del creador/a.

Por otro lado, se encuentra otro tipo de luz que emite destellos de muy corta duración y que es la que ofrece, por ejemplo, un flash. Es la que se denomina luz estroboscópica.

El dominio de estas fuentes de luz, que pueden ser combinadas, es esencial en la obra fotográfica. Pero la iluminación fotográfica también puede venir de otras fuentes con la capacidad de generar efectos muy creativos como pueden ser las velas, los relámpagos o la misma luz de la Luna.

Técnicas de iluminación fotográfica

La fotografía es un campo riquísimo, repleto de posibilidades con las que dar rienda suelta a la creatividad y el talento. Los ángulos de iluminación en fotografía, la iluminación del rostro o la fotografía de moda cuentan con sus propios matices. Si se dominan las técnicas de iluminación fotográfica el/la artista se hace con un lenguaje flexible, adaptable a las características del tipo de imagen que puede crear.

Pero para dominarlas, antes es necesario conocerlas y ponerlas en prácticas. Para ello lo mejor es formarte con los mejores profesionales. Aquí te describimos el mejor centro donde estudiar fotografía en Madrid.  En él vas a conocer todas las técnicas que te van a permitir conocer todo lo que necesitas para dedicarte a esta profesión. Te apuntamos algunas de las más importantes.

Fotografía a contraluz

Si se sabe hacer con calidad, este tipo de iluminación fotográfica ofrece resultados espectaculares. Resalta perfiles, juega con las sombras, enriquece las texturas. En ellas la fuente de iluminación se sitúa frente a la cámara. Son capaces de generar una imagen mágica, un halo que aparece casi como sobrenatural en el que la luz surge como un elemento más de la fotografía. Se necesita sensibilidad y dominio técnico para conseguir una fotografía a contraluz que enamore. Lograr dominarlas es uno de los mejores argumentos sobre por qué estudiar fotografía. 

Larga exposición

El obturador es una de las partes esenciales de la cámara y dominar su uso permite lograr efectos creativos muy diversos. Este dispositivo se abre y se cierra con objeto de dejar entrar la luz al sensor. Si mantienes el obturador abierto durante un tiempo prolongado, por ejemplo dos segundos, estaremos realizando una fotografía de larga exposición. Con ello el artista captura el movimiento generando efectos de fascinante dinamismo.

Clave baja

Uno de los tipos de iluminación en fotografía que genera resultados más elegantes es el que se asocia con la técnica de clave baja. En ella el negro se convierte en el tono que domina la imagen lo que dota de un misterio y una carga emocional sobresaliente. Para conseguir un buen resultado, se necesita ser capaz de distribuir una cantidad escasa de luz de una forma estratégica para que el elemento principal quede destacado de forma sutil. Además, es fundamental trabajar con un fondo negro que facilite el contraste.

Clave alta

La luz se erige en gran protagonista en las imágenes tomadas con esta técnica. Se trata de un tipo de iluminación en fotografía especialmente utilizado en los retratos infantiles, ya que el blanco se convierte en el tono dominante generando una sensación de frescura extraordinaria. En este caso, la luz es la protagonista absoluta y lo ideal es contar con focos de iluminación continua que inunden el espacio de luz. Por otro lado, la velocidad de obturación no será rápida, por lo que lo ideal es tener la ayuda de un trípode para estabilizar la toma de la imagen.

El portfolio de fotografía es una herramienta fundamental para que los/as artistas puedan mostrar sus creaciones. Consiste en la compilación de una serie de imágenes de forma que, en conjunto, den cuenta de la combinación de estilos, técnicas y conceptos utilizados para tratar un tema determinado. La elaboración de un portfolio es fundamental para entrar en el mundo de la fotografía profesional y de autor o participar en concursos fotográficos.

La selección de imágenes para un portfolio debe responder a la (re)presentación de una idea y comunicar algo sobre el/la artista, sus habilidades y su estilo personal. Por tanto, hacer un portfolio de fotografía consiste fundamentalmente en construir una historia.

Cómo crear un portfolio de fotografía

Según la fotógrafa Sara Munari, hay que tener en cuenta una serie de pasos esenciales en la elaboración del portfolio:

1. Elección del tema
2. Elección del modo de representación
3. Edición (elección de fotos y su orden de presentación)
4. Postproducción
5. Impresión (en caso de que sea necesario, según el destino del portfolio)
6. Presentación

El portfolio de fotografía es, por tanto, una colección de imágenes. El número puede variar entre 15 y 50 dependiendo de su destino y uso posterior. A nivel comercial, hay que tener en cuenta que la selección de fotografías debe representar una idea general de las aptitudes de un/a artista con el fin de que el portfolio pueda funcionar como una propuesta para potenciales clientes. A nivel artístico, el portfolio es una sucesión de imágenes relacionadas entre sí cuya combinación comunica las habilidades de un/a autor/a a la hora de describir un hecho o un tema determinado a través del diseño e idea visual que se presenta. 

El portfolio artístico como herramienta para contar una historia

Un error común es la idea de que el portfolio debe reunir los mejores trabajos de un/a artista visual. Esto no es necesariamente así en todos los casos, sino que depende de su finalidad. Muchas veces el portfolio consiste en la combinación de una serie de fotografías sobre un tema único, lo que puede requerir mantener el mismo estilo expresivo.

Por tanto, el portfolio puede ser un conjunto homogéneo de imágenes del que emerge la capacidad expresiva, la imaginación, la técnica y el estilo del/de la fotógrafo/a. Las fotos seleccionadas para ser incluidas en un portfolio deben contar una historia y transmitir una emoción; el objetivo no es presentar las imágenes más destacadas, sino que sirvan a la narración del proyecto. Los portfolios que destaquen por su fuerza emocional y conceptual serán aquellos que obtendrán un mayor éxito.

El portfolio de fotografía digital

La fotografía digital se inscribe en el amplio contexto de la cultura digital contemporánea, con la particularidad de vincularse a la tradición de la técnica y habiendo logrado un lugar propio en la escena de las artes visuales, especialmente la llamada «fotografía de autor». El uso de las tecnologías digitales supone mucho más que una simple optimización de los procesos. Muchas de las producciones fotográficas basadas en tecnologías digitales generan nuevas relaciones entre obra y receptor desde la exploración de las potencialidades de lo digital.

Elegir el formato de un portfolio, ya sea físico (impreso o manufacturado) o digital (online u offline) depende principalmente de a quién va dirigido, los medios con los que se cuenta para su creación y distribución y el tipo de obra. Actualmente existen múltiples herramientas para desarrollar un portfolio digital offline, así como un gran número de formatos. Por otra parte, el portfolio digital online permite acciones interactivas y se abre a públicos muy diversos. Es fundamental establecer un orden visual con cada uno de los elementos integrados para facilitar el visionado. 

Ejemplos de portfolio

La Escuela Universitaria de Artes TAI convoca cada año la Beca #TAIfoto, premiando aquellos trabajos en los que predomine la creatividad y técnica en la conceptualización y registro de imágenes fotográficas. 

Descubre algunas de las muestras de portfolios de los/as ganadores/as y finalistas de la última edición de Beca #TAIfoto aquí.

REFERENCIAS

Munari, S. (2018). Il portfolio fotografico. Istruzioni imperfette per l’uso. Emuse.

Imagen del portfolio de Pilar Ordoqui, finalista de la V edición de la Beca #TAIfoto.

El reconocido fotógrafo estadounidense Emmel Govin lo dijo muy claro: “La fotografía es una herramienta para tratar con cosas, pero a las que nadie presta atención”. La fotografía es, pues, la mirada, la sensibilidad, el talento. Pero, aunque esto forme parte de la esencia de una persona, para poder convertirlo en arte es necesario conocer las técnicas y los secretos de este apasionante arte. ¿Por qué estudiar fotografía? Porque te preparará para poder dedicarte a tu pasión, para poder mostrar tu talento al mundo.   

¿Por qué estudiar fotografía?

Formarse en fotografía ofrece al estudiante la capacidad de generar una relación diferente con la imagen. Si aún dudas sobre por qué estudiar fotografía, te indicamos varias ventajas que va a tener para tu desarrollo creativo y profesional.

• Aprenderás a “escribir” historias visuales. La imagen tiene un lenguaje propio. El fotógrafo crea relatos con la capacidad de emocionar, de documentar una situación, de lograr que el espectador alcance una experiencia estética.
• Conseguirás manejarte con la tecnología. La evolución de la industria fotográfica ha sido extraordinaria en los últimos años. La digitalización ha tenido un impacto sobresaliente en la fotografía. El talento y los conocimientos técnicos siguen siendo la esencia que determina la calidad de los trabajos. Sin embargo, se abren unas posibilidades de optimización de la imagen y de resolución de posibles fallos capaces de perfeccionar la imagen original.
• Vivirás una profesión muy diversa y en la que estás en contacto con lo que ocurre fuera. Da igual la especialidad que elijas: publicitaria, paisajística, artística o retrato. Se trata de una profesión que te hará contactar con lo que sucede en el mundo.
• Interrelación con otras disciplinas artísticas. La Escuela TAI es un referente en este campo, ya que basa su método de aprendizaje en un modelo pedagógico único que se basa en la interrelación con otras disciplinas artísticas, como bellas artes, artes escénicas o música que también se imparten en la Escuela.
• Te permite emprender. A la pregunta de ¿por qué estudiar fotografía?, muchos/as profesionales responden que por la libertad. Y es que una de las fórmulas más habituales para trabajar en este campo es como freelance, trabajar a tu ritmo en función de encargos puntuales de diferentes empresas o llevar a cabo tus propios proyectos.

Mejor lugar para estudiar fotografía

Una vez que, después de preguntarte por qué estudiar fotografía, te decides a hacerlo, es el momento de elegir el centro en el que estudiar fotografía profesional. Y una de las opciones más completas es la Escuela Universitaria de las Artes TAI.

TAI cuenta con un Grado Oficial en Fotografía y Creación Audiovisual que apuesta por un aprendizaje eminentemente práctico y la participación en proyectos desde el primer momento. En sus cuatro años de aprendizaje integral, los/as estudiantes pueden estudiar fotografía, realización y postproducción de vídeo, diseño web y gestión de contenidos en entornos digitales.

Los estudios de fotografía en TAI posicionan al alumnado en un escenario diferencial. En primer lugar, por su experiencia educativa de varias décadas, con un cuerpo docente de prestigio, con profesionales en activo y la participación en proyectos de trabajo desde el primer día.

TAI se convierte también en el mejor lugar para estudiar fotografía en Madrid por la visión integral que aporta en la formación. No se trata solo de adquirir una determinada técnica para registrar la realidad, sino que se faculta a dominar la imagen de manera global, como medio de expresión artístico, cultural, comercial y social.

En los cursos de fotografía, el/la estudiante explora los recursos tecnológicos y las competencias profesionales empresariales más versátiles, competitivas e innovadoras, para integrarse en la industria fotográfica, adaptándose a un mercado global y cambiante.

Además, TAI cuenta con unas instalaciones únicas en todo Madrid, con más de 10.000 metros cuadrados en el centro de la ciudad y platós específicos para desarrollar el talento y la creatividad de los/as artistas.

Y para profundizar en los conocimientos fotográficos, TAI oferta, además, el Master Oficial Universitario en Fotografía Artística y Documental. Se trata de un proyecto pionero en España que permite al estudiante conectar con el mercado artístico y editorial presente y futuro.

Becas para estudiar fotografía

TAI ofrece facilidades para que desarrolles tu vocación. Por eso, facilita becas al talento y ayudas al estudio. Y específicamente para el área de fotografía cuenta con la Beca TAI Foto, dirigida a quienes deseen estudiar el Master Oficial en Fotografía Artística y Documental.

Las Becas de Fotografía TAI se convocan cada año. Los ganadores perciben dos becas del 100% (excluida reserva de plaza y tasas 2.781 euros) para estudiar en TAI. Con estas ayudas la escuela apoya la creatividad, la educación artística y la producción cultural, potenciando la formación en artes.   

La fotografía nace en 1839 como una combinación de arte y técnica consistente en captar un instante del tiempo que permite posteriormente ser visto, revisto e interpretado. Actualmente, la fotografía se ha consolidado como una disciplina académica, técnica, artística y profesional. Cuenta con una serie de métodos y técnicas específicas, una historia y estética propias y constituye un sector económico definido. Por tanto, decidir dónde estudiar fotografía en Madrid requiere tomar en cuenta diversos factores.

Las transformaciones sociales, culturales y tecnológicas que han afectado a la profesión en los últimos años han producido la necesidad de ampliar el horizonte de lo que entendemos por «lo fotográfico». El sincretismo cultural generado entre lo fílmico, lo fotográfico y las redes sociales, así como entre lo artístico y publicitario desde la evolución de los medios de comunicación, implica necesariamente el desarrollo de cambios esenciales en las formas de estudiar fotografía.

La importancia de la especialización en el campo de la fotografía

La oferta de las escuelas para estudiar fotografía en Madrid suele centrarse bien en la formación profesional, sin la base humanística necesaria para adquirir un conocimiento exhaustivo, estético y científico de la disciplina, o bien únicamente en la formación artística, careciendo de una base tecnológica actualizada. Más aun, la enseñanza de la fotografía en titulaciones oficiales tiene una representación mínima, por lo que aquellas personas interesadas en estudiar fotografía profesional tienen que acceder a titulaciones como Bellas Artes o Comunicación Audiovisual.

Por todo ello, la Escuela Universitaria de Artes TAI ha creado el Grado Oficial Universitario en Fotografía y Creación Audiovisual, con el objetivo de ofrecer una formación especializada que aporte un perfil profesional definido. Este grado vendría a complementar la oferta actual en estudios de fotografía en la Comunidad de Madrid, conformándose como una formación académica del más alto nivel, tanto técnico como teórico, que, además, permite acceder a estudios de master y doctorado.

Creación de imágenes y nuevas tecnologías

Los nuevos formatos y las recientes posibilidades de captura y canales de difusión obligan a una constante renovación de los estudios relacionados con la imagen y la tecnología. En consecuencia, el Grado en Fotografía y Creación Audiovisual facilita la comprensión de las necesidades más actuales en el campo de la fotografía al incorporar la creación digital como una práctica nuclear en los sistemas de formación, emisión y recepción de las imágenes, tanto fijas como en movimiento.

El momento actual que vive la fotografía requiere de nuevos/as profesionales capaces de vincular la tecnología digital, la informática y el tratamiento de imágenes. La Escuela Universitaria de Artes TAI se erige como el mejor lugar para estudiar fotografía al ofrecer una formación de referencia en enseñanzas artísticas y técnicas desde una metodología específica basada en un enfoque eminentemente práctico.

Además, la preparación artística, humanística y técnica es impartida por un equipo de docentes de reconocido prestigio profesional en la más exigente actualización tecnológica de los equipos e instalaciones de la escuela: Fab_Lab, laboratorio analógico, 175 puestos multimedia con software avanzado, etc.

Becas para estudiar fotografía

Desde su compromiso con la profesionalización de las enseñanzas artísticas, TAI ha creado la Beca TAI Foto con el fin de premiar los mejores trabajos creativos de fotógrafas/os amateurs o semiprofesionales provenientes de diversos países, fomentando tanto la visión internacional como la posibilidad de acceder a una formación especializada en el campo de la fotografía desde una mirada contemporánea e interdisciplinar.

En TAI apoyamos la iniciativa #yomequedoencasa y queremos premiar a todos esos estudiantes de artes y jóvenes talentos que aprovechan esta larga estancia en casa para dar rienda suelta a su creatividad.

#LeaveYourArtistAtHome

Un concurso de creación artística y/o audiovisual realizada en tu propio hogar.

Podrás participar con el formato que tú prefieras: Microcortos, Fotografía Doméstica, Performance, Live Music, Arte Digital, Monólogos, etc.

Bases del concurso:

– Abierto a alumnos, ex alumnos y seguidores de TAI

– Síguenos en Instagram / FaceBook / Twitter

– Sube tu propuesta con el hashtag #leaveyourartistathome y etiquétanos

– Hasta el 31 DE MARZO (inclusive)

Premios:

Ganador: Un iPad

20 Finalistas: Bufanda de ‘Let Your Artist Out’

Jurado y criterio de selección:

El jurado estará compuesto por profesionales y/o docentes TAI que valorarán la originalidad, el compromiso ciudadano y los aspectos creativos por encima de los técnicos.