1. Compositor para cine, televisión y videojuegos

La demanda de música original en medios audiovisuales es constante. Un compositor puede crear bandas sonoras que potencien la narrativa de películas, series o videojuegos. Esta salida profesional requiere dominio de herramientas digitales, conocimiento de géneros musicales y capacidad para trabajar bajo plazos ajustados.

2. Producción de jingles y publicidad

Las marcas necesitan música que conecte con su audiencia. Componer jingles o piezas publicitarias permite al compositor generar ingresos estables y diversificar su portafolio. Trabajar en este sector también fomenta la creatividad aplicada a objetivos comerciales.

3. Estudio de grabación y producción musical

Los compositores pueden integrarse en estudios de grabación, ofreciendo servicios de arreglo, mezcla o producción musical. Este entorno permite aprender nuevas técnicas, establecer contactos y acceder a proyectos variados.

4. Educación musical y talleres

Enseñar composición, teoría musical o producción es una salida profesional estable. Los compositores pueden dar clases presenciales, en academias o plataformas online. Esta opción combina pasión por la música con desarrollo de habilidades pedagógicas. Además puedes formarte con el grado en composición musical

5. Proyectos independientes y emprendimiento

Cada vez más compositores optan por crear su propio estudio, lanzar música en plataformas digitales o colaborar con artistas independientes. Esto requiere conocimientos de marketing digital, redes sociales y monetización de contenido musical.

Descubre:

Cuales son los elementos de las música

Consejos para mejorar la empleabilidad como compositor

• Especialización: Define un área de expertise (cine, videojuegos, publicidad).
• Portafolio digital: Muestra tus trabajos en plataformas como SoundCloud, YouTube o tu web profesional.
• Red de contactos: Colabora con productores, directores y otros músicos.
• Formación continua: Aprende software musical, técnicas de producción y tendencias del mercado.
• Visibilidad online: Mantén perfiles activos en redes y plataformas de música profesional.

Barry B 

Con un sonido que mezcla pop, rap y electrónica, Barry B se ha convertido en una de las voces más versátiles del panorama urbano español, destacando por sus letras introspectivas y ritmos pegadizos que conectan con jóvenes y adultos.

José Carlos Naranjo 

Su pintura figurativa combina el realismo con un estilo poético y emocional. Naranjo ha conquistado espacios de arte contemporáneo en España, mostrando escenas cotidianas cargadas de sensibilidad y color.

Begut

Begut fusiona pop alternativo con toques electrónicos, construyendo atmósferas sonoras envolventes. Su capacidad para crear melodías pegadizas y letras honestas la hace destacar en la nueva generación de artistas indie.

Imon Boy

Grafiti, murales y pintura urbana caracterizan su obra, que combina crítica social y estética urbana contemporánea. Sus piezas se han expuesto tanto en España como en Londres, consolidándolo como referente del arte callejero emergente.

Vera GRV 

Vera GRV mezcla pop urbano con texturas electrónicas y toques experimentales. Su estilo fresco y emocional ha captado la atención de críticos y públicos jóvenes, destacando por su personalidad artística y estética audiovisual única.

Cristina Lama

Su obra combina pintura poética y narrativa visual, donde lo íntimo y lo universal se encuentran. Lama utiliza el color y la forma para crear atmósferas sugerentes, mostrando emociones profundas en cada lienzo.

céro

céro, nombre artístico de César Rodríguez, es un cantante y compositor sevillano que ha irrumpido en la escena musical española con su estilo único que fusiona pop urbano, trap y electrónica. Su gran salto llegó con el éxito viral «Lady MadrizZz», un himno que acumula más de 10 millones de reproducciones en redes sociales y ha conquistado a la Generación Z. 

Rubén Guerrero

Guerrero trabaja con abstracción geométrica y color intensa, creando composiciones que transmiten energía y dinamismo. Su obra ha sido reconocida en exposiciones nacionales e internacionales.

LUSILLON 

Su pop íntimo y melódico combina letras personales con melodías atmosféricas. Lusillon destaca por su autenticidad y la capacidad de transmitir emociones profundas a través de su música.

Secundino Hernández 

Combinando tradición y vanguardia, Hernández crea piezas que dialogan con la historia del arte español y la contemporaneidad, explorando la luz y la textura en composiciones innovadoras.

Sÿn

Banda de post‑punk andaluza que destaca por sus guitarras enérgicas, letras introspectivas y atmósferas oscuras. Sÿn ha revitalizado la escena alternativa española con su sonido fresco y potente en directo. Escúchalos aquí.

Julio Linares

Su trabajo muestra pinturas vibrantes en las que plasma su propio imaginario y con las que representa escenas cotidianas protagonizadas por figuras, en su mayoría animales. Son lienzos de colores intensos, a veces incluso fluorescentes, en las que la fuerza de la naturaleza está muy presente. 

Mafalda Cardenal

Mafalda Cardenal es una artista emergente que mezcla pop, indie y electrónica ligera con letras introspectivas y melodías pegadizas, conquistando escenarios y plataformas digitales con su estilo auténtico.

Ampparito

Ampparito es un artista español residente en Madrid. Despliega su trabajo principalmente en gran formato, interviniendo sobre murales alrededor del mundo con brocha y pintura acrílica. En paralelo desarrolla instalaciones urbanas y trabajos de taller cargadas de ironía, humor y crítica social.  

Descubre:

Guía completa para una carrera en las artes escénicas

Vangoura

Vangoura es un dúo formado por Miguel Figueras e Ignacio Alarcón, originarios de Madrid, cuya música combina la innovación de sonidos vanguardistas con notas clásicas del pop. 

Federico Miró

Federico Miró es un pintor español cuya obra representa paisajes naturales a través de una técnica que evoca el arte textil, sugiriendo la textura de tejidos entrelazados y patrones que pertenecen a otra época.

Ralphie Choo 

Psicodelia flamenca-electrónica con una propuesta visual y sonora impactante. Ralphie Choo combina tradición y experimentación creando un sonido único y sugerente.

Francesc Rosselló 

Leo Rizzi 

                                                        Cantautor con un estilo emotivo y melódico que combina influencias del pop y el folk. Su voz y composiciones han generado una conexión genuina con el público.

Carlos Blanco Artero 

Combina figuración y abstracción en obras de gran fuerza visual, con exposiciones internacionales y creciente reconocimiento en el panorama contemporáneo español.

 

Crear banda sonora implica traducir emociones e ideas visuales en música narrativa. Es un proceso que combina arte, técnica y sensibilidad cinematográfica para aportar significado y profundidad a cada escena. Saber cómo componer una banda sonora permite crear experiencias inolvidables para el espectador.

¿Qué es una banda sonora y por qué es esencial?

Una banda sonora no es solo música de fondo. Es un elemento narrativo clave que guía al espectador emocionalmente, refuerza el ambiente y define el ritmo de la historia. Desde las notas inquietantes en una escena de suspenso hasta una melodía épica en una batalla, la música potencia la experiencia audiovisual de forma única.

¿Cómo se empieza a crear una banda sonora?

El proceso de crear banda sonora inicia con el análisis profundo del material audiovisual. Esto incluye leer el guion, observar las escenas clave y entender la visión del director. El compositor debe absorber los matices emocionales del proyecto y comenzar a pensar en cómo representarlos musicalmente.

Fases del proceso de composición musical para audiovisuales

A continuación, te mostramos las fases más comunes para saber cómo componer una banda sonora de manera profesional:

1. Briefing creativo: Reunión con el director o productor para comprender el estilo deseado, referencias musicales y el mensaje emocional de la obra.
2. Spotting session: Visualización conjunta del material para decidir dónde debe ir música, qué tipo de música y cuánto debe durar cada sección.
3. Diseño de motivos y leitmotivs: Composición de temas musicales que representen personajes, lugares o emociones recurrentes.
4. Maquetación y demos: Creación de bocetos musicales en software de producción antes de grabar con instrumentos reales o digitales.
5. Orquestación: Si el proyecto lo requiere, se distribuyen los temas entre diferentes instrumentos de una orquesta virtual o real.
6. Grabación y edición: Registro de los instrumentos, ya sea mediante MIDI, librerías de sonido o músicos en vivo.
7. Mezcla y masterización: Procesamiento técnico para que la música suene equilibrada, clara y lista para integrarse con los efectos de sonido y diálogos.

¿Qué habilidades y herramientas necesitas para componer una banda sonora?

El compositor debe tener dominio musical, creatividad, sensibilidad narrativa y conocimientos técnicos. También es fundamental estar familiarizado con herramientas digitales como DAWs (Logic Pro, Cubase, Ableton Live), librerías de instrumentos virtuales (Kontakt, Spitfire Audio), y sincronización con vídeo.

Además, comprender los elementos de la música como ritmo, armonía, textura y timbre es vital para construir una banda sonora coherente y emocionalmente efectiva.

Tipos de bandas sonoras

Cuando se habla de crear banda sonora, no se limita solo a películas. También se compone música para:

• Videojuegos: Música interactiva y adaptativa según el comportamiento del jugador.
• Series de televisión: Temas recurrentes y ambientes que evolucionan capítulo a capítulo.
• Documentales: Música sutil que refuerza el mensaje informativo o emotivo.
• Publicidad: Composición rápida, directa y emocionalmente efectiva.

Ejemplo práctico: así se crea una banda sonora

En este video se muestra cómo es el proceso profesional de composición para cine. Desde la creación de los primeros acordes hasta la mezcla final:

Consejos para quienes quieren aprender a componer música para cine

• Escucha bandas sonoras clásicas y analiza cómo se integran con la imagen.
• Practica componiendo para cortometrajes o escenas sin música.
• Aprende sobre teoría musical, armonía y orquestación.
• Desarrolla tu oído crítico: detecta cuándo una escena necesita música y cuándo el silencio es más poderoso.
• Colabora con cineastas independientes para adquirir experiencia real.

La creación de una banda sonora es un arte complejo y apasionante. Requiere no solo saber cómo componer una banda sonora, sino también conectar emocionalmente con la historia que se quiere contar. Ya sea que trabajes con una gran orquesta o en tu propio estudio casero, lo importante es transmitir emoción y reforzar la narrativa visual a través del poder del sonido.

Los elementos de la música son las bases que permiten crear y entender cualquier obra sonora. 

Cuando escuchamos música, solemos centrarnos en la emoción que nos transmite o en el recuerdo que evoca. Pero ¿qué convierte una sucesión de sonidos en una verdadera obra musical? La respuesta está en la interacción de tres pilares esenciales: ritmo, melodía y armonía.

Este artículo explora a fondo estos elementos que transforman el sonido en arte, ofreciendo un enfoque claro y pedagógico.

Descubre:

Cómo mejorar tu oído musical

Cómo crear una banda sonora

¿Qué es una carrera musical?

Una carrera musical abarca todas las actividades profesionales que giran en torno al arte de la música. Esto incluye desde ser intérprete en una orquesta, productor en un estudio, hasta compositor para cine o videojuegos. Es un campo amplio, apasionante y en constante evolución. La industria musical ofrece oportunidades únicas, pero también exige preparación, habilidades técnicas, sensibilidad artística y una red de contactos sólida.

1. ¿Por qué elegir una carrera musical?

La música no solo es arte, es comunicación, es industria, y es cultura. Elegir una carrera musical es decidir vivir de tu pasión. Algunos de los beneficios de optar por este camino incluyen:

• Posibilidad de expresión personal.

• Diversas salidas profesionales.

• Flexibilidad laboral.

• Contacto constante con la creatividad.

No obstante, una carrera en este campo requiere formación especializada. Muchos estudiantes comienzan investigando programas para estudiar música, una base fundamental para desarrollarse técnica y profesionalmente.

2. Tipos de carrera musical: elige tu camino

Cada músico es único, y por lo tanto, su carrera musical también lo es. Aquí te mostramos las principales ramas que puedes elegir según tus intereses y habilidades:

Carrera de composición musical

Si disfrutas crear nuevas obras, jugar con armonías y explorar emociones a través del sonido, una carrera de composición musical puede ser ideal para ti. Como compositor/a puedes trabajar en:

• Bandas sonoras para cine y videojuegos.

• Música contemporánea o experimental.

• Composición para intérpretes y orquestas.

Estudiar composición te permitirá dominar teoría musical avanzada, orquestación y software especializado.

Carrera de producción musical

La carrera de producción musical está hecha para quienes desean trabajar detrás de bambalinas, dando forma al sonido de otros artistas o desarrollando sus propias creaciones en estudio. Un productor musical debe:

• Conocer a fondo los DAWs (Digital Audio Workstations).

• Tener buen oído y criterio artístico.

• Coordinar aspectos técnicos y creativos de una grabación.

Es una carrera versátil, con aplicaciones en radio, publicidad, cine y música comercial.

Carrera de interpretación musical

La carrera de interpretación musical está enfocada en quienes desean dominar un instrumento o el canto, y presentarse ante el público. Los intérpretes pueden trabajar como:

• Solistas.

• Miembros de una orquesta.

• Músicos de sesión.

• Artistas de giras.

Aquí la técnica, el carisma escénico y la constancia en la práctica diaria son esenciales para destacar.

3. Formación: el primer gran paso

Cualquiera que sea tu elección dentro de la carrera musical, una formación profesional sólida marcará la diferencia. Al estudiar música, no solo adquieres conocimientos técnicos, sino también experiencias, mentoría y acceso a una red de contactos y profesionales que pueden impulsarte en tu camino.

4. Habilidades clave para una carrera musical exitosa

Desarrollar una carrera musical implica más que talento. Requiere una combinación de habilidades duras y blandas, como:

• Técnica musical: Dominio de instrumento, voz, software o teoría según tu especialidad.

• Disciplina: Horas de estudio, ensayo y perfeccionamiento.

• Capacidad de trabajo en equipo: Especialmente en proyectos colectivos o colaborativos.

• Marketing personal: Saber promocionarte en redes y construir una imagen profesional.

• Resiliencia: Aprender de las críticas y rechazos, y seguir avanzando.

5. Construyendo tu portafolio y red profesional

En la carrera musical, el talento se potencia cuando va acompañado de visibilidad. Aquí te dejamos algunas estrategias:

• Graba y comparte tu trabajo en plataformas como YouTube, SoundCloud o Bandcamp.

• Participa en concursos, festivales y jam sessions.

• Crea un sitio web o un perfil profesional donde muestres tu trayectoria y servicios.

• Conecta con otros músicos, productores y agentes.

La creación de un portafolio sólido te abrirá puertas a proyectos, contratos y colaboraciones que podrían transformar tu carrera.

6. Salidas profesionales dentro de la carrera musical

La música tiene múltiples nichos profesionales. Algunos roles que puedes ocupar dentro de una carrera musical incluyen:

• Compositor/a independiente o por encargo.

• Productor/a de estudio o de espectáculos.

• Intérprete en eventos, bandas o compañías artísticas.

• Docente en escuelas o academias musicales.

• Editor/a musical o arreglista.

Además, puedes combinar varias ramas: ser intérprete y productor, por ejemplo, o componer y dar clases.

7. Retos y cómo superarlos

No todo es sencillo en una carrera musical. Algunos desafíos frecuentes incluyen:

• Inestabilidad económica al inicio.

• Competencia elevada.

• Fatiga creativa.

Sin embargo, con pasión, estrategia y formación, estos retos pueden convertirse en oportunidades de crecimiento. Invertir tiempo en estudiar música con instituciones reconocidas te proporcionará herramientas para sortear los obstáculos del camino.

8. Tendencias actuales en la carrera musical

La tecnología y los nuevos formatos han transformado la carrera musical. Hoy más que nunca, los músicos deben estar al tanto de:

• Inteligencia Artificial y su uso en composición.

• Streaming y monetización digital.

• NFTs musicales.

• Producción casera de alta calidad.

Adaptarte a estas tendencias no solo te hará más competitivo, sino que te permitirá innovar en tu propuesta artística.

Conclusión

Una carrera musical puede ser uno de los caminos más apasionantes y enriquecedores que puedes elegir. Ya sea que optes por una carrera de composición musical, una carrera de producción musical o una carrera de interpretación musical, la clave del éxito está en prepararte bien, construir una red de apoyo y no abandonar tu pasión. Comienza hoy mismo a estudiar música en instituciones que potencien tu talento y te ayuden a alcanzar tus metas.

La importancia de la postproducción de audio

La postproducción de audio es la fase donde los elementos grabados se refinan y se ajustan para obtener una calidad sonora óptima. Aquí es donde entra la mezcla de audios. Sin una buena postproducción, incluso las mejores grabaciones pueden sonar desordenadas o fuera de lugar. En esta etapa, se ajustan los niveles, se aplican efectos, se hacen ecualizaciones y se busca un balance perfecto entre las diferentes pistas.

¿Cómo mezclar pistas de audio?

Para mezclar pistas de audio, es necesario tener en cuenta varios aspectos técnicos. Primero, es fundamental organizar las pistas en tu estación de trabajo, separando las grabaciones por grupos (batería, voz, guitarras, etc.). Luego, comienza ajustando los niveles de volumen, asegurándote de que cada pista tenga su espacio en la mezcla sin sobresaturar o ahogar a las demás.

El siguiente paso es aplicar ecualización (EQ) para mejorar las frecuencias de cada pista y evitar que se solapen. También puedes agregar efectos como reverberación o delay para darle un toque profesional a tu mezcla.

Mesa de mezclas con interfaz de audio

Una mesa de mezclas con interfaz de audio es una herramienta esencial para quienes buscan realizar mezclas de alta calidad. Estas mesas permiten ajustar cada pista de manera individual, controlar la ganancia y aplicar efectos en tiempo real. Si estás buscando optimizar tu flujo de trabajo, una interfaz de audio con mesa de mezclas integrada puede ser una inversión inteligente, ya que facilita tanto la grabación como la mezcla de audios.

El mejor programa para mezclar pistas de audio

Existen muchos programas para mezclar pistas de audio, y la elección del adecuado depende de tus necesidades y presupuesto. Algunas opciones populares incluyen Ableton Live, Pro Tools, Logic Pro X y FL Studio. Cada uno de estos programas ofrece herramientas potentes para mezclar, editar y masterizar tus pistas de forma eficiente. Si eres principiante, es recomendable optar por programas que sean fáciles de usar, pero con suficientes características para realizar mezclas profesionales.

Errores comunes en la mezcla de audio

Al realizar una mezcla de audio, es fácil cometer algunos errores que pueden afectar la calidad final de tu trabajo. Aquí te mencionamos algunos de los más comunes:

• No equilibrar bien los niveles: una mezcla puede sonar desordenada si algunos elementos son demasiado fuertes y otros demasiado débiles.
• Usar demasiados efectos: es fácil caer en la tentación de usar demasiados efectos, lo que puede hacer que la mezcla se vuelva confusa.
• Olvidar la panoramización: no distribuir adecuadamente las pistas en el campo estéreo puede hacer que la mezcla suene plana y poco interesante.
• No tener en cuenta el espacio acústico: las frecuencias de los instrumentos pueden competir entre sí, creando una mezcla cargada y poco clara.

Recursos para mejorar tu mezcla de audio

Para lograr una mezcla perfecta, es fundamental contar con un home studio bien equipado. Si aún no tienes el tuyo, te recomendamos visitar nuestro artículo sobre cómo hacer un home studio para obtener recomendaciones sobre el equipo y la configuración adecuada para empezar.

En resumen, la mezcla de audios es una habilidad que mejora con la práctica y el uso de las herramientas correctas. Al evitar los errores comunes y utilizar una mesa de mezclas con interfaz de audio o un buen programa para mezclar pistas de audio, podrás conseguir resultados profesionales que cautivarán a tu audiencia. ¡No olvides experimentar y disfrutar del proceso creativo!

¿Qué es la industria musical?

La industria musical engloba una amplia variedad de actividades relacionadas con la música, desde la producción hasta la distribución. En sus inicios, la industria musical se centraba principalmente en el formato físico de la música (discos, casetes, CDs), pero con la llegada de internet y las plataformas de streaming, el negocio de la música ha dado un giro radical. Hoy en día, el acceso a la música es instantáneo y global, lo que abre una multitud de oportunidades tanto para los creadores como para los profesionales que trabajan en la industria.

¿Cómo funciona la industria de la música en la era digital?

La transición a lo digital ha transformado la industria musical, permitiendo una mayor conectividad entre los artistas y sus audiencias. El streaming ha reemplazado a las ventas de discos, y servicios como Spotify, Apple Music y YouTube se han convertido en los principales canales de distribución. En este contexto, la música se consume de manera más inmediata y global, lo que ofrece a los artistas un alcance masivo.

Además, las redes sociales juegan un papel crucial en la promoción y el marketing de los artistas. Plataformas como Instagram, TikTok y Twitter permiten a los músicos interactuar directamente con sus fans, construir una comunidad leal y hacer crecer su base de seguidores.

Pero la digitalización también ha traído nuevos desafíos, como la monetización adecuada de la música y la competencia feroz por la atención del público. Es por esto que entender cómo funciona la industria musical en la era digital es clave para cualquier profesional que quiera tener éxito en este campo.

¿Qué necesitas para integrarte en la industria musical?

Si te preguntas cómo empezar en la industria musical, la respuesta es clara: formación. Conocer los entresijos de la industria, desde la producción musical hasta la gestión de derechos de autor, es fundamental para tener éxito en este entorno competitivo. Además, la industria musical no solo está reservada para los músicos, sino que también ofrece múltiples oportunidades en áreas como la producción, la distribución, el marketing, la gestión de eventos y más.

Para integrarte de forma efectiva en este sector, una formación especializada puede marcar la diferencia. Estudiar industria musical te proporcionará las herramientas y conocimientos necesarios para comprender cómo funciona el negocio de la música y cómo desempeñarte de manera exitosa en diversas áreas.

En este sentido, programas como el Bootcamp Music Business y el Máster en Music Business en TAI son ideales para aquellos que desean formarse en este sector. Estos programas están diseñados para ofrecer una educación completa en la gestión de la música, abordando temas como la producción, el marketing digital, la negociación de contratos, y mucho más.

¿Cómo triunfar en la industria musical?

Triunfar en la industria musical requiere una combinación de talento, trabajo duro y, por supuesto, una buena dosis de conocimiento sobre el negocio. Ya seas un artista que busca hacerse un nombre o un profesional que desea gestionar carreras musicales, entender las estrategias de marketing digital, las oportunidades de distribución y la evolución de los derechos de autor es esencial.

Una de las claves para triunfar en la música hoy en día es aprovechar las plataformas digitales para llegar a un público más amplio, mantener una presencia constante en redes sociales y, sobre todo, ser auténtico y creativo en el proceso. A medida que la industria sigue evolucionando, los profesionales que estén preparados y actualizados con las últimas tendencias tendrán mayores oportunidades de destacar.

Empleo en la industria musical: ¿Qué oportunidades existen?

La industria musical no solo está compuesta por músicos, sino también por un amplio ecosistema de profesionales que incluyen productores, ingenieros de sonido, diseñadores gráficos, agentes de marketing, promotores y gerentes de artistas. Las oportunidades de empleo son variadas y, con la formación adecuada, puedes encontrar el puesto ideal para ti. Algunas de las principales áreas de trabajo incluyen:

1. Gestión de artistas: Ayudar a los músicos a navegar por su carrera, gestionar contratos, promocionar su música y organizar sus giras.
2. Producción musical: Trabajar en estudios de grabación y colaborar en la creación y producción de música.
3. Marketing digital: Desarrollar estrategias para promocionar a los artistas en plataformas de streaming y redes sociales.
4. Distribución y licencias: Gestionar la distribución de música y asegurar que los derechos de autor estén protegidos.

Conclusión

La industria musical está más viva que nunca, pero ha cambiado drásticamente en la era digital. Para integrarte y tener éxito en este sector, es esencial contar con la formación adecuada. Estudiar en instituciones especializadas como TAI, que ofrece programas como el Máster en Music Business, te brindará las herramientas y conocimientos necesarios para sobresalir en este dinámico mundo.

Si te apasiona la música y quieres saber cómo empezar en la industria musical, no dudes en dar el primer paso formándote con expertos y adquiriendo las competencias necesarias para destacar. La industria musical es un campo lleno de oportunidades, y con la preparación adecuada, puedes ser parte de su emocionante futuro.

¡Haz crecer tu carrera en la industria musical con TAI!

Este acuerdo representa un hito significativo para la historia de TAI y el área académica de Música, abriendo puertas a oportunidades excepcionales para alumnado, a los que se les brindará un billete de ida para formarse en un entorno de aprendizaje multidisciplinar con múltiples salidas profesionales.

Con este master colaborativo en Producción Musical, los estudiantes podrán acceder a dos becas formativas para profesionalizar su talento en la industria musical junto a TAI, Sony Publishing y MercaderLab.

Los alumnos y alumnas que presenten los mejores proyectos finales tendrán la oportunidad de grabar su proyecto con la prestigiosa productora MercaderLab y firmar un contrato editorial con Sony Publishing. 

Esta alianza representa mucho más que un simple acuerdo entre instituciones, es una oportunidad única para crear redes de networking con la industria musical y promocionar el talento de jóvenes TAI.

Sony Music Publishing es la editorial musical más grande del mundo, con más de cinco millones de canciones en su propiedad y el hogar de los mejores compositores internacionales: C.Tangana, Olivia Rodrigo, Rozalén, Rels B, LOVG, Tame Impala, Estopa, Beyoncé, Calvin Harris, Ed Sheeran, Pharrell, entre otros.

]]> https://taiarts.com/blog/instrumentos-orquesta-sinfonica/ Tue, 14 May 2024 09:57:07 +0000 https://taiarts.com/?p=118541 Continued]]> Seguramente más de una vez te has preguntado ¿cómo se colocan los instrumentos en una orquesta sinfónica? o ¿cómo se logra la armonía entre los diferentes sonidos que componen una obra?

Detrás de cada actuación hay una cuidadosa colocación de los instrumentos que influye en la interpretación musical y en la experiencia de los espectadores. A lo largo de este blog descubrirás cómo se organizan los instrumentos de una orquesta sinfónica en el espacio físico y cómo esta disposición influye en la percepción final del sonido.

Grupos de instrumentos de una orquesta sinfónica 

«En una orquesta sinfónica, cada instrumento es como una voz individual, pero juntos crean una armonía sublime.» Leonard Bernstein, compositor, pianista y director de orquesta.

En una orquesta sinfónica están presentes diferentes familias de instrumentos que podríamos clasificar en: instrumentos de cuerda, viento metal, viento madera y percusión. Cada una de estas secciones cuenta con un lugar específico en el escenario y desempeña un papel crucial en la creación del sonido.

Familia de cuerda

Este grupo de instrumentos está compuesto por el violín, la viola, el violonchelo, el contrabajo, y el piano y arpa si lo requiere la orquesta. La familia de cuerda constituye la columna vertebral del grupo, siendo la base melódica y armónica de la composición musical.

Familia de viento madera

Los instrumentos de este grupo aportan una gran variedad de colores y texturas al sonido, consiguiendo adornos y efectos que enriquecen la melodía. En la familia de viento madera encontramos las flautas, oboes, clarinetes y fagots. 

Familia de viento metal

Los instrumentos musicales que conforman esta familia son las trompetas, trombones, trompas y tubas. Dentro de la orquesta sinfónica, este grupo aporta brillo, fuerza y profundidad a la melodía, creando una experiencia auditiva muy rica.

Percusión

Los timbales, platillos, tambores, xilófonos y marimbas forman parte de esta sección de instrumentos musicales, proporcionando ritmo a la composición. La percusión ayuda a acentuar las emociones de la melodía y añadir dinamismo y textura a la obra.

Colocación de lo instrumentos de la orquesta sinfónica

Los instrumentos de la orquesta sinfónica se distribuyen en el escenario en forma de semicírculo. El director se sitúa en el centro, encargándose de guiar y coordinar el espectáculo.

“Al dirigir una orquesta o un coro, la armonía entre las personas es no menos importante que la armonía entre los sonidos” Juan María Solare, compositor y pianista.

Primero las cuerdas

En primer lugar, encontramos las cuerdas, situadas en la parte central y delantera del escenario. Violines, violas, violonchelos y contrabajos se sitúan de izquierda a derecha respectivamente.

Después el viento

En segundo lugar y situados detrás de la sección de cuerda, se sitúan los instrumentos de viento madera. Generalmente se ubican en un nivel ligeramente elevado a la familia de cuerda para garantizar una mejor proyección del sonido.

El viento metal se ubica también detrás de las cuerdas, pero en el lado opuesto a la sección de viento madera. Esto ayuda a equilibrar mejor el sonido de los vientos, permitiendo su distribución uniforme en el auditorio.

Por último la percusión

Por último, encontramos la percusión, ubicada en la parte trasera y central del escenario. Estos instrumentos musicales se colocan detrás del viento y madera para facilitar su acceso y coordinación con el resto de la orquesta.

¿Por qué se colocan así los instrumentos de la orquesta sinfónica?

Esta disposición de los instrumentos musicales en el escenario responde a una serie de cuestiones que influyen directamente en la experiencia de los espectadores durante el concierto: 

1. Balance del sonido

 La colocación de los instrumentos por secciones específicas permite un balance del sonido adecuado. Por ejemplo, los instrumentos de metal se ubican en la parte trasera para que su volumen se equilibre con el de los instrumentos más suaves como las cuerdas.

2. Visibilidad

 La disposición semicircular posibilita que todos los músicos puedan observar al director de orquesta, garantizando la sincronización y coordinación entre las diferentes secciones de instrumentos.

3. Comunicación musical

Esta colocación facilita la comunicación entre músicos. Los instrumentos de una misma familia suelen colocarse juntos para que puedan escucharse y responderse con facilidad.

4. Acústica del espacio

La manera en la que se distribuyen los instrumentos a lo largo del escenario influye en la acústica del espacio y en la experiencia del usuario. Por ello, la ubicación por secciones y en semicírculo permite que el sonido se proyecte de forma efectiva hacia el público y que los músicos puedan escucharse entre sí con claridad.

Estudia música en TAI y explora desde dentro el funcionamiento de una orquesta sinfónica

En el grado de composición musical de TAI podrás aprender las características de los diferentes instrumentos de una orquesta sinfónica junto a los mejores expertos de la industria. Durante el grado formativo conocerás las diferentes técnicas orquestales, explorando los métodos compositivos de las melodías sinfónicas. 

Nuestro compromiso con la empleabilidad y la calidad académica ha permitido que nuestros alumnos y alumnas de cuarto grado de composición musical hayan podido componer, ensayar y actuar junto a la Orquestra Metropolitana de Madrid, poniendo el broche final a su etapa formativa con un emocionante concierto final.

¡Descubre todo los detalles de esta actuación y no te pierdas las últimas novedades en nuestro blog!

Formarte en arte a nivel universitario es una experiencia transformadora que te va a permitir explorar tus talentos, mientras adquieres la práctica y las habilidades necesarias para desarrollarte como artista profesional. En TAI podrás estudiar en un ambiente creativo y estimulante que te ayudará a desarrollar tu potencial de la mano de los mejores docentes y profesionales de la industria.

Descubre los grados universitarios de arte de TAI

¿Crees que tu futuro está en las artes? Descubre los grados universitarios de artes TAI y especialízate en Cine, Fotografía, Bellas Artes, Artes Escénicas o Música.

¡Te contamos todo de cada uno de ellos!

Grado en Cinematografía

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En este grado oficial aprenderás el funcionamiento completo de una producción a través de una metodología por proyectos y rotación de puestos. Así podrás especializarte en lo que más te gusta: dirección de fotografía y cámara, guion y dirección, postproducción de imagen y creación sonora o producción y diseño de producción.

Realizarás proyectos en platós profesionales y trabajarás con los softwares, cámaras y equipos de iluminación más utilizados en la industria. 

¡Estudia en TAI este grado de arte y fórmate con los mejores docentes y artistas del sector!

Grado en Música

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En este grado de arte aprenderás a desenvolverte en los diferentes ámbitos de la composición musical como bandas sonoras para cine, TV, videojuegos, música urbana o comunicación corporativa.

Además, podrás convertir tus ideas en proyectos concretos y reales de la mano de un equipo de docentes y artistas con una gran trayectoria en la industria.

¡Estudia el Grado en Composición Musical en TAI y desarrolla tu creatividad y talento musical!

Grado en Interpretación

Conviértete en un/a artista multidisciplinar con este grado oficial en Artes escénicas. A través de un programa versátil, innovador y práctico no solo aprenderás a trabajar en rodajes reales como intérprete, sino también como creador/a de contenido de espectáculos propios.

De la mano de los mejores artistas y docentes, interpretarás personajes dentro de diferentes códigos y estilos y adquirirás los conocimientos y técnicas para liderar tus propios proyectos.

¡Estudia Artes Escénicas en TAI y avanza en tu carrera profesional como artista!

Grado en Bellas artes

Con este grado universitario en Bellas Artes construirás tu propia identidad como artista, desarrollando proyectos profesionales de máxima calidad. Durante el programa formativo ampliarás tus competencias en todas las áreas de la creación artística como el diseño, la ilustración  o el diseño audiovisual.

Prepárate para el mundo de las industrias digitales y creativas de la actualidad e incorpórate al mundo laboral con las dos titulaciones que incluye este grado: Grado Universitario Oficial en Bellas Artes y una Diplomatura en Diseño Digital y 3D.

¡Estudia este grado universitario y conviértete en un profesional de la creación artística contemporánea!

Grado en Fotografía

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Con este grado oficial adquirirás una formación completa y práctica adaptada a los nuevos formatos y demandas de la industria. Podrás manejar los flujos de trabajo de la creación audiovisual en proyectos reales para dirigir la imagen en agencias, medios o cualquier institución.

Aplicarás todos los conocimientos teóricos trabajando en producciones y creaciones interdisciplinares con profesionales del sector. 

¡Estudia este grado de arte en TAI y explora tu potencial en el mundo de la fotografía!

«Portu», como lo conocen en la industria, comenzó su andadura en este mundo a raíz de la oportunidad de ser integrante de una de las bandas más populares de los años 90, Modestia Aparte.

Actualmente es director artístico, dedica su tiempo, entre otras cosas, a la gestión de artistas número uno en ventas siendo A&R discográfico y editorial en un sector en constante cambio.

Portu visita TAI en el marco de las jornadas de «Pasar a la acción» y hemos hablado con él de lo que implica dedicarse a su pasión: la música.

En TAI siempre incidimos en la importancia de que los jóvenes estudien lo que realmente les gusta. En tu caso estudiaste Derecho y acabaste haciendo algo totalmente diferente. ¿Cómo acabaste dedicándote a lo que, suponemos, es tu verdadera pasión?

Cuando yo empecé a trabajar en la industria (finales del 97, principios del 98) no había carrera ni formación reglada en España para dedicarse a trabajar en la industria del disco. Ni siquiera los presidentes o directores generales de los sellos discográficos habían estudiado: había gente que venía del marketing, de la comunicación…

En mi caso venía de estudiar Derecho, había tenido una banda de música, hablaba idiomas, tenía disponibilidad, era joven, no quería horarios para trabajar y toda esa amalgama de circunstancias hizo que resultara ideal para empezar como A&R junior en un departamento de una editorial…y desde entonces hasta hoy. Ya han pasado unos cuantos años.

¿Cuál ha sido el secreto para poder compaginarlo todo? ser músico, A&R…

Realmente hay muchas más maneras de aprovechar las horas del día de las que nos pensamos: si consigues que parte de tu tiempo libre lo puedas dedicar a algo que también te apasiona y te divierte ; y eso que haces en ese tiempo libre que tiene el resto de la gente acaba convirtiéndose en un complemento de tu profesión, no estás desesperado ni estresado, porque simplemente estás convirtiendo parte de tu tiempo libre esencial en algo que, pasados unos años, va a poder reportarte unos ingresos.

Y ese fue mi caso. Yo podía seguir dedicándome a la música pero además dedicarle tiempo a trabajar en la industria, y también estar en una escuela de doblaje, hacer locución, seguir tocando con mi grupo…Realmente hay horas para todo, no es tan complicado. 

Eres un profesional multifacético: te dedicas también a la producción, el doblaje, la locución…esto es algo que en TAI siempre abanderamos, hacer proyectos interdisciplinares para que todos hagan diversas funciones dentro de una producción artística y roten los puestos. ¿Cómo te ha ayudado a ti diversificar tus aptitudes y talentos en tu trayectoria?¿Crees que es algo positivo, o por el contrario es mejor apostarlo todo a una carta?

Yo soy eminentemente multidisciplinar y creo que, para mi labor profesional, el trabajo con artistas es muy transversal. Los artistas saben si has estado en un estudio de grabación, si sabes la diferencia entre un mix y un master. Pero además, si a eso le sumas que tienes habilidades de comunicación, en mi caso, que has estudiado Derecho y sabes cómo interpretar un contrato, lo adaptas a la propiedad intelectual, contratos de derechos fonográficos…

Al final todo este tipo de saberes conforman un perfil profesional que en mi caso es el del A&R y que viene muy bien tener. A lo mejor si solo te vas a dedicar al marketing, puedes ser experto en marketing y con eso te basta. En la profesión que yo desarrollo quizá solo una de las cosas que hubiera hecho no habría bastado. Es necesario conformar un perfil profesional a partir de estas tres o cuatro disciplinas y creo que, en mi caso, ha sido positivo.

El negocio de la música ha cambiado mucho desde tus inicios, ¿cómo ves el futuro de las nuevas generaciones? 

No es que haya cambiado mucho, el negocio de la música está cambiando constantemente. El negocio de la música en el que yo trabajo ahora tiene poco que ver con el que existía cuando empecé a trabajar en BMG en 1997. Y yo cada día me levanto y tengo que aprender algo nuevo: surge una nueva herramienta digital de análisis de streams que ayer no existía y hoy sí, y de repente, se convierte en referente para saber en qué te tienes que fijar. Así que es un proceso de aprendizaje constante.

Y de hecho creo que es muy bueno para la gente que nos dedicamos a impartir formación sobre la industria de la música que seamos profesionales en activo, porque si no corres el riesgo de contar cómo era la industria cuando tú trabajabas en ella y es algo que no le va a servir de nada a los alumnos de las nuevas generaciones.

¿Qué busca la industria musical en los artistas hoy en día?

Yo soy músico, si supiera lo que hay que hacer para vender un millón de copias, ¡anda que iba a ser A&R! Entonces la verdad es que no lo sé. En contra de lo que piensa la gente, la industria no marca los gustos de la gente. Quizá hubo una época en la que sí, no lo sé, no la viví. Pero hoy día la industria persigue lo que la gente ya está escuchando. Con la democratización de las plataformas digitales, con la posibilidad que existe hoy día realmente de que un chaval con un portátil en Huelva suene en la misma playlist entre Madonna y Michael Jackson… eso ocurre hoy en día.

Lo que hace la industria es más bien identificar qué es lo que ya está ocurriendo, pequeños indicadores digitales, para ir a por ellos. Así que sinceramente no lo sé, ojalá lo supiera, pero supongo que lo que todas las industrias. Es una industria con el legítimo derecho de hacer dinero, y donde surgen las oportunidades de manera espontánea hoy en día más que nunca, es donde dirigen su mirada para ir, independientemente de género o perfiles de artistas.

Has trabajado y continúas trabajando con artistas como Sabina, Malú, Rozalén, Dani Martín, Ana Torroja…¿hay algún denominador común en estos/as artistas y en su éxito?

Sí me atrevería a decir que eso que llaman el factor X es verdad que existe. Y supongo que con los años de profesión te entrevistas a lo mejor con una artista o proyecto emergente, y muchas veces sí es verdad que tienes ocasión de decir: más allá de la calidad de la rueda armónica o de la letra de la canción es verdad que cuando tienes un cara a cara con un artista así sabes identificar. Si eres capaz de proyectar ¡ostras!, ¿este artista dentro de 5 años en una entrevista sería capaz de enamorarme de su proyecto o no? y eso existe. Pero también pongo este ejemplo: hace muchos años cuando alguien fichó a Héroes del Silencio o El último de la fila o Mecano pues seguramente dio un salto al vacío, no sabía lo que iba a pasar.

Antes de eso no había nada parecido, sin embargo se convirtieron en marcas que definieron la historia de la música pop en nuestro país. A lo mejor hoy en día eso se ha perdido un poco porque los saltos ya no son tan al vacío, ya hay indicadores previos. Ya hay un número de oyentes en Spotify, un número de seguidores en redes sociales que te dan un indicador de algo que ya está ocurriendo y tú lo persigues, pero entonces en aquella época sí que es verdad que eran saltos al vacío.

Cuéntanos, en tu día a día ¿cómo descubres o cómo se descubre el talento? ¿Qué tendría que hacer un artista emergente para que te fijaras en su música?

Antes que nada quería decir que mi trabajo no consiste solo en descubrir talentos. Un A&R tiene que trabajar día a día en cada uno de los proyectos con los que trabaja. Si, como es mi caso, ya trabajo con doce o catorce proyectos, realmente el tiempo que le puedo dedicar a la búsqueda de nuevos talentos es un 10% de mi trabajo como mucho. El otro 90% se lo lleva seguir trabajando en grabaciones, mezclas, contratos, fotos, videoclips… de los catorce proyectos que ya llevo. Y es verdad que hoy hay muchas herramientas de stream analytics para identificar oportunidades.

Sigue existiendo el hecho de que un mánager o un productor de confianza te haga llegar un proyecto en el que ya ha estado trabajando, y dependiendo del grado de confianza que tengas con ese interlocutor, le haces más caso o menos caso. Siempre existe la posibilidad de seguir trabajando a la antigua e irte a un concurso de bandas o certámenes e investigar, seguir metiéndote en la web a bucear a ver qué es lo que te encuentras. No hay una manera de descubrir un talento, hay muchos. Hoy en día y esto es un poco a mi pesar, sí es verdad que cada vez tienen más peso los indicadores digitales.

Con lo cual la labor del cazatalentos en sí empieza a verse un poco reducida. Cada vez hay menos saltos al vacío de fe en un proyecto que te ha enamorado y un poco más le haces caso a los indicadores digitales. Pero sigue existiendo ese riesgo, es una ciencia completamente inexacta, la más inexacta de todas. Es una ciencia de adivinación, ¿creo que esto va a funcionar o no? Además tiene un número finito de oportunidades para cagarla. No puedes fallar todos los tiros porque al final trabajas para una empresa que en cada uno de los proyectos que tú apuestas hace una inversión de dinero, de tiempo, de personal. Con lo cual no puedes errar cuatro tiros seguidos, esa es la historia.

En TAI estamos a punto de lanzar un Master en Music Business. ¿Crees importante especializarse en este ámbito para seguir tus pasos profesionales?

Efectivamente, hoy en día hay mucha oferta de formación concreta en Music Business, en industria musical. Eso es algo que yo no tuve la suerte de conocer y que prácticamente cualquiera de los colegas de trabajo que tengo hoy en día no vivió. Sí es verdad que la gente más joven, los juniors que están entrando hoy en día en las compañías, en las editoriales, en las promotoras, en las oficinas de management sí que es verdad que es gente que ha hecho un curso de posgrado, un máster, una formación concreta. Pues hay que aprovecharlo, que haya entidades y haya universidades, colegios, que estén impartiendo esta formación es maravilloso.

Ojalá lo hubiera podido tener yo. Además, vamos al turrón, nosotros descubríamos la profesión: te levantabas por la mañana y decías ¡a ver qué tendré que hacer hoy! Hoy en día ya no, así que si estás leyendo esto y tienes la oportunidad de formarte porque te llama la atención la industria musical, no pierdas la oportunidad de hacerlo.

El jazz corresponde es un género musical con origen en sonidos afroamericanos que se fueron mezclando con otras melodías. Una de sus características principales es que no tiene una estructura rígida, sino que posibilita la improvisación e interpretación de estilo libre. En este caso, el Scar es una técnica de improvisación vocal clave en el jazz.

Improvisación con la voz: Scat

El Scat es una técnica vocal de jazz en la que se usan sílabas sin significado, algo parecido al tarareo pero ajustándose a una melodía o instrumento musical. El Scat es una manera de expresarse con la voz de una manera diferente, no planificada y melódica; hace que el/la cantante crea efectos de instrumentos con su voz.

En el mundo del jazz, en el que los instrumentalistas tenían momentos en los que brillar en sus solos, los cantantes crean la técnica del Scat, que les permitió estar a la altura de los instrumentistas.

Según dicen, el precursor de esta técnica fue Louis Amstrong, músico y trompetista, con la canción Heebie Jeebies en el año de 1926. Otra de las artistas más destacadas en esta técnica en Ella Fitzgerald, que destaca con canciones como A-Tisket-A-Tasket (1938) o Dream A Little Dream Of Me (1950). Conoce más aquí sobre la artista.

Con el Scat, el intérprete o cantante imita además efectos de instrumentos como la guitarra o la trompeta, es decir esta técnica convierte la voz en un instrumento más. Un ejemplo de ello es la cantante Ella Fiztgerald y sus virtuosas improvisaciones con esta técnica.

Iniciación al Scat

Siempre que se va a cantar o modular la voz es muy importante hacer ejercicios corporales, de respiración y calentamiento vocal, pero, en este caso es indispensable hacer ejercicios de articulación de los fonemas. Es importante conocer las técnicas y estudiar música para poder desarrollar el talento de cada artista.

Otra de las técnicas esenciales para aprender a improvisar con la voz es intentar imitar los
instrumentos y sonidos característicos del jazz, utilizando una vocal y consonante determinado. Lo más sencillo es comenzar con la D, combinada con diferentes vocales, tal y como ocurre en Dream a little dream of me, de Ella Fitzgerald. Así se comienza, practicando, jugando con la voz y la combinación de sonidos, evitando siempre las consonantes explosivas como la P.

Existen muchas formas de comunicación y de manifestación emocional, y la música es una de ellas. Es esa expresión artística que tiene mayor facilidad para evocar sensaciones y emociones en el oyente.

“Una de las mejores cualidades de la música es que, cuando te pega, no sientes dolor” – Bob Marley

La música, si bien puede nacer naturalmente, debe ser tratada, estudiada y trabajada para conseguir los mejores resultados posibles. Estudiar música no solo permite crear e investigar la cultura musical, su composición y la práctica a través de la historia, sino que prepara al músico para explorar su talento y gestionar sus propias creaciones.

Además, el estudiar música no solo enseña a componer y crear, sino que también prepara al artista para enfrentarse a asuntos tales como leyes vinculadas la protección de obras o la grabación, mezcla, mastering y acústica.

Algunas de las salidas profesionales más habituales

• Sesionista
• Interpretación
• Composición
• Producción Musical
• Dirección de Orquesta
• Programación Artística
• Operadores de Sonido
• Docencia / Investigación

8 razones por las que estudiar música

1. Desarrolla la inteligencia emocional

La inteligencia emocional es la capacidad que tienen algunas personas de reconocer tanto los sentimientos propios como ajenos. Son personas con la capacidad de motivar y motivarse, así como de manejar adecuadamente las relaciones.

En este sentido, la música se convierte en uno de los mecanismos más útiles para expresar sentimientos y emociones propias y ajenas. Crea situaciones y ambientes capaces de motivar a muchas personas e incluso, puede llegar a ayudar a los oyentes a entender o manejar mejor aquello que sienten.

2- Mejora la disciplina

Estudiar música es una carrera de fondo, requiere constancia y dedicación, lo que, al final acaba desarrollando en el artista una disciplina que otras artes no proporcionan. Aprender a tocar y leer música, por ejemplo, no es ni rápido ni fácil, y requiere mucha concentración mental.

3- Estimula la creatividad y expresión propia

Hacer música implica crear, escribir, interpretar, leer, y todo esto lleva al artista a mirar desde diferentes perspectivas. Las y los músicos tienen la misión de derribar barreras impuestas por la mente y ver más allá de lo ya creado.

Estudiar una titulación enfocada en la música ayuda al autoconocimiento, básicamente porque obliga al artista a expresar sus ideas y pensamientos a través de la música, incrementando así su capacidad de producir canciones y melodías.

4- Incrementa la conexión con los demás y la empatía

La música es un idioma universal, es capaz de conectar a las personas sea cual sea su procedencia. Pocas disciplinas artísticas tienen el poder de unir a tantas personas en un mismo recinto como lo hace un concierto. Es curioso cómo emociona poner una canción y que haya alguien que se la sepa y sea tan fan del artista como uno.

Además, la música, al explorar sentimientos y situaciones, hace mucho más fácil la tarea de empatizar con el otro. Incluso, en ocasiones, es más sencillo expresar lo que siente con una canción que con palabras.

5- Mejora el oído musical

Según el músico y pedagogo Edgar Willems, tener oído musical significa poseer «la habilidad de comprender auditivamente todos los elementos que constituyen el discurso musical». En este sentido, cuanto más se trabaja con música más sencillo es poder identificar notas, melodías, sonidos que sean parte de una obra ya creada. Pero también ayuda a crear, saber qué nota combina y qué no, crear melodías y nuevas canciones.

6- Involucra mente, cuerpo y sentimientos

La música involucra emociones, y eso es un hecho. Según la psicología, la música fomenta la expresividad y la imaginación. Por eso, estudiar música crea un vínculo entre las emociones y el arte, siento tanta esta relación que muchísimos artistas la utilizan como forma de expresarse a través de obras muy personales.

7- Aumenta la inteligencia y capacidad cerebral

Al escuchar o producir música el cuerpo produce dopamina, el neurotransmisor encargado de producir felicidad. Además, está más que demostrado por diversos estudios que dominar un instrumento musical, saber leer partituras y estudiar música mejora considerablemente la capacidad cerebral. Es como aquellas personas que estudian un segundo o tercer idioma, luego resulta más sencillo aprender más cosas.

8- Ayuda a la salud mental

Un estudio de Teppo Sarkamo (Universidad de Helsinki, 2008) demostró que la terapia musical mejora de manera significativa las capacidades cognitivas de los pacientes que han sufrido un accidente cerebrovascular, es decir, un ictus. Su capacidad de atención, su memoria e incluso sus capacidades lectoras, de escritura y de atención mejoran a medida que están en terapia musical. La terapia hizo que el estado de ánimo de los pacientes mejoraba significativamete.

Además, siendo el estudio de música una actividad que necesita constancia, la consecución de metas y logros ayudan al artista a consolidar una personalidad más fuerte y consciente de sus capacidades. Es también interesante observar cómo, al escribir música basada en emociones o vivencias, sirve, en ocasiones, de terapia para los propios artistas. Les ayuda a hablar de sus problemas y contar la realidad de su vida. Puedes ver algunos ejemplos aquí.

En cualquier evento o proyecto audiovisual es necesaria la presencia y uno o varios técnicos de sonido, ya que es la persona encargada de captar y reproducir el sonido de calidad.

Qué es un técnico de sonido

También llamado sonidista, el técnico de sonido es aquel profesional encargado de que la calidad del sonido que se capte, registre y/o reproduzca en cualquier proyecto y evento sea la mejor posible. Para ello, el técnico realiza ajustes y correcciones tanto en la mesa de sonido como en el material necesario, así consigue una calidad óptima, tanto técnica como artísticamente. Puede encargarse tanto de sonido directo como de grabaciones en estudio o platós.

Un/a técnico no suele trabajar en solitario, sino que suele hacerlo con otras personas que desarrollan roles complementarios al suyo como pueden ser un productor musical, artistas, productores audiovisuales, realizadores, ingenieros de sonido, entre otros muchos. Además, el sonidista es necesario en prácticamente cualquiera de las etapas de una producción audiovisual, preproducción, la producción y postproducción, o de cualquier espectáculo en vivo, tanto para acondicionar el espacio, captar y emitir el sonido como para añadir efectos sonoros o musicales.

5 funciones de un técnico de sonido

El técnico de sonido es en rol necesario tanto en la industria musical como audiovisual y, dependiendo de para cuál sea, sus funciones son diferentes:

Mantenimiento, montaje y colocación del equipo de sonido

Una de las funciones más comunes de los técnicos de sonido es montar y desmontar el equipo de sonido, así como ponerlo en marcha durante las producciones audiovisuales, sonoras y espectáculos en directo, garantizando así su óptimo desarrollo. Además, es muy importante que estén atentos de la calidad del material, deben encargarse de que todo el equipo esté optimizado y en las mejores condiciones.

Control de sonido en espectáculos y eventos

Controlar el sonido de espectáculos y eventos es algo fundamental para que todo funcione perfectamente en cualquier tipo de espectáculo. El Técnico de Sonido se encargará de poner las pistas de música y los efectos sonoros en el momento adecuado. Además, deberá saber controlar el volumen de todo esto para que todos los espectadores escuchen correctamente sin que el sonido les sea molesto. par

Creación y diseño de efectos sonoros

Una función muy curiosa pero necesaria de un técnico de sonido es la creación de sonidos, tanto para espectáculos en vivo como para producciones audiovisuales. Esta no es una tarea solo de este rol, sino que también existen personas dedicadas únicamente a realizar esta tarea que se conoce, en el cine, como Foley. Conoce más sobre esta técnica aquí.

Montar bandas sonoras y otras piezas musicales

Montar, que no componer, bandas sonoras y música para los espectáculos y producciones es una de las tareas fundamentales de los técnicos de sonido. Se trata de componer las bandas sonoras para sincronizar el sonido, tanto el directo como el pregrabado hasta componer una pieza final.

Posproducción

En la etapa de postproducción es fundamental en cualquier proyecto audiovisual, y, en este momento, el técnico de sonido sincroniza audio y diálogos con música y efectos de sonido.

¿Qué es una banda sonora?

Aunque no siempre ha sido así, la banda sonora se ha convertido en una de las partes más especiales e importantes de una película, e incluso de muchos videojuegos. Es por eso que los compositores de bandas sonoras son clave a la hora de comenzar una producción.

La introducción de bandas sonoras en la industria cinematográfica no fue inmediata ya que, antes que nada, había que conseguir que un fonógrafo y un proyector funcionarán juntos. En un principio, las películas estaban en silencio, acompañadas por música ambiente en las salas de cine. Después, la imagen pasó a reproducirse con canciones de grandes artistas, pero muchas de ellas no acompañaban la acción o la trama.

La banda sonora original (BSO) toma ese nombre a raíz de las composiciones exclusivas para las cintas concretas. Un proceso en el que el director de la película se reunía con el director de orquesta para, tras hacer un visionado de la película, hacían una composición en conjunto. Posteriormente, se enseñaba la película a los músicos para probar sonido con imagen y grabar la banda sonora final. Música que pasó a ser también comercializada como un producto a parte del film.

A día de hoy una banda sonora es esencial, es más, muchas películas deben parte de su éxito e identidad a sus bandas sonoras. Rocky (John G. Avildsen, 1977), Casablanca (Michael Curtiz, 1946), Jurassic Park (Steven Spielberg, 1993), son películas más que reconocibles con solo unos acordes de sus bandas sonoras.

Hubo una época, aproximadamente por la década de los 80-90, en la que la música de las bandas sonoras tomó una corriente más comercial, por esa razón se usaron composiciones de artistas de renombre para crear bandas sonoras originales y darle más popularidad a las películas. Como ejemplo de esto podemos encontrar Titanic (James Cameron, 1998), con canciones de Celine Dion, o El guardaespaldas (Mick Jackson, 1992), con voz y actuación protagonista de Whitney Houston.

Mejores compositores de Bandas sonoras (y sus composiciones más famosas)

La banda sonora de una película es una parte fundamental que carga con un gran peso conceptual y sentimental. Es por eso que existen una amplia variedad de compositores y compositoras dedicados en exclusividad a la escritura de bandas sonoras, tanto para cine y series como para videojuegos. Y, entre ellos, hay algunos que destacan por sus grandes piezas o éxitos en ventas.

Hanz Zimmer

Es un compositor alemán que puede llegar a considerar de los más o incluso el más famoso de la industria cinematográfica. En sus composiciones, se caracteriza por la integración de música electrónica y arreglos sinfónico-orquestales. Destaca por películas, entre muchas, como Interstellar (Christopher Nolan, 2014), Gladiator (Ridley Scott, 2000), Dune (Denis Villeneuve, 2021), El Rey León (Rob Minkoff y Roger Allers, 1994), Piratas del Caribe (Gore Verbinski, 2003), El Caballero Oscuro (Christopher Nolan, 2008) u Origen (Christopher Nolan, 2010).

Ennio Morricone

El compositor y director de orquesta italiano es ya una leyenda en la historia del cine. Sus composiciones para el Bueno, el Feo y el Malo (Sergio Leone, 1968), Los intocables, (Brian De Palma, 1987), Los odiosos ocho (Quentin Tarantino, 2016) y Cinema Paradiso (Giuseppe Tornatore, 1989).

John Williams

Considerado como uno de los artistas más importantes y prolíficos de la industria, Williamns es compositor, director de orquesta, pianista y trombonista. Se le conoce por sus composiciones en películas como Harry Potter (Chris Columbus, 2001), Jurassic Park (Steven Spielberg, 1993), E.T. (Steven Spielberg, 1982), Tiburón (Steven Spielberg, 1975), Star Wars (George Lucas, 1977), El violinista en el Tejado (Norman Jewison, 1971) o Indiana Jones (Steven Spielberg, 1981).

John Barry

Ganador de cinco premios Oscar, el británico destaca en su composición de las bandas sonoras de películas como Memorias de África (Sydney Pollack, 1986), Bailando con los lobos (Kevin Costner, 1990), Enigma (Michael Apted, 2001) o 007 (Terence Young, 1962).

Henry Mancini

En su composición filmografía destacan títulos como La Pantera Rosa (Blake Edwards, 1963), Desayuno con diamantes (Blake Edwards, 1963), Hatari! (Howard Hawks, 1962) o Dos en la carretera (Stanley Donen, 1967). Se le considera un artista célebre compositor, director de orquesta, arreglista, pianista y flautista estadounidense, distinguido por componer canciones mezclando música cinematográfica, de jazz y de influencias latinas.​​

James Horner

El compositor de Avatar (James Cameron, 2009) y Troya (Wolfgang Petersen, 2004) destaca por crear la banda sonora más vendida de la historia: Titanic. En 1995 fue aclamado por el público por obras como Braveheart (Mel Gibson, 1995) y Apolo 13 (Ron Howard, 1995) y se le conoce también a raíz de otros títulos como Leyendas de Pasión (Edward Zwick, 1994) o La Máscara del Zorro (Martin Campbell, 1998).

Rachel Portman

Rachel Portman es una compositora británica y la primera mujer en ganar el Premio Óscar a la mejor banda sonora original, hito que tuvo lugar en 1996, por la película Emma (Douglas McGrath, 1996). Entre sus obras, ha compuesto para cintas como Chocolat (Lasse Hallström, 2000), La casa del lago (Alejandro Agresti, 2006) o La sonrisa de la Mona Lisa (Mike Newell, 2033).

Bill Conti

Bill Conti, más conocido como el compositor de Rocky (John G. Avildsen, 1977), es un artista italiano especializado en composición para cine estadounidense. Es exalumno de la prestigiosa Juilliard School of Music de Nueva York y debutó musicalmente en Blume in Love.

Alan Menken

“El compositor de Disney”. Alan Menken, compositor y pianista estadounidense, es conocido por haber compuesto la banda sonora de una lista bastante numerosa de películas producidas por Walt Disney Animation Studios, tales como La Sirenita (John Musker y Ron Clements, 1990), La Bella y la Bestia (Gary Trousdale y Kirk Wise, 1992), Hércules (Ron Clements y John Musker, 1997), Aladdin (Ron Clements y John Musker, 1992) o Enredados (Nathan Greno y Byron Howard, 2010)

Howard Shore

Howard L. Shore, compositor y saxofonista canadiense, es conocido por su papel en la composición de bandas sonoras para películas como El Señor de los Anillos (Peter Jackson, 2001), Seven (David Fincher, 1996), El silencio de los corderos (Jonathan Demme, 1991), El Hobbit (Peter Jackson, 2012) y King Kong (Peter Jackson, 2005).

Bandas sonoras originales destacadas

Series

1. Stranger Things (Netflix, 2016), compuesta por Michael Stein y Kyle Dixon.
2. Euphoria (HBO, 2019), con canciones originales de Zendaya y Labrith entre otros artistas.
3. Friends (Marta Kauffman y David Crane 1994), música compuesta por David Crane, Mark Forster, Allee Willis, Michael Skloff y Phil Solem.
4. Juego de Tronos (HBO, 2011), compuesta por Ramin Djawadi.
5. This is us (Dan Fogelman, 2016),  música de Siddhartha Khosla.

Videojuegos

1. DOOM Eternal (John Lin, 2020), compuesta por Mick Gordon.
2. Ghost Of Tsushima (Darren Bridges, 2020), Ilan Eshkeri y Shigeru Umebayashi.
3. The Last of Us 2 (Neil Druckmann, 2020), Gustavo Santaolalla.
4. Elden Ring (Hidetaka Miyazaki y George R. R. Martin, 2022), compuesta por Shoi Miyazawa, Tai Tomisawa, Tsukasa Saitoh, Yoshimi Kudo y Yuka Kitamura.
5. God of War (Cory Barlog, 2018), compuesta por Bear McCreary.

Películas

1. El Padrino (Francis Ford Coppola, 1972), compuesta por Nino rota.
2. Interstellar (Christopher Nolan, 2014), música de Hanz Zimmer.
3. Harry Potter (Chris Columbus, 2001),  BSO de John Williams.
4. El Señor de los Anillos (Peter Jackson, 2001), compuesta por Howard Shore.
5. El mago de oz (Victor Fleming, 1939), BSO de Herbert Stothart y Harold Arlen.

Dentro de la industria musical existen diversos roles sin los que la producción de música no sería posible. Lógicamente, la cara más visible es la del artista, pero existen otras dos figuras tan relevantes que, sin ellas, la producción musical sería casi imposible: el productor ejecutivo y el productor musical.

El productor ejecutivo

El productor ejecutivo, explicado de la manera más simple posible, es la figura responsable de la economía y financiación de los proyectos musicales. Se encarga de financiar la grabación en cuestiones como el alquiler del estudio, los músicos, equipos, etc.. Es decir, es el que pone el dinero, ya sea propio o de una empresa.

En cuanto a quién desempeña este trabajo, la realidad es que este rol puede ser ocupado por casi cualquier persona, hay casos en los que es una persona perteneciente a una productora, en otros un mecenas, un familiar, un amigo e incluso el propio artista. Pero, lo ideal es que esta persona sea alguien de confianza y que el contrato que se firme con ella sea seguro para ambas partes porque, al fin y al cabo, el productor ejecutivo se queda con gran parte de los derechos y ganancias de la música.

Puedes ver aquí una lista de productoras en España.

Funciones del productor ejecutivo

La función del ejecutivo en la industria musical puede parecer solo la de poner dinero, pero la realidad difiere bastante de lo que comúnmente se piensa:

• Responsable de nuevos talentos: suele hacer la búsqueda de nuevos artistas o grupos para la productora, si es que trabaja para una.
• Organización de sesiones: es la persona responsable de organizar las jornadas de grabación en estudio de los artistas.
• Responsable de negociación: se encarga de negociar con los estudios o las empresas los gastos del equipo, músicos, estudio, comercialización, etc..
• Responsable de la producción: organiza los equipos humanos y de sonido, lleva la gestión de las campañas de marketing y promoción de la música. Aunque también se puede contratar una empresa externa para esta última tarea, o que la propia productora tenga un departamento exclusivo de marketing.
• Responsable de los contratos: es la persona que maneja toda la gestión de contratación de personal externo, tanto para una productora como para freelance: músicos, el productor musical, gestión de derechos, empresas externas, etc..

Estas funciones pueden o no atribuirse a un productor ejecutivo, pues generalmente, al ser una figura de mucha importancia pueden tener solo una o varias de las responsabilidades mencionadas y, puede ocurrir que, al tener el ejecutivo una sola función, las demás se lleven a cabo por otras empresas o departamentos. En otras ocasiones, son los propios artistas o representantes los que toman las riendas de alguno de estos trabajos, como la búsqueda de otros músicos o coristas por ejemplo.

Podemos definir la mezcla de audio como un proceso en el que el usuario manipula pistas para combinarlas y crear una canción.

La mezcla requiere práctica, no es nada común coger un programa por primera vez y componer una canción perfecta sin problemas. Al igual que no es común sentarse por primera vez en frente de un piano y tocarlo a la perfección.

Una de las cosas más importantes antes de comenzar a mezclar es escoger el programa o DAW (Digital Audio Workstation). Esto depende de las necesidades como artista y del equipo. Algunos de los más utilizados son: Pro Tools, Logic, Ableton Live, Studio One, Bitwig o Adobe Audition. Lo mejor es familiarizarse con el programa escogido para poder navegar por él de manera más eficiente.

Otra de las cosas necesarias para mezclar es tener un mínimo de oído musical, esa capacidad de escuchar y comprender música de manera interna. Digamos que no es algo físico, sino psicológico.

Ajustes de pre-mezcla

El primer paso para mezclar es la preparación, no solo en el programa, sino que el propio artista tiene que tener una idea estructurada previamente. Una organización consistente y repetible, ayudará a ser mucho más eficiente a la hora de mezclar. Cuando se comienza en este mundo lo más factible es comenzar con una plantilla, casi todos los programas incluyen algunas de diferentes géneros musicales.

Nombrar las pistas

Tanto en las plantillas por defecto, como en las creadas de forma personalizada, es importante renombrar las pistas correctamente. Evitar nombres genéricos como “pista 35”, facilitará la tarea de encontrar las grabaciones en nuestra sesión de una forma mucho más rápida. Es decir, si grabamos un piano, es más aconsejable denominar las pistas con el nombre del instrumento.

Categorización

Ya sea por colores o por nombre, es importante ir agrupando las pistas por categorías. Por ejemplo: si hay tres pistas de voz (voz principal, segunda voz y coro), cada una bien nombrada, se agrupan en la categoría “voces”. En el caso de que haya varias guitarras se agrupan en la categoría “guitarras”. Es recomendable hacerlo por colores, ya que resulta mucho más visual. Además, usando siempre los mismos colores por categorías, el trabajo será mucho más sencillo, ya que se tendrá siempre esa referencia visual independientemente del proyecto en el que se esté trabajando.

La base de la mezcla

Es el momento de entrar en lo divertido, de comenzar a jugar con las pistas y plugins. Paciencia, antes de eso hay que balancear sonidos para que todo suene más unificado, y mantener una buena estructura de ganancia facilitará el trabajo en procesos posteriores
La mezcla estática se consigue de acuerdo a tres reglas: usar solamente atenuador de volumen, posicionamiento de paneo y no utilizar plugins. Esta es la ocasión de jugar y familiarizarse con la producción y los sonidos, así la mezcla irá cobrando forma.

Procesar y limpiar el audio

Probablemente en este punto se hayan identificado algunos fallos o problemas, además de haber averiguado la línea que encaminará la canción. Es el momento de usar los plugins. En este caso, los mejores amigos de un músico son: el ecualizador, el compresor y algunos efectos como el reverb. El objetivo es corregir problemas que puedan perjudicar nuestra mezcla.

Por ejemplo, la EQ sustractiva permite eliminar frecuencias no deseadas, o que generan problemas de enmascaramiento; es decir, que opacan a las frecuencias que deberían destacar en la mezcla.

La magia de la mezcla

Ahora es cuando se va creando poco a poco la magia de la mezcla y donde se invierte más tiempo. Si tenemos un proyecto con muchas pistas, es preferible utilizar buses y canales auxiliares, bien ordenados. Esto permite aprovechar los recursos de nuestro ordenador, y conseguir mezclas más naturales. Por supuesto, no debemos dejar de experimentar en este punto. Hay muchas formas de mezclar audio, y cada artista tiene su método, pero es muy importante utilizar pistas de referencia que ayuden a pulir y alcanzar los niveles adecuados en nuestros trabajos.

La práctica y escucha constante ayudarán a encontrar y desarrollar una visión más personal como productor musical, pero no debemos olvidar que si la materia prima con la que se trabaja es buena, será más fácil conseguir excelentes resultados.

Saber cómo componer una canción requiere de habilidades creativas que se adquieren a través de la exploración de recursos para el desarrollo de las principales características de una canción. Asimismo, hay que conocer los distintos estilos musicales y su conexión con las nuevas demandas de la industria musical contemporánea tomando en cuenta cada uno de sus elementos: estructura, melodía, groove, armonía y letra.

La Escuela Universitaria de Artes TAI cuenta con una amplia oferta en estudios musicales, una alternativa moderna y avanzada frente a la enseñanza tradicional de los conservatorios. En TAI puedes aprender a desarrollar tu creatividad compositiva apoyándote en las nuevas tecnologías y tu pasión por la música con la Diplomatura en Creación y Producción Musical o el Grado Oficial Universitario en Composición Musical. Si te interesa especializarte, el Master en Producción Musical te ofrece una inmersión en las herramientas tecnológicas más actuales en composición, postproducción y diseño sonoro.

Consejos para componer una canción: primeros pasos

Para comenzar el proceso de composición no existe una receta mágica. Cada autor/a debe encontrar su propia manera de trabajar que depende de factores como la formación musical, los gustos personales e incluso el estado anímico a la hora de idear o crear una pieza.

No obstante, puedes utilizar algunos de los consejos que te ofrecemos a continuación para mejorar tus pautas de trabajo.

1. Haz ejercicios para entrenar el oído

Aquí puedes encontrar algunas pautas para mejorar la educación del oído musical. Estos ejercicios te ayudarán a desarrollar tu audición en general, lo que impactará de forma positiva en el oído musical y, por ende, a la hora de componer una canción.

2. Encuentra una motivación

Cada persona tiene sus propias motivaciones a la hora de escribir canciones. La motivación también depende de lo que se pretenda conseguir con una canción, ya sea éxito comercial, nuestra propia satisfacción artística o una combinación de ambas aspiraciones.

3. Elige un estilo

Si el objetivo es que una canción llegue a un público amplio y sea atractiva para el mercado, puedes guiarte por las tendencias musicales actuales o emergentes, aunque también es posible revisar y rescatar estilos musicales que fueron un éxito en el pasado. No obstante, puedes escribir según tu filosofía artística, eligiendo el género con el que te sientas más cómodo.

4. El anzuelo creativo

El anzuelo creativo es aquel fragmento musical que más impacta en la percepción del oyente, aunque no siempre tiene por qué ser un elemento pegadizo; cada compositor/a debe elegir las ideas que impulsen su creatividad, no necesariamente aquellas que impacten en el público. Un ejemplo de anzuelo creativo es que el riff principal de una canción esté presente a lo largo de toda la estructura (por ejemplo, Life in the Fast Lane de The Eagles).

5. Busca una fuente de inspiración

El impulso del proceso creativo puede surgir de múltiples formas, ya sea realizando ejercicios de improvisación, experimentando con nuevos sonidos, probando con diferentes instrumentos o escuchando canciones de otros artistas. Una fuente de inspiración también puede provenir de palabras: frases de películas, conversaciones, poemas, libros, etc.

6. Ensayo, error y aprendizaje

El bloqueo creativo puede aparecer en cualquier momento. Cada artista tiene su forma particular de funcionar y puede contar con elementos de apoyo para evitar los bloqueos (por ejemplo, tener bases melódicas para escribir letras, trabajar desde una estructura de acordes, etc.).

Lo importante, más que seguir una técnica determinada, es recordar que todo forma parte de un proceso de ensayo, error y aprendizaje en el que el estado de ánimo, el nivel de autocrítica y la experiencia influyen decisivamente en la forma de aproximarte a la composición musical.

6. Empieza por un concepto

A la hora de iniciar tu proceso creativo, puedes empezar con un concepto, algo que te conmueve o te inspira (un título o una sensación musical). 

7. Crea la letra

Las palabras también poseen su propia musicalidad. Atributos como los rasgos paralingüísticos, el sentido rítmico o la entonación pueden extrapolarse a la melodía. Las palabras pueden evocar sensaciones o imágenes que pueden ayudarnos a crear una historia.

8. Parte de una melodía

Otra posibilidad es empezar por una melodía. Cualquier pequeño fragmento musical puede ser un punto de partida, aunque la voz es la herramienta principal. Los fragmentos melódicos vocales son un elemento muy potente a la hora de conectar con el público.

9. O de una secuencia de acordes

También puedes hacerlo «al revés», es decir, desarrollar la melodía después de conseguir una progresión de acordes interesante. Así, podemos construir una secuencia y, a continuación, comenzar a buscar la melodía que mejor encaje aprovechando el poder de las progresiones.

10. Experimenta

Comenzar a componer desde un ritmo determinado también ayuda a conseguir canciones dinámicas, especialmente en el caso de estilos como el dance, el funk, el swing, la salsa o el rock&roll. Experimenta con compases y patrones para ir desarrollando una melodía o buscar una secuencia de acordes.

Consejos para desarrollar una canción

Una vez que tengas el anzuelo creativo desde el que empezar a trabajar, puedes ampliar y desarrollar una canción añadiendo acordes, construyendo melodías, escribiendo versos y elaborando la estructura de la obra.

11. Si tu anzuelo creativo es solo un verso, puedes apoyarte en las siguientes preguntas:

• ¿Qué mensaje o concepto te inspira?
• ¿Cuáles son los sentimientos evoca?
• ¿Y las sensaciones que provoca?
• ¿Qué musicalidad te sugieren las palabras?

12. Si tu anzuelo creativo se basa en un fragmento melódico o armónico, las siguientes preguntas pueden resultarte útiles para desarrollar tu tema:

• ¿Cuál es la tonalidad principal?
• ¿Qué tempo tiene?
• ¿Qué ritmo sugiere?

13. Busca acordes para la línea melódica

Conociendo la tonalidad de tu canción, podrás obtener un mapa que te ayude a construir las distintas secuencias de acordes. Debes estudiar en qué tipo de acordes se sustentará la línea melódica. La experiencia, el error y la rectificación jugarán un papel esencial en tu búsqueda. También unas nociones básicas de teoría musical constituyen un sólido respaldo. Recuerda que una figura musical puede transcurrir por distintos caminos armónicos, es decir, una misma melodía puede funcionar con acordes muy diferentes. 

14. Escucha canciones de otros/as artistas

No tienes por qué buscar progresiones extremadamente originales. Escucha canciones de otros/as artistas. Te darás cuenta que muchas de ellas no solo comparten tonalidad, sino que utilizan prácticamente la misma secuencia de acordes. Aún así, distintos temas con armonías idénticas pueden sonar de forma diferente. La letra, el ritmo, la melodía, los arreglos y la producción tendrán un gran peso en la percepción final de una canción.

15. Revisa en bucle

Los/as autores/as suelen escribir música y letra conjuntamente en un continuo trabajo de ensayo, descarte y toma de decisiones. Todo depende de la intencionalidad y la creatividad. Una canción nunca deja de evolucionar. Evita enfocarte en una forma rígida y trata de ser flexible.

16. Autocrítica

El primer medidor de calidad de una canción es el propio artista. Pero hay que utilizar la autocrítica con cuidado, recordando que, en ocasiones, podemos creer tener una gran canción aunque no sea el caso, o bien considerar mediocre una pieza pese su potencialidad.

17. Feedback

Es importante contar con un círculo de confianza en cuyo criterio confíes, sin olvidar que todo el mundo opina desde la subjetividad.

18. El anzuelo pegadizo

Los anzuelos pegadizos son aquellos elementos melódicos y/o líricos que llaman la atención del oyente. Suelen ser fragmentos cortos de música, palabras, sonidos, ritmos, melodías y acordes. Pueden ser anzuelos vocales, melódicos, rítmicos, efectos de sonido, líneas de bajo, riffs, etc. Los estribillos suelen ser la parte ideal en que insertar un anzuelo pegadizo, aunque también puedes hacerlo en cualquier otra parte de la canción (estrofas, introducción, secciones instrumentales).

Por ejemplo, en temas como Bohemian Rhapsody (Queen) o Good vibrations (The Beach Boys), encontramos anzuelos pegadizos repartidos a lo largo de la canción envueltos en estructuras poco evidentes.

19. No es obligatorio escribir una letra

La mayoría de canciones tienen una línea vocal como melodía principal. Pero hay grandes éxitos como Entre dos aguas (Paco de Lucía) o Take five (Paul Desmond) que no tienen letra.

20. Ni una melodía

Tampoco es necesario componer una melodía para obtener una canción. Esto es evidente en el caso del rap, donde lo importante es la letra y el sentido rítmico de las rimas. Las secciones melódicas se reducen a un respaldo puntual en forma de sample, con una importancia siempre menor a la línea vocal.

21. ¿Cuánto debe durar una canción?

Si te guías por criterios comerciales, los parámetros del mercado marcan un estándar de entre 2:30 y 4:00 minutos. Pero no es una norma. Tenemos muchos ejemplos de canciones largas que se han convertido en grandes éxitos: Like a Rolling Stone (Bob Dylan), Hallelujah (Leonard Cohen) o Riders on the Storm (The Doors). Puedes escribir un jingle de un minuto, una canción de tres minutos, de seis minutos con solos de guitarra e introducción o una mini ópera de trece minutos.

22. El estribillo

A nivel comercial, una canción suele funcionar mejor si su estribillo suena durante el primer minuto. Pero, como hemos insistido, todo esto es relativo. El estribillo puede tardar en aparecer, o bien, una canción puede empezar directamente por el estribillo. Muchas canciones exitosas prescinden de un estribillo claro.

Consejos para la estructura de una canción

23. La canción como una historia

Si escuchas cualquier canción compuesta en el último siglo, comprobarás que tiene un principio, un desarrollo y un final. La forma básica en que se presenta la historia es la estructura de la canción, entendida como la suma de todos sus elementos. No obstante, esta estructura no está formada por compartimentos estancos. La composición es un proceso flexible.

24. El grado de repetición

Todas las canciones incluyen ciertas pautas que se repiten. Las figuras melódicas, los patrones rítmicos y las secuencias de acordes suelen aparecer de forma más o menos cíclica. En algunos casos el grado de repetición es mucho más intenso. Por ejemplo, en un tema de música dance los ciclos son más constantes, mientras que en el caso del jazz se desarrollan de forma más libre.

El grado de repetición es una de las primeras pistas que nos ayudan a identificar las distintas secciones que conforman una canción. Estas estructuras podrían dividirse en dos grupos: secciones principales (estrofa y estribillo) y secciones secundarias (introducción, puentes, secciones instrumentales, final y enlaces). 

25. El cuerpo de la canción: la estrofa

La estrofa establece el ritmo, el estilo y la melodía. Una canción puede constar de varias estrofas en bucle, o bien, si aparecen más secciones, las estrofas tienen la función de asentar el clima general del tema. Mientras que la intensidad suele situarse en el estribillo, las estrofas suelen ser más descriptivas, tanto a nivel musical como lírico.

26. El estribillo

Sus características más comunes son la intensidad, el impacto, su esencia pegadiza y un bajo nivel de variación. No obstante, como hemos comentado, hay múltiples excepciones. 

Los estribillos suelen tener una melodía distinta a las estrofas. A veces incluso se mueven en tonalidades diferentes. Además, en el estribillo la letra suele aparecer como la revelación central de una canción. El nivel de detalle es menor que en las estrofas, pero las ideas son más impactantes y los conceptos menos concretos y más universales.

27. Los puentes

Son aquellas secciones que ejercen como transición entre dos partes de la canción. Existen dos tipos de puentes: por un lado, el pre-estribillo, que sirve de transición entre la estrofa y el estribillo y tiene la función de anunciar el estribillo, creando expectación y proporcionando una sensación de movimiento; por otro lado, el interludio, que, haciendo una analogía cinematográfica, sería el equivalente al clímax de la película y se situaría antes del final de la obra. El puente interludio también se usa como paréntesis frente al resto de secciones para crear contraste. Suele aparecer solo una vez, aunque muchas canciones prescinden de esta sección.

28. La introducción

Es el primer impacto, aquellos segundos que hacen que una canción sea reconocible. Es frecuente que las introducciones aprovechen progresiones de acordes, arpegios, líneas rítmicas o riffs de las secciones que van a sonar a continuación. La introducción suele determinar el estilo, la tonalidad, el ritmo, la dinámica y el tempo de una canción. Puede repetirse varias veces, sobre todo si es breve. 

Hay muchas formas de comenzar una canción, por ejemplo: instrucción instrumental (Stairway to Heaven de Led Zeppelin), vocal (Help de The Beatles), rítmica (Billie Jean de Michael Jackson), asociada al anzuelo pegadizo (Personal Jesus de Depeche Mode) o a una sección entera (Hound Dog de Elvis Presley).

29. Secciones instrumentales

Una sección instrumental es aquella que carece de elementos líricos. La introducción es el ejemplo más claro, aunque también puede haber estribillos o puentes instrumentales y, obviamente, una canción puede ser instrumental en su totalidad.

Cuando una canción tiene letra, la función de los pasajes instrumentales es proporcionar un respiro frente a otras partes de la canción. En cuanto a la armonía, se pueden aprovechar progresiones de acordes presentes en un tema, o bien introducir variaciones. La duración dependerá del contexto, el estilo musical y nuestro criterio artístico.

30. Final

Existen muchas formas de acabar una canción, desde las más recurrentes como el fade out, hasta las más originales donde el tempo se ralentiza en los últimos compases o con una cadencia final. Por ejemplo, se pueden incorporar compases nuevos a las secciones finales (Don’t Look Back in Anger de Oasis), acabar con alguna de las secciones anteriores de la canción incluyendo algún tipo de variación (Plug In Baby de Muse) o empleando un fade out de forma original (Wish You Were Here de Pink Floyd).

31. Enlaces

Los enlaces son elementos muy breves que actúan como lazo entre secciones. A diferencia de los puentes, los enlaces son estructuras muy cortas de apenas unos compases de duración. Podemos encontrarlos en forma de anexo o integrados en la propia estructura de una sección más grande (por ejemplo, las secciones instrumentales breves suelen actuar de enlace). 

Los enlaces como anexos son aquellos breves pasajes musicales que conectan dos partes de la canción sin estar integrados de forma evidente en ninguna de ellas, mientras que los enlaces integrados suelen ser fragmentos cortos que forman parte de una sección más grande como una estrofa, un puente o un estribillo. 

Consejos para utilizar los elementos musicales

32. El motor de la música: ritmo

Como ya hemos comentado, toda obra musical tiene un principio, un desarrollo y un desenlace. El concepto de tiempo está intrínsecamente unido a la música. Todos sus elementos se suceden de forma ordenada. El ritmo, además de afectar a la estructura de la canción, también se manifiesta en la propia duración de las notas musicales. 

33. punto de partida: melodía

Un conjunto de figuras musicales interpretadas de forma consecutiva conforman una melodía, cuya estructura también cuenta con un inicio, un desarrollo y un final. La melodía es un elemento esencial dentro de la música popular. En la mayoría de casos, la voz humana ejecuta la melodía principal de una canción, aunque también es frecuente encontrar otros instrumentos solistas. No obstante, también hay excepciones, como la música rap, donde los elementos rítmicos y líricos tienen el protagonismo.

34. se siente, pero no se escucha: Armonía

La armonía es un fenómeno complejo referido a la relación existente entre las notas. Cuando varios músicos interpretan una obra en conjunto, suelen hacerlo de forma armónica. Por ejemplo, en una canción de pop al uso, la función de la batería es llevar la estructura rítmica de una canción, la de la voz interpretar la melodía principal, mientras que el resto de instrumentos son el respaldo armónico de dicha melodía.

Por tanto, melodía y armonía son elementos complementarios. Dependiendo de la relación armónica entre las notas, la melodía puede transmitir sensaciones diferentes.

A continuación, puedes inspirarte escuchando el siguiente concierto en el que estudiantes del Grado en Composición Musical de TAI presentan sus creaciones. Comparten escenario con músicos profesionales como Javier Martínez, Jordi Ballarín, Jorge Castañeda, Jesús Caparrós y Rodrigo Ballesteros.

Referencia
Little, David (2017). Cómo componer canciones. Ma Non Troppo.

La percepción del elemento melódico de la música provoca diversas reacciones afectivo-emocionales. A medida que adquirimos mayor experiencia musical, vamos desarrollando la comprensión de la melodía, compuesta de un determinado intervalo, tono, compás o ritmo, etc. La educación del oído musical es una de las claves para una verdadera formación en música. Para lograr el dominio consciente del lenguaje musical, se requiere el desarrollo de unas determinadas habilidades que proporcionen una sólida formación auditiva. Tal como indica Elena Berrón Ruiz, profesora en el Conservatorio Profesional de Música de Segovia, todo aprendizaje musical se vincula a la educación global del oído.

¿Qué significa tener oído musical?

Según el músico y pedagogo Edgar Willems, tener oído musical significa poseer «la habilidad de comprender auditivamente todos los elementos que constituyen el discurso musical». Esta habilidad se puede educar y, de hecho, tal como indica la profesora Josefina Alborés Núñez del Conservatorio Superior de Música de Vigo, la formación auditiva es una tarea esencial que acompaña al músico a lo largo de toda su vida y depende de métodos pedagógicos específicos, así como de la propia experiencia profesional.

La agudeza auditiva se desarrolla de dos formas distintas y complementarias: por un lado, aquella consistente en diferenciar sonidos, tomados sucesivamente, y, por otro lado, la basada en la percepción de sonidos simultaneados. En los ejercicios de la primera categoría se puede distinguir entre la sensación de «movimiento sonoro» y la de «altura» del sonido (grave-agudo, bajo-alto).

En los de la segunda categoría, se entrena para percibir simultaneidades de varios sonidos consonantes y disonantes, aprendiendo a disociar los sonidos unidos en un acorde o en un «agregado». Dichos ejercicios son fundamentales no solo para el desarrollo sensorial del oído, sino también para la adquisición de la conciencia mental sonora.

Cómo hacer una prueba o test de oído musical

La Universidad de Harvard ha creado un test online para comprobar científicamente si tenemos buen oído musical. La prueba dura 10 minutos y es apta para cualquier edad. Se basa en la exploración de la capacidad auditiva respecto al reconocimiento y distinción de tonos y ritmos musicales. Además, el test permite detectar si una persona padece amusia, una patología que afecta a la percepción de la música. Puedes realizar esta prueba de oído musical aquí.

Ejercicios para entrenar el oído

La aplicación práctica de los principios pedagógicos de una disciplina no depende solamente de una correcta comprensión teórica. La enseñanza artística es una prueba evidente de ello. En el caso concreto de la música, el sonido y los instrumentos desempeñan un papel principal, por lo que el uso adecuado de estos elementos determinará la educación del oído musical.

Para desarrollar la audición, se puede hacer uso de múltiples y variados materiales: desde objetos que se pueden adquirir en tiendas de juguetes (trompetas, silbatos, flautas, xilófonos, etc.) o tiendas de música, hasta aquellos que no requieren ningún gasto y pueden encontrarse en la vida cotidiana (vasos, boles de porcelana o de barro, cucharas y tenedores, clavos gruesos, cajas metálicas, monedas, etc.) o en la naturaleza (cañas, juncos, ramas de árbol, cocos, etc.).

Antes de entrenar metódicamente la audición desde el punto de vista musical, es decir, la habilidad de discriminar la altura del sonido, se pueden realizar ejercicios de iniciación o de verificación referentes al oído en general. 

Ejercicios referentes a la naturaleza del objeto sonoro:

• Reconocer los objetos que han sido percutidos o tocados, arrugados, desgarrados, etc.
• Reconocer los objetos que se han dejado caer.
• En un grupo de personas conocidas, adivinar quién ha pronunciado una palabra (nivel fácil), o bien, quién ha cantado o gritado (nivel más difícil).

Ejercicios referentes a la dirección y distancia de un objeto sonoro:

• Una persona golpea una superficie (suelo, pared, etc.) en un lugar determinado para que el otro pueda precisarlo.
• Se agita un cascabel o campanilla cerca de una pared o junto al suelo en un punto determinado. Se debe señalar el punto.
• Se mueve un objeto sonoro (por ejemplo, un reloj) en el espacio (espiral, zig zag). Se debe imitar el movimiento.
• Adivinar si una persona que canta andando al fondo de una habitación va de izquierda a derecha o viceversa.

Estos ejercicios permiten un control general del oído y sirven como preparación para la concentración auditiva. Puedes conocer más actividades prácticas en el libro El oído musical de Edgar Willems, enfocado a la preparación auditiva de niños/as. 

Para quienes deseen profundizar en el tema desde un nivel más avanzado, puede consultarse el libro del compositor y musicólogo alemán Clemens Kükn, La formación musical del oído.

Desde el siglo XIX, cuando comenzó a impartirse en los conservatorios, la música tiene en nuestro país una larga tradición universitaria. No obstante, la enseñanza musical en España responde en general a dos modelos organizativos: la integración de los centros musicales superiores en la universidad, o bien, la ubicación de los mismos en un ámbito propio, fuera del marco universitario. Frente a este panorama, la Escuela Universitaria de Artes TAI propuso en 2010 la creación de un Grado en Composición de Músicas Contemporáneas, una iniciativa pionera en España que inauguró el restablecimiento de los estudios musicales artísticos en el marco universitario.

Basándose en modelos como el del Bachelor in Music de conservatorios y facultades de música de EE.UU y Reino Unido, el actual Grado en Composición Musical de TAI supone una alternativa universitaria a la formación superior en los conservatorios. Al mismo tiempo, la Diplomatura en Creación y Producción Musical, con un formato académico de 120 ECTS (2 años), ofrece una preparación intensiva y práctica en recursos técnicos musicales con el fin de potenciar las capacidades creativas de cada estudiante y lograr un proyecto musical propio de la mayor calidad posible.

En TAI sabemos que entrar en la industria musical requiere mucho más que una base teórica y técnica. Por ello, utilizamos una metodología eminentemente práctica donde el eje central de aprendizaje son los proyectos, siempre tutorizados por docentes especialistas y vinculados con diversas disciplinas artísticas. El método TAI garantiza una conexión directa con la industria a través de una formación práctica, colaborativa e interdisciplinar.

La industria musical, un sector en constante transformación

La creación musical está cambiando de forma vertiginosa en el escenario económico de Internet y las nuevas tecnologías. De hecho, definir qué es la industria musical puede resultar difícil, ya que representa un bien cultural intangible o inmaterial. Incluye todas aquellas músicas (populares, eruditas, sagradas, rurales y urbanas, etc.) que se manifiestan por medio del canto, los instrumentos musicales o la danza, afectadas por un proceso de reproducción cultural profundamente dinámico y cambiante.

A las profesiones tradicionalmente relacionadas con los estudios superiores musicales como la docencia o la interpretación se añaden en este nuevo contexto otras salidas laborales como la de «compositor/a de bandas sonoras» o «especialista en música de ambiente de películas o espectáculo de cine, teatro, TV u otros medios de comunicación». Así, las creadoras y creadores musicales del siglo XXI tienen un mayor número de posibilidades profesionales gracias a la diversificación de las composiciones.

Ya no se trabaja solamente creando música de concierto, sino que existe, además, una enorme variedad de músicas populares que gozan de un gran arraigo entre el público y que forman parte de la industria discográfica. Aún más novedosa resulta la variante profesional de la composición para medios audiovisuales y escénicos. Todos los productos de este tipo, cada vez más diversos, requieren compositoras/es preparadas/os específicamente para las nuevas exigencias de la industria musical.

El éxito de nuestro alumnado del Área de Música

Muchos/as de los/as artistas que se han formado en las titulaciones de música de la Escuela Universitaria de Artes TAI han lanzado sus trayectorias profesionales con gran éxito en la industria musical.

Entre ellos, Adrián Crespo, graduado en Composición de Músicas Contemporáneas en TAI, ganador de prestigiosos concursos y premios como el Werkbijdrage Muziekauteur (Fonds Podiumkunsten), el New Composers Pitch (Hertogenbosch, Países Bajos) o el Call for Scores (Utrecht, Países Bajos), estará participando en la edición 2021 de Flamenco Biënnale, que se celebra en los Países Bajos y Bélgica y reúne a destacados/as artistas del flamenco internacional. 

Por otro lado, la cantante almeriense Lia, diplomada en Creación y Producción Musical en TAI, ha estrenado recientemente su proyecto musical Desaparezco, su primer EP, ya disponible en todas las plataformas digitales, que ha contado con la participación de Carlos René, productor de artistas como La Bien Querida, Natalia Lacunza o Ganges. 

Además, el grupo Carolina Durante, del que forma parte el alumni TAI Martín Vallhonrat como bajista, inicia una gira por varias ciudades de España. Uno de sus últimos lanzamientos ha sido La planta que muere en la esquina, el nuevo tema del segundo disco de la banda, que verá la luz a principios del 2022.

¿Qué es el oído absoluto?

El oído absoluto va más allá de lo que habitualmente se ha considerado el buen oído musical. Quienes lo poseen pueden identificar un estímulo auditivo aislado sin contar con un estímulo auditivo de referencia. ¿Esto qué significa? ¿Cómo funciona el oído musical de las personas que gozan de este don?

Por un lado, quienes lo poseen pueden reproducir una melodía escuchada una sola vez. Además, son capaces de identificar notas musicales de forma aislada. Del mismo modo, tienen la capacidad de identificar los tonos de una composición musical. 

En principio, todo parece indicar que es una ventaja para el músico. Así parecen indicarlo numerosos estudios como los desarrollados en la revista científica Psychonomic Society por K.E. Eaton y M.H. Siegel, que afirman que “es generalmente una ventaja para el músico, ya que le ayuda a afinar el instrumento, ejecutar a primera vista precisa y fácilmente y a saber cómo sonará una melodía solo leyendo la partitura”. 

Sin embargo, existen informes que contradicen esta concepción. En La psicología de la música (1982), W.D. Ward y E.M. Burns señalan que estas cualidades son también compartidas por personas que no poseen este don e incluso refieren experimentos anteriores que destacan una carencia de flexibilidad en quienes lo poseen. 

En cualquier caso, conviene no confundirlo con el buen oído musical, dos conceptos que tradicionalmente no se deslindan. El oído absoluto lo poseen 1 de cada 10.000 personas, es decir, se trata de una capacidad bastante extraordinaria. 

Sin embargo, es habitual que se crea que todas las personas capaces de tocar una melodía habiéndola escuchado solo una vez cuentan con oído absoluto. Y eso es matizable. Muchos de los artistas necesitan que se les dé un tono de referencia para interpretar el tema. En este caso se trataría de oído relativo. 

¿Qué oído escucha mejor la música?

Más allá del oído absoluto, este complejo y sensible órgano, capaz de interpretar los sonidos que escuchamos, está lleno de características sorprendentes. Por ejemplo, ¿sabías que uno de nuestros oídos escucha mejor las conversaciones de las personas? 

Esa fue la conclusión de un estudio conjunto sobre la audición desarrollado por la Universidad de California en Los Ángeles y la Universidad de Arizona. Y uno de los resultados más sorprendente de dicha investigación es conocer qué oído escucha mejor la música. 

Lo que ha demostrado este estudio científico es que el oído derecho está mejor adaptado para escuchar música, mientras que el oído izquierdo capta mejor los sonidos del habla. 

La investigación se prolongó durante seis años y consistió en emitir dos clases de sonidos diferentes a más de 3.000 recién nacidos. El resultado fue claro: cada oído procesa mejor determinados sonidos y es el derecho nuestro oído musical. 

Test oído musical 

Cada persona es consciente de cómo es su relación particular con la música, de si tiene un buen oído musical. Pero no dejaba de ser una simple percepción hasta ahora. Porque la Universidad de Harvard ha desarrollado un test digital que permite comprobar cómo funciona su oído musical e, incluso, si posee oído absoluto. 

Este test virtual, desarrollado por investigadores de la universidad norteamericana,  puede completarlo cualquier persona en este enlace. El test hace una valoración de la capacidad auditiva de distinguir los tonos y ritmos musicales. 

El test consiste en escuchar diferentes tonos y valorar las diferencias tonales que percibe el oyente. Una fórmula rápida y sencilla que permite determinar si la persona que lo realiza tiene buen oído musical.

“El que escucha música siente que su soledad, de repente, se puebla”, escribió el poeta inglés Robert Browning. TAI apuesta en sus proyectos formativos por estimular el aprendizaje musical, sabedora de que las artes tienen la capacidad de transformar la sociedad. Y los resultados son muy alentadores, como demuestra el éxito de Raquel López, alumni de TAI, y bajista del premiado grupo Ginebras. También importantes miembros de la industria musical, como el productor Rafa Sardina, ganador de 17 premios Grammy, o Lulo Pérez, productor de artistas como Alejandro Sanz o Joaquín Sabina, han visitado la escuela y dado las claves sobre todo lo que rodea el mundo de la música. 

]]> https://taiarts.com/blog/como-saber-tengo-oido-absoluto/feed/ 0 https://taiarts.com/blog/concurso-de-creacion-leaveyourartistathome/ Fri, 20 Mar 2020 12:40:22 +0000 https://taiarts.com/taiarts.com/?p=25450 Continued]]> ¿Qué haríamos estos días sin música, sin poder hacer fotos, sin películas o series, sin videojuegos…? En tiempos difíciles, el arte es más necesario que nunca.

En TAI apoyamos la iniciativa #yomequedoencasa y queremos premiar a todos esos estudiantes de artes y jóvenes talentos que aprovechan esta larga estancia en casa para dar rienda suelta a su creatividad.

#LeaveYourArtistAtHome

Un concurso de creación artística y/o audiovisual realizada en tu propio hogar.

Podrás participar con el formato que tú prefieras: Microcortos, Fotografía Doméstica, Performance, Live Music, Arte Digital, Monólogos, etc.

Bases del concurso:

– Abierto a alumnos, ex alumnos y seguidores de TAI

– Síguenos en Instagram / FaceBook / Twitter

– Sube tu propuesta con el hashtag #leaveyourartistathome y etiquétanos

– Hasta el 31 DE MARZO (inclusive)

Premios:

Ganador: Un iPad

20 Finalistas: Bufanda de ‘Let Your Artist Out’

Jurado y criterio de selección:

El jurado estará compuesto por profesionales y/o docentes TAI que valorarán la originalidad, el compromiso ciudadano y los aspectos creativos por encima de los técnicos.